Grabado en Europa, C. 1400-1800
La impresión de libros fue un esfuerzo de colaboración, como vemos aquí con diferentes personas preparando un libro para la imprenta. Jan Collaert I después de Joannes Stradanus, "La invención de la impresión de libros, " en Nuevos inventos de los tiempos modernos (Nova Reperta), plato 4, C. 1600, grabado en papel, 27 x 20 cm (Museo Metropolitano de Arte)
La imprenta fue posiblemente uno de los inventos más revolucionarios en la historia del mundo moderno temprano. Mientras que el orfebre y editor alemán del siglo XV, Johannes Gutenberg, es anunciado por su creación de una imprenta mecánica que permitió la producción masiva de imágenes y textos, la tecnología de los tipos móviles fue pionera mucho antes en el este de Asia. A principios del siglo XI en China, el artesano Bi Sheng descubrió que podía hacer caracteres chinos individuales a partir de arcilla cocida para crear un sistema de tipos móviles. Más tarde, en la Corea del siglo XIII, se produjo el primer tipo móvil de metal conocido.
Páginas del libro existente más antiguo del mundo impresas con tipos de metal móviles, Antología de las enseñanzas zen de los grandes sacerdotes budistas , 1377, 24,5 x 17 cm (Bibliothèque nationale de France)
Mayor contacto e intercambio entre culturas en Asia Oriental y Europa a través de la Ruta de la Seda, a partir del siglo XIII, condujo a la difusión de tales innovaciones de impresión. En efecto, a mediados de la década de 1400, Gutenberg estaba en una posición privilegiada para diseñar su proceso mecánico para imprimir múltiples de las mismas fuentes textuales y representaciones visuales. cuales, gracias al soporte de papel portátil y más asequible, significaba que podían circular ampliamente, sirviendo como un modo temprano de comunicación masiva en la era pre-digital. La publicación de grabados, junto con la introducción de tipos móviles, ofreció posibilidades sin precedentes para el intercambio intercultural de conocimientos e ideas. así como estilos y diseños artísticos.
Esta ilustración proviene de un libro publicado por Erhard Ratdolt, uno de los primeros impresores alemanes de Augsburgo, y está ilustrado con setenta y tres xilografías. Aquí vemos "Sol" o "Sol, ”En Albumasar, Flores astrologiae (Augsburgo:Erhard Ratdolt, 18 de noviembre 1488), imagen 22 (Colección Rosenwald, División de libros raros y colecciones especiales, Biblioteca del Congreso)
La democratización del arte
Antes del siglo XV, obras de arte como retablos, retratos, y otros artículos de lujo se encontraban principalmente en las residencias de los clientes ricos y en las iglesias porque era la élite social y los líderes religiosos de la comunidad quienes tenían los recursos financieros para encargar estos exquisitos objetos. El formato reproducible de impresión y la creciente disponibilidad de papel permitieron a la creciente clase media, que puede que no haya tenido los medios para comprar pinturas o estatuas, la oportunidad de coleccionar representaciones artísticas. Si bien los proyectos a gran escala todavía eran financiados por patrocinadores adinerados, la mayoría de las copias se compraron especulando. Como resultado, vemos una variedad de temas representados en forma impresa que hubieran atraído a diversos coleccionistas. Por ejemplo, el deseo de estudiar el pasado, literatura, y la ciencia en las ciudades de la Europa moderna temprana alentó a los impresores a suministrar al mercado del arte representaciones de la historia antigua, mitologia clasica, y el mundo natural.
Sutra del diamante , 868, pergamino impreso en madera, que se encuentran en las Cuevas de Mogao (o "Peerless") o las "Cuevas de los Mil Budas, ”Que fue un importante centro budista de los siglos IV al XIV a lo largo de la Ruta de la Seda (Biblioteca Británica)
Xilografía
La forma más antigua de grabado es el grabado en madera. Ya en la dinastía Tang (a partir del siglo VII) en China, Los bloques de madera se utilizaron para imprimir texto en piezas de tela, y papel posterior. En el siglo VIII, la impresión en madera se había implantado en Corea y Japón. Aunque la práctica de imprimir fuentes escritas es parte de una tradición mucho más antigua en el este de Asia, la producción de imágenes impresas utilizando bloques de madera era un fenómeno más común en Europa, comenzando a finales del siglo XIV en Alemania y luego extendiéndose a los Países Bajos y al sur de los Alpes suizos a áreas del norte de Italia.
