Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
25 de Febrero, 1841 en la ciudad de Limoges en el sur de Francia, el cuarto hijo nació en la familia del sastre:un niño llamado Pierre Auguste. Unos años despues, toda la familia Renoir se trasladó a París. Desde la primera infancia, Auguste se distinguió por excelentes habilidades de dibujo, así como una voz magnífica.
Pinturas de Pierre Auguste Renoir
El director del coro de la iglesia, donde cantaba el joven Renoir, incluso aconsejó a sus padres que pensaran en la carrera musical de su hijo (por cierto, fue Charles Gounod, quien más tarde escribió la famosa ópera Fausto). Pero la familia del futuro artista no era rica, y su padre vio un futuro diferente para su hijo:el trabajo prestigioso y bien pagado del artista en China.
Entonces, en 1854, a la edad de trece años, Auguste entró en la fábrica de porcelana. Al joven le gustó esta profesión, rápidamente aprendió y comenzó a pintar tazas y platillos, y luego servicios completos. Al mismo tiempo, el joven iba a menudo al Louvre, donde pintó, inspirado en la escultura y la pintura antiguas del artista rococó Francois Boucher, que escribió escenas de género ligero. Tiempo extraordinario, Renoir comenzó a copiarlos en pinturas de porcelana.
El joven ganaba mucho dinero para su edad. Para avanzar en su carrera, entró en una fábrica de porcelana, donde comenzó a pintar bajo la guía de un escultor y un colega en una fábrica de porcelana, quien le auguraba un futuro brillante en el campo del arte.
Juventud del artista
Desafortunadamente para el joven Renoir, pero afortunadamente para todos los demás, el progreso tecnológico del siglo XIX estuvo marcado por un rechazo casi total a la producción manual. La pintura de porcelana fue reemplazada por dibujos impresos. Los compradores y propietarios de talleres se sintieron atraídos por el hecho de que los equipos de impresión aseguraban la producción de exactamente los mismos productos. Tiempo extraordinario, la pintura a mano ha dejado de ser valorada.
El hombre joven, desesperado al principio, traté de pintar productos con gran rapidez, que no le trajo éxito. Como resultado, tuvo que buscar otras ganancias. Ha llegado el momento del trabajo temporal con el desarrollo constante de diversas técnicas. Renoir pintó por primera vez abanicos y paredes de cafés parisinos, luego, accidentalmente, consiguió un trabajo como maestro de cortinas. Por cierto, dominó esta técnica a la perfección y nuevamente comenzó a ganar buen dinero, pero el artista no quiso dormirse en los laureles, ya que esta ocupación definitivamente no era el límite de sus sueños. Renoir apartó todo el dinero que ganó en un nuevo sueño:pintar en una escuela especial en la Academia de Artes.
A finales de 1862, Auguste Renoir cumplió su anhelado deseo y entró en la Escuela de Bellas Artes de París. Allí terminó en el estudio del artista Charles Gleyre, apegándose al estilo académico. El joven ya tenía una experiencia considerable, pero asistió concienzudamente a todas las clases y estudió dibujo académico. Sin embargo, A Glair inmediatamente no le gustó cómo Renoir trabajaba con el color:incluso entonces el artista usó jugosos colores brillantes, lo cual no fue bienvenido en el entorno académico. Una vez, el maestro incluso expresó su temor de que su alumno amante de la libertad no se convirtiera en el segundo Delacroix, el principal representante del romanticismo francés, que trabajó maravillosamente en color y es un verdadero ídolo de Renoir, pero quién, a los ojos de los artistas académicos, es un ex "apóstata". Auguste no fue el único artista joven en el taller de Gleur, quien trató de rebelarse contra la manera académica y encontrar su propio nuevo camino. Muy pronto se hizo amigo de Claude Pug, Alfred Sisley y Frederick Bazil, que tenía una visión muy cercana de la pintura y discutía acaloradamente las posibilidades de su renacimiento, por lo que entendieron la liberación de los grilletes del academismo. Un poco más tarde, Camille Pissarro se unió a ellos.
El entrenamiento no duró mucho, solo un año después Renoir se vio obligado a dejar la escuela de pintura, porque ya no podía pagarlo. Reemplazó las clases en el taller con trabajo al aire libre, junto con sus nuevos amigos, quienes pronto también completaron inesperadamente su educación artística debido al hecho de que el taller estaba cerrado. Todos los camaradas de Renoir eran similares no solo en su deseo de cambiar el mundo del arte, pero también en que difícilmente podían encontrar medios de alimentación y materiales para el trabajo.