Los primeros grabados en madera a menudo muestran temas religiosos. Aquí vemos a la Virgen María acunando a su hijo muerto, Jesús. Alemania del Sur, Suabia, Piedad , C. 1460, xilografía, coloreado a mano con acuarela, 38,7 x 28,8 cm (Museo de Arte de Cleveland, Cleveland)
Petrus Christus, Retrato de una donante arrodillada ante un libro con un grabado colgado en la pared detrás de ella (detalle), C. 1455, óleo sobre tabla, 41,8 x 21,6 cm (Galería Nacional de Arte)
Durante la segunda mitad del siglo XV después de que Gutenberg inventara su imprenta, Los grabados en madera se convirtieron en el método más eficaz para ilustrar textos realizados con tipos móviles. Como resultado, ciudades de Europa, a saber, Mainz, Alemania y Venecia, Italia, donde inicialmente se afianzó el grabado, se convirtió en importantes centros de producción de libros. El método europeo de hacer imágenes impresas en papel utilizando una prensa mecánica llegó al este de Asia en el siglo XVI. pero no fue ampliamente adoptado con fines artísticos hasta un par de siglos más tarde, durante el período Edo en Japón, cuando se produjeron grandes cantidades de grabados en madera de colores (grabados ukiyo-e).
Los primeros grabados en madera de hojas sueltas europeas representan temas predominantemente cristianos, sirviendo como imágenes devocionales relativamente económicas. Si bien los museos conservan hoy las impresiones en cajas con clima controlado para garantizar que duren para que las disfruten las generaciones futuras, en los siglos XV y XVI, fueron doblados y llevados por peregrinos en sus viajes, cortado y pegado en las cubiertas interiores de los libros, o clavado en las paredes de una casa. Como consecuencia, pocos grabados en madera sobreviven porque a menudo fueron destruidos por el uso continuo. Todavía, Los grabados en madera clave existentes revelan el carácter estilístico de este primer tipo de impresión.
Este grabado en madera sobrevivió a un incendio. Muestra a María sosteniendo al niño Jesús, rodeado de santos y escenas de la vida de María. Grabador desconocido del siglo XV, Virgen del fuego , antes de 1428, xilografía, coloreado a mano con pintura, dimensiones desconocidas (Catedral de Santa Croce, Forlì, Italia)
Por ejemplo, dos xilografías (el Piedad hecho en el sur de Alemania y el italiano de principios del siglo XV Virgen del fuego que supuestamente sobrevivió a un incendio que destruyó el edificio en el que se ubicaba) tanto exhiben figuras como otros elementos escénicos que están renderizados con trazos gruesos. Estas imágenes presentan un mínimo de sombreado y patrones, asemejándose a diseños estarcidos a los que un coleccionista a menudo aplicaba pintura a mano para realzar el atractivo emocional de la composición. Esto se ve con la incorporación de rayas rojas de pintura que representan la sangre que gotea de las heridas de Cristo en el Piedad impresión.
Izquierda:Alberto Durero, bloque de madera para Sansón y el León , C. 1497-1498, madera de peral, 39,1 x 27,9 x 2,5 cm (Museo Metropolitano de Arte); derecha:Alberto Durero, Sansón y el León , C. 1497-1498, xilografía, 40,6 x 30,2 cm (Museo Metropolitano de Arte)
Un artista contemporáneo usa un gouger de mano para cortar un diseño de grabado en madera contrachapada japonesa. El diseño se ha esbozado con tiza en una cara pintada de la madera contrachapada (foto:Zephyris, CC BY-SA 3.0)
Un tipo de proceso de socorro, un grabado en madera se produce entintando la superficie elevada de la matriz, que dará como resultado una impresión de espejo de la composición cuando el bloque se presiona sobre una hoja de papel usando presión manual o mecánica (una prensa de impresión). El sello de caucho es un ejemplo moderno de impresión en relieve. Para crear el diseño en el bloque de madera, un artista usa un cuchillo o una gubia para cortar secciones de la madera entre las líneas y formas que se van a imprimir. Al cortar las áreas de madera, hay que tener cuidado de no hacer las líneas en relieve demasiado delgadas o de lo contrario pueden romperse cuando se agrega presión para producir una impresión, razón por la cual los primeros grabados en madera presentan diseños con contornos llamativos.
El proceso de relieve es uno de los principales tipos de grabado. Para hacer un grabado en madera, un artista entinta la superficie elevada de la matriz, que crea una impresión de espejo de la composición cuando el bloque se presiona sobre una hoja de papel con presión manual o mecánica (una imprenta) (video del Museo de Arte Moderno).
A finales del siglo XV, el artista alemán Alberto Durero encontró la manera de plasmar en sus grabados impresionantes sutilezas tonales y de textura. Tallando una serie de líneas finas juntas en su Sansón y el León , representó de manera convincente las sombras en la ladera.
Las áreas blancas de esta impresión no están entintadas, actuando como destacados en la escena. Lucas Cranach el Viejo, San Cristóbal , C. 1509, xilografía de claroscuro (Museo de Arte de Cleveland, Cleveland)
Xilografía de claroscuro
Como lo indica la producción de xilografías coloreadas a mano como el Piedad y Virgen del fuego , algunos coleccionistas prefirieron la intriga estética y emocional de los estampados en color. En el siglo dieciseis, los grabadores del norte de Europa e Italia capitalizaron ese interés haciendo grabados en madera de colores conocidos como xilografías de claroscuro porque imitan la apariencia de dibujos de claroscuro. En este tipo de dibujo, el papel de color sirve como tono medio al que un artista agrega pigmento blanco para producir luz ( chiaro ) tonos y se vuelve más oscuro ( scuro ) incorporando marcas de trama con un bolígrafo o áreas de lavado oscuro con un pincel. El mismo concepto se aplica a las xilografías de claroscuro. De Lucas Cranach San Cristóbal , por ejemplo, se realizó con dos xilografías diferentes. Un bloque de madera, referido como el bloque de tono, creó el tono medio naranja. El segundo bloque de madera, llamado el bloque de línea, produjo las líneas negras, ese es el diseño base y la eclosión. Las áreas no impresas del papel actúan como iluminaciones.
Un ejemplo de niel placas con diseños lineales incisos sobre una superficie de metal con incrustaciones de una sustancia oscura parecida a una pasta. Díptico devocional con el Natividad y Adoración , C. 1500, París, Francia, plata, niel, aleación de cobre dorado, 13,9 x 20,8 x 0,7 cm (Colección The Cloisters, El Museo Metropolitano de Arte)
Grabado
No mucho después de que se hicieron las primeras xilografías, El proceso de grabado en huecograbado surgió en Alemania en la década de 1430 y se utilizó en otras áreas del norte y sur de Europa en la segunda mitad del siglo XV (el huecograbado es una categoría de grabado que incluye grabado, punta seca y aguafuerte). El grabado siguió siendo un método común para el grabado hasta finales del siglo XVIII hasta la invención de técnicas planográficas como la litografía. El grabado tiene sus raíces en la tradición de los talleres de orfebrería y platería donde niel las placas, pequeñas planchas de oro o plata, se hicieron incrustando un diseño lineal en la superficie de metal e incrustando esas ranuras talladas con una sustancia oscura parecida a una pasta para obtener una representación clara.
Los artistas rayaron y grabaron placas de metal para crear detalles finos en la superficie (video del Museo de Arte Moderno).