En 1866, Renoir escribió uno de sus primeros bodegones, "Naturaleza muerta con un gran jarrón de flores" (Museo de Arte Vogt, Cambridge), escrito en el estilo de los bodegones holandeses y dando una impresión alegre con sus colores brillantes pero delicados y al mismo tiempo ricos. En el mismo año crea el cuadro "Inn of Anthony's Inn" (1866, Museo Nacional, Estocolmo). A diferencia de los bodegones en flor, el esquema de color de este trabajo es bastante oscuro, con un color negro dominante. La expresividad visual se basa en el contraste:los trajes negros de los visitantes de la taberna enfatizan los manteles blancos como la nieve sobre la mesa, y también contrasta fuertemente con los puntos brillantes de los trabajadores de cuello blanco, el delantal de la asistente, el ligero sombrero de ala ancha de uno de los héroes y el perro blanco que yacía bajo sus pies.
La obra demuestra vívidamente la habilidad y los principios de Renoir para construir una composición con la ayuda del color:un mantel blanco como la nieve está encerrado en un anillo que consta de figuras negras, que se impiden fusionarse con la masa general intercalando accesorios blancos. La aplicación de manchas blancas literalmente “en forma de tablero de ajedrez” confiere una armonía particular a la distribución de los colores. La imagen caracteriza al artista como un maravilloso retratista y un magnífico maestro de la naturaleza muerta:toda la mesa se hizo con gran habilidad, los restos de comida y utensilios son inusualmente realistas.
Un año después, el artista pinta un retrato de su amada novia Lisa Treo, a quien Renoir conoció durante más de siete años, pero nunca se casó. En el final, Lisa rompió su relación y, solo unos meses después, se casó con un joven arquitecto.
Sin embargo, el cuadro "Lisa" (1867, el Museo de Folkwang, Essen) fue aceptado para participar en el Salón de 1868, donde fue apreciado positivamente por la audiencia, que fue un gran éxito para el artista aún desconocido. En la imagen, la niña está representada en pleno crecimiento, ella lleva un vestido blanco, sombreado por un ancho cinturón negro y un paraguas negro del sol. El vestido ligero de la niña parece estar inundado de un sol brillante, y el resplandor de la luz juega en los hombros y el rostro de la heroína, cubierto con un paraguas. Este delicado juego en blanco y negro continúa en el tronco de un abedul, que está detrás de la espalda de Lisa y en el césped a sus pies, donde las sombras oscuras bordean marcadamente las áreas iluminadas por el sol.
En 1867, Renoir creó otra pintura, por la que Lisa Treo posó para "Diana the Huntress" (Galería Nacional de Arte, Washington). Debido a los principios morales de la época, el artista no pudo representar a una mujer moderna desnuda, así que le puso un arco de caza en las manos y le puso un nombre mitológico a la imagen, que dio a su obra el derecho a la existencia oficial, evitando el escándalo provocado por el cuadro de 1863 “Desayuno sobre la hierba” ”Eduard Manet.
El artista, que estaba profundamente interesado en el género del retrato, escribía a menudo a sus amigos impresionistas, representarlos en un ambiente familiar durante las actividades diarias, combinando así el retrato con la pintura de género y creando fuentes documentales que nos relatan la vida de estas personas.
La pintura "Retrato de Frederic Bazil" (1867, Museo de Orsay, Paris) nos muestra a un joven Bazil ocupado, por supuesto, cuadro. El artista, se volvió hacia el espectador de perfil, se centra en su trabajo. Estilísticamente, el trabajo de sonreír sorprendentemente sin problemas, en parte debido al esquema de color casi monocromático. Se asemeja a una elaborada fotografía en blanco y negro en la que los volúmenes se modelan con claroscuro. Un año después, Renoir crea un par de "Retrato de Alfred Sisley con su esposa" (1868, Museo Wallraf-Richartz, Colonia). En el lienzo vemos lo enfatizado que Sisley está ante su joven esposa. Toda su postura expresa su disposición a servir, apoyar y ayudar a una mujer, así como su amor y ternura por ella. La joven pareja de casados representada en el lienzo, como si exudara la luz de la felicidad y el amor.
La obra de Renoir "Mujer argelina" (1870, Galería Nacional de Arte, Washington) fue un tributo al deleite de Eugene Delacroix. En eso, el artista retrató a su Lisa en la imagen de una odalisca, un brillante lujosa mujer oriental, reclinado lánguidamente sobre almohadas, vestida con magníficos vestidos y haciéndose señas para sí misma. En este lienzo Renoir parece deleitarse con el color. La figura de una heroína reclinada ocupa casi todo el espacio del lienzo, parece que a la imagen le falta aire.
Compromiso con el impresionismo
Auguste Renoir trabajó a menudo junto con otro destacado representante de los jóvenes impresionistas, Claude Monet. Artistas pintados de la misma naturaleza, observado luces y sombras en la naturaleza, y estudió las posibilidades de la paleta para transmitir estos efectos. Un ejemplo de su unión son las famosas pinturas "Ranas", pinturas pintadas no solo de una naturaleza, pero también llamado igual. La trama de las pinturas es simple:un café flotante con una audiencia divertida en el fondo de botes de madera esperando a sus pasajeros.
Renoir, optimista por naturaleza, a través de todo su trabajo llevó el amor de mostrar la fiesta de la vida, damas y caballeros bailando o descansando. El artista trató de no prestar atención al lado oscuro de la vida, creía sinceramente que el arte debería brindar a las personas maravillosos momentos de placer, y no cumplir el rol de edificación o enseñanza aburrida.
El Renoir "La rana" (1869, el Museo Nacional, Estocolmo) a primera vista parece un boceto, pero no una obra terminada en absoluto, el recorte de la escena es como si fuera aleatorio. Hasta cierto punto, era tan, la escena está representada exactamente como la vio el artista, sin una composición sofisticada y reflexiva, equilibrar planes y perspectivas de construcción.
El artista persiguió un objetivo completamente diferente:capturar y transmitir la atmósfera de diversión y despreocupación en un cálido día de verano. para captar el resplandor de la luz en el agua, reflejos solares en los vestidos de las damas (aunque estas damas pueden llamarse un tramo:la mayoría de las heroínas de la imagen son damiselas de fácil dominio, habitante de un café de dudosa reputación). Trabajar con la naturaleza viva requirió pintar en muy poco tiempo, por lo tanto, Renoir y Monet trabajaron en una técnica de escritura especial, con amplia, golpes rápidos, indicando únicamente las figuras de personas y delineando el entorno, pero sin perder el tiempo escribiendo detalles. Este nuevo estilo por así decirlo, la pintura no dicha no fue del agrado del público, y se criticó la forma artística aparentemente descuidada de los jóvenes impresionistas.
Pero fue precisamente en la transmisión de sensaciones fugaces del estado de naturaleza donde se encontraba la esencia del nuevo movimiento en la pintura. El impresionismo se originó al aire libre. Los constantes cambios de iluminación fueron muy importantes para quienes, en el futuro, al principio se les llamará impresionistas irónica y abusivamente. Este deseo inusual de transmitir impresiones de un esquivo, La realidad cambiante trazó una clara distinción entre su trabajo y la pintura académica "muerta".
La pintura académica clásica existía sólo en el contexto de un estrecho espectro de mitología, temas religiosos e históricos, sin reconocer las imágenes de la era moderna. Fue el arte de la idealización, introduciendo un orden interno artificial y una estructura clara en todo. Objetos y cosas en naturalezas muertas, paisajes y retratos fueron retratados como idealizados, y no como realmente los ve el ojo humano. El sueño de los impresionistas era devolver la pintura a la vida real. Joven Renoir, después de que Monet comenzara a escribir al aire libre, Dado que solo un método de este tipo permitía lograr la transmisión de la luz solar natural, dándole al cuadro esa espontaneidad que se pierde irreversiblemente al trabajar en el taller de memoria. Fue la luz la que se convirtió en la principal “protagonista” de sus cuadros. Sin embargo, a diferencia de Monet, Auguste Renoir estaba más interesado en la figura humana colocada en este entorno mágico de luz y aire que en la naturaleza misma.
En otro trabajo, El Puente Nuevo (1872, Galería Nacional de Arte, Washington), Renoir se nos aparece como un maestro virtuoso del Vedut (paisaje urbano), listo para escribir cuidadosamente los detalles arquitectónicos y construir minuciosamente una perspectiva. Ya existe un estilo de escritura más suave, y la construcción de volúmenes se crea mediante líneas, un dibujo auxiliar. Sin embargo, el paisaje urbano con su puente ancho y un público que pasea es visible como a través de una bruma, todos los contornos de los elementos arquitectónicos y las figuras de los personajes están desprovistos de contornos claros, todas las líneas son muy suaves. El artista capturó una ciudad bañada por el sol y el aire impregnado de luz.
El retrato de su amigo y colega Monet Reads (1872, Museo Marmotin, Paris) fue realizada por Renoir en colores oscuros, haciéndolo casi monocromático. Sin embargo, la imagen del amigo del artista resultó ser muy animada, le mostró a Monet exactamente como él mismo lo veía todos los días:con un sombrero, con un periódico nuevo y una pipa en la boca.