Buriles utilizados en el proceso de grabado (foto:Manfred Brückels, CC BY-SA 3.0)
A diferencia del proceso de relieve del grabado en madera, un grabado se produce esculpiendo en una placa de cobre utilizando una herramienta con una punta en forma de rombo llamada buril, que deja una ranura en forma de V. Una vez que el diseño ha sido completamente incidido, toda la superficie de la placa está entintada. Próximo, la placa se limpiará con un paño para que solo quede la tinta depositada en las líneas incisas. Ahora la matriz está lista para pasar por la imprenta con una hoja de papel húmeda. La presión de la prensa empuja el papel hacia esas ranuras y recoge la tinta, resultando en una impresión de espejo de la imagen grabada en la placa de cobre.
Aunque este es uno de los primeros grabados de Schongauer, fue tremendamente influyente. Miguel Ángel incluso lo copió. Martin Schongauer, San Antonio atormentado por demonios , C. 1475, grabado, 30,0 x 21,8 cm (Museo Metropolitano de Arte)
En comparación con la dificultad de tallar un diseño en relieve en un bloque de madera, la técnica del grabado permitió a los artistas expertos crear composiciones magníficamente detalladas y estilísticamente variadas sin el temor de producir líneas demasiado estrechas que se romperían bajo la presión de una prensa mecánica. Uno de los más grandes grabadores de la Europa renacentista fue Martin Schongauer. Su San Antonio atormentado por demonios muestra su versátil técnica de grabado.
Martin Schongauer, detalles de San Antonio atormentado por demonios , C. 1475, grabado, 30,0 x 21,8 cm (Museo Metropolitano de Arte)
Para producir diferentes texturas, Schongauer usó una variedad de marcas, tal como largo, líneas rizadas para hacer que el pelaje suave del demonio blandiera un garrote con líneas cortas en forma de U para crear las escamas de la criatura que agarra el brazo izquierdo de Anthony. Al incorporar pasajes de densos trazados cruzados a lo largo del cuerpo de Anthony, Schongauer también le dio a su figura una presencia tridimensional en la superficie plana del papel.
Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer, who created ornamental designs in the surface of metal armor. Attributed to Kolman Helmschmid, etching attributed to Daniel Hopfer, Cuirass and Tassets (Torso and Hip Defense), with detail of Virgin and Child on the center of the breastplate, C. 1510–20, acero, cuero, 105.4 cm high (The Metropolitan Museum of Art)
Etching
Another intaglio process that developed in Germany around 1500 and remained popular throughout the early modern period was etching. While engraving originated from the craft of gold- and silversmithing, etching was closely related to the armorer’s trade. Etching likely developed in the workshop of Daniel Hopfer in Augsburg, a city in southern Germany. Hopfer discovered that through etching he was able to create ornamental designs in the surface of metal armor.
To etch an iron or copper printing plate, an acid-resistant substance (usually a varnish or wax) called a ground is applied to its surface. With a stylus or needle an artist draws a design into the ground, removing some of the coating each time a mark is made. After the design is complete, the plate is submerged into an acid bath and a chemical reaction takes place. The acid bites into the exposed metal, creating linear grooves. Once the plate is taken out of the bath and the ground is removed, the incised matrix is ready to be inked and printed in the same way as an engraving. Whereas engraving takes considerable manual labor because the printmaker has to carve into the metal plate, in the etching process, the acid does all of that work, and so it was considered an easier alternative to engraving. Artists who were adept at drawing, but not necessarily trained to engrave plates, found etching to be a suitable medium to make prints, since realizing a design in the ground with a needle was akin to drawing with a pen on paper.
Parmigianino, Entombment , 1529−1530, grabando, 27.1 x 20.4 cm (Cleveland Museum of Art, Cleveland)
Just like engraving, which had originated in Germany but quickly became popular among artists in other parts of Europe like Italy, etching also spread throughout the continent soon after its development. Parmigianino was one early sixteenth-century Italian painter and draftsman who tried his hand at etching. Su Entombment shows off his expressive line work. It appears “sketch-like, ” resembling a pen-and-ink drawing rather than an engraving, which is usually characterized by regularized lines and marks of equidistant spacing and length.