Renoir estudia los efectos de la iluminación, reproduce las áreas resaltadas y sombreadas del rostro de Monet y los periódicos en sus manos. Diluyendo magistralmente el color oscuro general del lienzo con tonos cálidos en las manos, el liceo en el respaldo de la silla, así como el color blanco del periódico. Entonces el artista logra una composición armoniosa, construido en color. La tela del disfraz está casi mezclada con un fondo oscuro, como absorbido por el crepúsculo circundante. Fue este efecto el que el pintor buscó transmitir la atmósfera de la lectura tardía, con poca luz.
El cuadro de 1872 "Retrato de la esposa de Claude Monet en el sofá" (colección privada, Lisboa) se volvió inusualmente vívida e impresionante. La joven Camilla Monet (nee Donsier) está sentada en el sofá con un hermoso vestido azul, posa desnuda para el artista, como si se permitiera dibujar favorablemente. Aquí, Renoir no intenta describir cuidadosamente los alrededores, solo transmite una sensación de calma y libertad de la joven ama de casa, que encontró tiempo para descansar por la tarde.
Como verdadera conocedora de la belleza femenina, el artista admira abiertamente la juventud y la frescura de la heroína del lienzo. Como en un boceto Renoir solo describe los reposabrazos de los sofás, uno de los cuales descansa sobre Camille, y una mesa de té con una taza en el borde. Se debe a la falta de un patrón geométrico en el sofá y a las líneas claras que delimitan su diseño, el sofá parece inusualmente blando. Los contornos de los objetos se difuminan, que le da al ambiente de la habitación un efecto de extraordinaria ligereza y amplitud, como si Renoir mostrara una especie de entorno intangible de luz solar que une todos los objetos de la habitación. Y solo el cabello negro de Camilla, las cejas y los ojos se destacan sobre el fondo claro general, atraer la atención del espectador.
A principios de los 70, Renoir pasó mucho tiempo cerca de París, en Argenteuil, donde vivió Monet durante este período, los amigos a menudo trabajaban juntos, uno de sus temas favoritos eran los barcos de vela en el Sena. Esta obra está dedicada a la obra “Regata cerca de Argenteuil” (1874, Galería Nacional de Arte, Washington). En la pintura, el artista volvió a utilizar el estilo de escritura del esquema con la ayuda de trazos amplios. Solo ese estilo nos permitió capturar el paisaje, para capturar el estado momentáneo de naturaleza variable.
El cielo de la imagen está pintado de forma inusualmente dinámica, con nubes rosadas rasgadas, como si absorbiera toda la luz del sol. Parece como si se hundiera en el Sena, reflejando el patrón de las nubes y las velas blancas de los barcos, que a su vez absorben los reflejos de la iluminación celestial y se vuelven rosáceos. Renoir pinta un cuadro no con líneas, pero con manchas de color.
La composición del cuadro "Camino en la hierba alta" (1874, Museos de Orsay, París) es muy similar al paisaje "Campo de amapolas en Argenteuil" (1873, Museo de Orsay, París) de Claude Monet. Auguste Renoir representa a personas que caminan por un sendero ahogándose en la hierba del campo. Como Monet, para crear una sensación de movimiento, el artista repite las figuras de personas en la cima del cerro y en su base.
Teatro y Desnudo
Como muchos artistas, Renoir se sintió atraído por el teatro. Aquí puede encontrar una variedad de escenas para pinturas, mira a miles de personas con sus personajes y destinos, nota cosas curiosas y escenas inusuales. El pintor está interesado tanto en el público, ubicado en el auditorio, y los actores, cuya vida vibrante pasa al otro lado de la rampa.
Una de las obras de Renoir en la escena teatral:The Lodge (1874, Galería del Instituto Curto, Londres) fue presentada por el artista en la primera exposición impresionista, sensacional y fallido, que se organizó en el mismo año 84 en el estudio del fotógrafo Nadar. La imagen era un retrato doble de una dama y un caballero que estaban sentados en una caja, esperando el inicio de la actuación. Una mujer mira directa y tranquilamente al espectador, su compañera, de lo contrario, se sienta recostado y busca a alguien a través de los prismáticos entre la multitud. La dama está un poco triste y el caballero, parece, se olvidó por completo de su presencia La figura de la heroína se muestra más cerca del primer plano de la imagen, su rostro está brillantemente iluminado y como si buscara un diálogo con el espectador, el héroe se aleja tanto del espectador como de su compañero en el crepúsculo de la caja. Sorprendentemente, el artista fue capaz de poner acentos semánticos en la composición mediante el juego de luces y sombras.
A la exposición de la misma exposición impresionista asistieron dos obras más del artista:“Dancer” (1874, Galería Nacional de Arte, Washington) y "Parisina" (1874, Museo Nacional de Wells, Cardiff).