First state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, Londres)
Drypoint
Drypoint is perhaps the simplest method for creating an intaglio print. It developed at the same time as engraving in early fifteenth-century Germany, and like other related processes, drypoint attracted printmakers working across Europe. The technique involves using a stylus or needle to scratch into the surface of the copper matrix to throw up a burr. Just as the sides of a furrow or trench dug into the ground will hold drifts of snow, the raised edges of a drypoint line will retain ink. When making an engraving, the printmaker scrapes away the burr in order to achieve clean lines when the plate is printed. In a drypoint, sin embargo, the burr is left so that when the plate is printed, it produces a rich, velvety line. Unlike engraving, which can yield hundreds of decent impressions, the delicate drypoint burr wears quickly each time a plate is run through the press. Por esta razón, drypoint was most often used to add finishing touches to compositions after the primary design had been engraved or etched. Todavía, some printmakers like the seventeenth-century Dutch master, Rembrandt, preferred to work entirely in this technique.
Detail, first state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People, 1655, drypoint i/viii, 38.3 x 45.1 cm (British Museum, Londres)
En Christ Presented to the People , the contours of Pontius Pilate, Christ, and the surrounding soldiers reveal the dense, blurred character of the drypoint burr. Because drypoint created few quality impressions, Rembrandt often reworked his plates, making different states of the same image in order to produce more legible representations. The first state was printed early on in the plate’s lifetime before the burr began to wear. In the fourth state, the once-strong velvety lines have all but disappeared and changes to the architecture are visible. Most noticeably, the balustrade depicted near the upper right does not appear in the first state.
Fourth state, Rembrandt van Rijn, Christ Presented to the People , 1655, drypoint iv/viii, 35.8 x 45.4 cm (British Museum, Londres)
Mezzotint
Mezzotint rockers (photo:Toni Pecoraro)
The term mezzotint is a compound of the Italian words mezzo (“half”) and tinta (“tone”), and describes a type of intaglio print made through gradations of light and shade rather than line. To produce a mezzotint, an artist roughens the entire surface of a copper plate with a tool called a “rocker, ” a chisel-like implement with a semi-circular serrated edge. This tool is rocked back and forth across the plate until it has been completely worked, creating a surface full of burr that will hold ink. If you were to print an impression at this stage, it would appear as a field of rich black. To create a legible image, the printmaker must work from darkness to light with the aid of a scraper—a triangular-shaped blade fixed in a knife handle—and a burnisher—a blunt instrument with a hard, rounded end. By removing or smoothing out the burr, the artist weakens the plate’s capability to hold ink when the plate is wiped, and those areas will print a lighter tone.
Left:Richard Earlom after Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, mezzotint ii/ii (Cleveland Museum of Art, Cleveland); right:Joseph Wright of Derby, The Blacksmith Shop , 1771, oil on canvas, 128.3 x 104.1 cm (Yale Center for British Art, New Haven)
Although mezzotint originated in Amsterdam during the second quarter of the seventeenth century, it found particular appeal in eighteenth-century London, so much so that the medium was even nicknamed “the English manner.” When the Dutch-born sovereign William III became King of England in the late 1600s, numerous printmakers from the northern provinces of the Netherlands relocated to London in hopes of achieving royal patronage. During successive decades, native English artists learned from their Dutch contemporaries about how to make mezzotints and several technical manuals on the subject were also published locally. By the beginning of the eighteenth century, England had earned the reputation as a prolific center for mezzotint production. Richard Earlom was one English printmaker who had a successful career making mezzotint reproductions of oil paintings. The Blacksmith Shop from 1771 is based on Joseph Wright of Derby’s painting of the same subject. Wright’s pictures, which exhibit dramatic lighting effects, were ideally suited to be translated into mezzotint because the medium could capture the subtle tonal variations and lustrous appearance of his oil paintings.
Aquatint
Aquatint is a variant of the etching process that produces broad areas of tone that resemble the visual effects of watercolor. It involves the use of a powdered resin that is adhered to the plate through controlled heating. As the resin bonds to the plate, it creates a network of linear channels of exposed metal (think of how a cake of mud that is dried in the sun has a web of cracks). Once the plate is bitten by acid, the areas of exposed metal form deep grooves that are capable of holding ink.
Francisco de Goya is famous for his artworks using aquatint. Goya, Los Caprichos:The Sleep of Reason Produces Monsters , 1799, etching and aquatint, 21.2 x 15.0 cm (British Museum, Londres)
Aquatint was first introduced in the mid-seventeenth century in Amsterdam. Todavía, unlike other printmaking techniques that found immediate attraction, it would take some time before aquatint became more widely used. By the late eighteenth century, several English etchers had become drawn to the more painterly qualities of aquatint, but the medium arguably achieved its greatest acclaim under the Spanish artist, Francisco de Goya. Para hacer The Sleep of Reason Produces Monsters , Goya first etched his sleeping artist, the bats, and haunting cat with quick lines. Desde allí, he switched to aquatint to render the ominous shadow that envelops the entire composition and the white letters on the front of the artist’s desk.
An example of a multi-sheet composition. Albrecht Dürer, Large Triumphal Carriage , C. 1518−1522, woodcut (Metropolitan Museum of Art, Nueva York)
The business of printmaking
Printmaking in early modern Europe was a complex enterprise that involved a number of different agents. It was not always the case that the individual responsible for carving the woodblock or incising the metal plate was the designer of the composition. When Dürer was commissioned by Holy Roman Emperor Maximilian I to design a complex, multi-sheet composition of the Large Triumphal Carriage , he teamed up with a talented workshop of block carvers to help him execute that grand-scale project. In some workshops, the figure who undertook the physical process of printing the blocks and plates may have only done that job. Adicionalmente, there may have been a separate position dedicated to print publishing, that is selling and distributing the prints. Depending on the size of a workshop and the equipment available, some printmakers or publishers had to contract out some of those tasks. Por ejemplo, if a publishing shop did not own a press, it had to collaborate with another local shop to produce its prints. Early printmaking revolved around a sophisticated network of artists and businessmen, and this legacy is still seen today. Many contemporary printmakers partner with a printing shop to create their work and/or a commercial gallery to exhibit and sell their art.
Martin Luther was an Augustinian monk and professor of theology in Wittenberg. He posted his 95 Theses on the door of the castle church in Wittenberg—at least, this is how the tradition tells the story—that took issue with the way in which the Catholic Church thought about salvation, and it specifically took issue with the selling of indulgences. Lucas Cranach the Elder, Martin Luther as an Augustinian Monk , 1520, engraving, 15.8 x 10.7 cm (Metropolitan Museum of Art)
The advent of print not only transformed how images were made, but it created new possibilities for art collecting and mass communication. Scholars have long recognized how the mass distribution of printed pamphlets criticizing the Roman Church’s sale of indulgences and the pope’s supremacy along with printed portraits of Martin Luther, such as Cranach’s Martin Luther as an Augustinian Monk , spurred on a religious revolution in northern Europe by promoting the agenda of Protestant Reformers.
Books made in early colonial Mexico often stressed the importance of images in the process of converting Indigenous peoples. Juan Bautista, Confessionario en lengua mexicana y castellana [Preparation of the penitents in Nahuatl and Spanish] (Santiago Tlatelolco:Melchor Ocharte, 1599), 1v–2r (John Carter Brown Library)
The portability, reproducibility, and affordability of printed compositions contributed to the exchange of information and ideas between cultures of distant geographies. European missionaries who journeyed to the Americas beginning in the sixteenth century brought with them prints of biblical figures that were subsequently disseminated among Indigenous populations in an effort to convert those local communities to Christianity. This kind of imagery also introduced Indigenous artists to new iconographies, visual traditions, and technologies that greatly impacted the artistic production in the Americas. De hecho, during the mid-sixteenth century, the first printing shop was established in modern-day Mexico City and a few decades later Peru transformed into another important center for printmaking in the southern hemisphere. What we consider to be “mass media” today, certainly has its origins in the early modern world of printmaking.