El cuadro "Dancer" nos muestra a una joven bailarina con un vestido azul aire. Ella está en la cuarta posición libre, recordándonos un poco el trabajo de Edgar Degas, quien creó muchas pinturas sobre el tema favorito del teatro. Sin embargo, todas las heroínas de Degas son capturadas en un baile o una reverencia, nunca posaron para él. Degas los pintó, como los paparazzi están filmando ahora, capturados en un momento inesperado en una perspectiva aparentemente aleatoria. sin centrarse en la psicología.
Auguste Renoir trabajó de manera diferente. En su lienzo, el bailarín no está representado en la danza ni en una imagen escénica, pero como en el papel de ella misma. Un papel importante en el retrato lo juegan los ojos un poco tristes y el atractivo de una niña, su inquietud y ternura. La imagen se distingue por tonos pastel y contornos suaves, en contraste con las obras nítidamente definidas de Degas, que siempre utilizó la línea como principal herramienta expresiva.
Cuando se trata de la siguiente pintura del maestro, "Parisina", muchos historiadores del arte citan las líneas de Alexander Blok, que escribió más de treinta años después de la creación del lienzo:
“Y todas las noches, a la hora señalada,
(¿O solo soy yo soñando?)
Un campamento de chicas capturado por sedas,
En una ventana neblinosa se mueve.
Y lentamente pasando entre los borrachos,
Siempre sin satélites solo,
Respirando perfumes y nieblas
Ella se sienta junto a la ventana ... "
La parte superior del cuerpo de la joven está delineada con bastante claridad, mientras que la ligera falda de su vestido parece estar cosida con una tela aireada. Entonces el artista logra el efecto favorito de la existencia de la figura en un ambiente especial de luz y aire, gracias a lo cual la heroína parece salir de la bruma. El delicioso atractivo de la imagen se logra por el hecho de que esta elusiva y brumosa Mademoiselle está completamente abierta al diálogo con el espectador.
El año siguiente, Renoir crea su famosa pintura "Desnudo a la luz del sol" (1875, Museo de Orsay, París). La idea innovadora del artista fue escribir desnudos en la naturaleza, mostrando cómo el sol y los reflejos de las hojas de un árbol juegan en su delicada piel. La idea no estuvo mal y, es más, verdaderamente impresionista. Sin embargo, el resultado provocó un fuerte rechazo tanto de la crítica como del público. Según los cánones de la pintura tradicional, un cuerpo femenino desnudo tenía que estar escrito idealmente, después de haber ideado una pose espectacular "puesta en escena" del modelo, y su piel debe estar perfectamente lisa y exclusivamente en tonos cálidos. Renoir, en lugar de piel suave, mostró deslumbramiento y reflejos, que los revisores llamaron manchas cadavéricas en el cuerpo en descomposición.
En 1876, el pintor crea otro lienzo sobre este tema. En el cuadro "Desnudo" (Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes, Moscú), Renoir se mostró como un verdadero conocedor de la belleza femenina. Él literalmente admira su modelo, como si acariciara su cuerpo con un cepillo. Esta vez, él pinta su piel joven y delgada perfectamente suave y exclusivamente con tonos de rosa. Composicionalmente, la obra se asemeja al cuadro “El bañista” de Jean Auguste Dominique Ingres (1807). El artista volverá más tarde a Ingres (quien, de paso, fue un ejemplo para Edgar Degas) durante el replanteamiento de su propio camino creativo.
El maestro participó regularmente en exposiciones posteriores de los impresionistas. En el tercero de ellos, en 1877, entre otras obras, presentó The Ball en el Moulin de la Galette y Swing.
El motivo del columpio era inusual en la pintura francesa del siglo XVIII; De hecho, estaba ausente. No se sabe qué impulsó exactamente a Renoir a esta trama, pero hay pruebas de que estaba familiarizado con la pintura del mismo nombre de Fragonard, que lo escribió como una "escena galante", que tiene un significado oculto, encerrado en perspectivas atractivas que se abren al caballero sentado en el suelo bajo las faldas meciéndose en el viento, balanceándose en el viento señoritas. "Columpios" (Museum d'Orsay, París) de Renoir, escrito en 1876, son esencialmente la misma "escena galante", tomado de la época rococó, pero escrito en una trama moderna y sin una connotación frívola.
En el lienzo vemos a un joven de espaldas al espectador (lo que es inaceptable en el arte tradicional en sí mismo), sacude levemente a una niña pensativa que está de pie en un columpio de madera. Cerca hay un hombre y una niña, mirando con cariño y confianza a una dama. Por cierto, las imágenes de los niños ocupan una página separada en toda la obra del artista, pero más sobre eso más adelante.
La pintura general "Baile en el Moulin le la Galette" (1876, Museo l’Orsay, París) fue pintado en la colina de Montmartre en París, en el que en ese momento todavía se conservaban tres molinos de madera. En uno de ellos se ubicaba el restaurante "Moulin de la Galette", famoso por sus deliciosas chuletas (moulin - mill, galette - chuleta). El restaurante celebraba bailes con regularidad, que reunió a la audiencia parisina más diversa, entre los que se encontraban artistas jóvenes.
Estos lugares eran ideales para Renoir, a quien le encanta escribir jugoso, resplandor de luz brillante, bailando en vestidos de dama y trajes de sus caballeros. Al artista le encantaba transferir al lienzo escenas de tales festivales de la vida y la juventud despreocupada, caracterizado por una atmósfera inusualmente alegre y brillante. Sus lienzos que representan al público local son una especie de documento de la época:capturaron para siempre este rincón de París, donde se entretenía la clase media de esa época. El artista dedicó un gran lienzo a una trama tan cotidiana que resultaba sumamente inusual para esa época.
Por mucho tiempo, las pinturas del artista no estaban a la venta, ya que el público se negó a reconocer el impresionismo como arte. Sin embargo, las exposiciones permitieron establecer contactos útiles. A través de ellos, Renoir recibió varios buenos pedidos de retratos que ayudaron al pintor de alguna manera a llegar a fin de mes. Agradable y rentable para el artista fue un encuentro con los cónyuges de Charpentier. El caso es que Madame Charpentier tenía su propio salón en París, en el que se reunió una audiencia interesante:escritores, artistas poetas y artistas. Fue aquí donde Renoir conoció a la actriz Jeanne Samari, a quien dedicó tres retratos.
Talento retratista
Asombrosamente escrito animado y lírico "Retrato de Jeanne Samari" (1877, el Museo Pushkin de Bellas Artes, Moscú) demuestra el enfoque poco convencional del artista para construir la composición. La joven actriz se apoya en la barbilla con la mano, como en una conversación confidencial, su mirada abierta directa se volvió directamente a los ojos del observador, así como la máxima aproximación de la figura al borde, crea el efecto de un estrecho contacto entre la heroína y el espectador. Gracias a esta pose, el retrato tiene un encanto inexpresable y provoca muchas emociones positivas.
Un año después, el artista crea otro lienzo con el mismo nombre (1878, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). En eso, Renoir vuelve a escribir a Juana de Samaria:pero ahora en pleno crecimiento. La mujer está vestida con un impresionante vestido blanco como la nieve con una cola, extremadamente ajustada a su delgada figura. Pero incluso aquí en un retrato ceremonial, la heroína entra en un diálogo con el espectador:su pose se dirige nuevamente hacia adelante, ella se inclina ligeramente, sacrificando una postura orgullosa y hombros rectos, por el bien de este contacto. Su mirada abierta directa no suelta al observador, pero sus labios entreabiertos lo atraen.
En el mismo año, Renoir escribió "Retrato de Madame Charpentier con niños" (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). La imagen se hizo a la manera estándar de "salón", claramente para complacer a la anfitriona. Dos lindas figuras infantiles, representado en poses directas, transmitir perfectamente el plástico infantil único, complementado con atributos angelicales:hinchazón de brazos y piernas, delicados rizos de cabello, Dale al lienzo un encanto especial. La composición general de la obra se vuelve a construir utilizando el color:la decoración está representada en tonos rojo-marrón, y la figura de Madame Charpentier destaca sobre su fondo. La anfitriona está vestida con un vestido negro con una inserción blanca en contraste en su pecho, una enagua blanca se asoma por debajo del dobladillo, ya sus pies hay un enorme San Bernardo en blanco y negro. Y en este marco blanco y negro aparecen niños con vestidos cortos azul pálido.
Renoir durante su vida fue considerado un destacado maestro del retrato. Logró captar y transmitir el estado de ánimo fugaz de los héroes del lienzo. Un ejemplo notable de su trabajo en este género es "La chica del abanico" (1881, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). El rostro tierno y pensativo de una niña con mechones oscuros que le caen sobre la frente está escrito con cuidado y suavidad, y los detalles del baño, aficionados, las manos y el fondo son más suaves, con contornos borrosos. El fondo de la imagen, dejado sin elaboración, solo sirve para enmarcar la hermosa apariencia de la niña, sin distraer la atención del espectador de los brillantes ojos oscuros, piel delicada y labios entreabiertos. El lienzo tiene un efecto favorito de contrastes, alternancia de manchas blancas y negras, que el maestro usaba con tanta frecuencia:secciones blancas del abanico - tela oscura del vestido, cuello blanco - cabello oscuro del modelo.Este orden de ajedrez enfoca perfectamente la atención del espectador en la delicada tez del modelo.
Contrariamente a la opinión de sus amigos impresionistas, Renoir decidió participar en el Salón anual. Era la única forma que tenía de ganar fama y contactos útiles. Gracias a los esfuerzos de Madame Charpentier, el Salón de 1879 aceptó dos cuadros del artista:"Retrato de Samari" y "Retrato de Madame Charpentier con niños". Así que Renoir finalmente se declaró a sí mismo. El público recibió favorablemente al pintor, y comenzó a recibir regularmente nuevos pedidos. Desde entonces hasta 1882, el artista no participó en las exposiciones de los impresionistas. La situación financiera de Renoir mejoró tanto que en 1881 pudo permitirse un largo viaje a Argelia. Venecia, Roma y Pompeya.
En el mismo período fértil, Renoir conoce a Alina Sherigo, quien fue una encarnación viva del ideal de la belleza femenina del pintor. Alina comenzó a aparecer en muchas pinturas del pintor, comenzando con "Desayuno de los remeros" (1881, Colección Phillips, Galería Nacional, Washington). Algún tiempo después, incluso se convirtió en su esposa.
Renoir pintó la composición ligera del lienzo “Desayuno de remo” con luz natural. La trama de la imagen es otra fiesta de la vida tan amada por el artista, con cortejo de señores, juventud despreocupada, sonrisas de damas y las complejidades de las relaciones. La obra participó en la séptima exposición de los impresionistas en 1882, junto con varios paisajes venecianos creados por el artista durante su viaje a Italia. Y solo un año después, en 1883, tuvo lugar la primera exposición personal de Renoir.
Reconocimiento de estilo propio y frustración
La fama del artista en la década de 1880 ya ha trascendido Francia. El respetado y respetable Auguste Renoir comenzó a viajar a menudo. En 1885, su primer hijo, el hijo de Pierre, nació del maestro y Alina. Pronto la familia se mudó a la tierra natal de Alina en Champagne. En 1886, Renoir crea un retrato de su esposa y su hijo pequeño.
El lienzo "Maternidad" (Museo de Bellas Artes, San Petersburgo, Florida) ya está celebrando otras alegrías. Las distracciones despreocupadas del público parisino pasaron a un segundo plano, y toda la atención de la artista se centró en los placeres de la vida familiar y la felicidad de la maternidad. La imagen es sentimental:una joven y gorda Alina amamantando a un bebé regordete frente a un idilio rural. Las proporciones de la mujer sentada en la silla se ven un poco acortadas debido a que el artista la pintó de pie. y su punto de vista era superior al modelo.
Tiempo extraordinario, Auguste Renoir, un antiguo maestro del impresionismo reconocido, se desilusionó con la forma de escribir que desarrolló. Su insatisfacción con el trabajo llevó al maestro incluso a la destrucción de algunos lienzos creados. Si desde el comienzo mismo de su carrera creativa el pintor buscó inspiración y respuestas a las preguntas que lo atormentaban en las pinturas de Eugene Delacroix, Jean Honore Fragonard y Francois Boucher, que contribuyó a la formación de su personalidad creativa, ahora se dirigió a la obra de Jean Auguste Dominique Ingres, un brillante académico y neoclásico, línea maestra, escribiendo bellezas desnudas seductoras y retratos femeninos inusualmente suaves. También, Renoir comenzó a utilizar la experiencia de los maestros del Renacimiento, cuyas obras lo conquistaron en Italia.
A pesar del cambio de estilo, el artista se mantuvo fiel al mundo de la alegría, belleza y felicidad brillante. Él nunca creó triste filosófico, u obras edificantes. Obras pareadas “Danza en el pueblo (1882, Museo de Orsay, París), "Danza en Bougival" (1883, Museo de arte, Bostón), así como "Danza en la ciudad" (1883, Museo de Orsay, Paris) se convirtió en una continuación lógica de los temas planteados por el pintor en las obras de años anteriores. Las tres pinturas nos muestran parejas de baile que se deleitan con el movimiento, música y como si sirviera de continuación del tema de la alegría sin nubes y la juventud del lienzo “Baile en el Moulin de la Galette”.
La pintura "Danza en el pueblo" trae recuerdos de la pintura temprana "Retrato de Alfred Sisley con su esposa". En la obra nueva podemos ver la misma ternura, cuidado y destacó la cortesía del caballero abrazando a su dama. The pose of the dancing couple captivates with direct plasticity and clearly demonstrates the nature of their relationship:the man is tenderly in love with his partner, he is ready to do her best in every possible way, she bathes in his love and care, like in music, absorbed in dance and subordinating his movements to the leading force of the partner.
"Dance in Bougival" demonstrates the departure from the impressionistic style of writing. She is still visible in the foliage of the trees and the background of the picture, but the girl’s dress and her gentleman’s costume are painted rather tightly and smoothly. The atmosphere of the work is close to the previous one, the same immediacy reigns in it, but with a touch of hidden feelings – the girl slightly bashfully looks away from her partner, who is trying to win her attention by all means.
The partners of the film “Dance in the City” are much more restrained in their movements and expression of feelings. Exquisite costumes speak of their high social status. The girl keeps herself very straight, not leaning on the shoulder of her partner with a popular gullibility. Her posture is strict and meets all standards of etiquette. The heroine’s face is calm, it does not express the happiness and joy with which the heroine of “Dance in the Village” shines. The face of a young man is completely hidden from us.
The painting "Umbrellas" (1881 -, Galería Nacional, London) became one of Renoir’s most famous works. It was started during the heyday of his passion for impressionism, and ended five years later, after the artist became acquainted with the work of Renaissance masters and rethought his own path in art. Female figures on the left side of the canvas are written more gently, while on the right side – a clear contour line appears. The picture densely filled with characters seems to lack compositional construction, but this is only at first glance. Among the randomly flooded figures of passers-by, the diagonal construction of the canvas can be distinguished:the first diagonal starts from the girl’s head in the right corner of the canvas, then is emphasized by the cane of the tilted umbrella and finally ends with the heads of the girl and the man standing behind her on the left.The line of the cane of the umbrella in the hands of the woman accompanying the girls indicates the second diagonal.
"Umbrellas" became the last big picture of the artist, dedicated to the life of his modern city. The Renaissance art influenced the further selection of themes, which left its mark on the pictorial manner of Renoir. The master until the end of his life remained a singer and connoisseur of female beauty, mouth-watering forms, delicate skin and sparkling eyes. The canvas "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) is a clear evidence of the influence of the great masters of the past. The presence of a contour drawing, classic draperies, delicately painted naked bodies of girls with delicate skin and the layout of their figures in space represent a clear pyramidal composition in the shape of a triangle.
Cierto, in the painting “After Bathing” (1888, a private collection), the smoothly painted naked body of a seated girl still has a hint of the artist’s former style. The shadows in the canvas remain impressionistic, colored, and its background is made with wide strokes. And the very picture of the body of the heroine is more soft than in the previous work.
Last years
The artist still traveled a lot. In 1894, a second child appeared in the Renoir family – the son of Jean. And in 1897 a small incident happened. It did not portend in itself any problems. The artist unsuccessfully fell off his bicycle and broke his right arm. During recovery, the master learned to write with his left hand. But even after a complete healing of the fracture, Renoir did not leave constant severe pain. So began severe arthritis, which did not leave the artist for the next twenty years of his life, gradually fettering movements and facial expressions, twisting his fingers, and then completely causing paralysis. Alina did everything possible to save her beloved spouse, sin embargo, after each short-term improvement in his condition, relapses invariably occurred. Friends often came to visit the painter, Renoir himself did not stop working until the last day of his life. In 1901, his third son Claude was born, who became the most beloved model of an aging artist.
Renoir paintings were exhibited at many exhibitions in Paris, New York and London. They brought him well-deserved fame. And in 1900, the artist became a holder of the Legion of Honor, and ten years later – an officer of the order.
En 1909, the painter creates two more paired works:“Dancer with Castanets” and “Dancer with Tambourine” (both – National Gallery, Londres), in which a clear influence of Renaissance art is revealed. Plastic bodies, calmly contemplative expression, drapery and abstract background bring them closer in style to the frescoes of the great masters of the past. The works are very decorative, the figures of the dancers as if descended from an old frieze.
The work "Gabriel with the Rose" (1911, Musee d’Orsay, Paris) is very different from the "classical" portraits of the master. The canvas palette darkened, the model does not dazzle with a sparkle of eyes and a radiant smile. But clearly more plastic study of volumes is evident. But it’s all early, it is obvious that the aging artist admires the smoothness and tenderness of the skin of his heroine (Gabrielle was a relative of his wife and helped her with raising children).
With the outbreak of World War I, the elder sons of the Renoirs went to the front, both of them returned, but wounded. Alina tried her best to help her children, pero, not having endured the emotions, she died. Renoir continued to write in a wheelchair, overcoming severe pain in his entire body, until his death on December 2, 1919.
