Impresionismo como realismo óptico:Monet
Claude Monet, Camille Monet y un niño en el jardín del artista en Argenteuil , 1875, óleo sobre lienzo, 55,3 x 64,7 cm (Museo de Bellas Artes, Bostón)
¿Más realista?
El tema de la pintura de Monet de 1875 de su esposa Camille Monet y un niño en el jardín del artista en Argenteuil es inmediatamente reconocible. Ambas figuras están vestidas con prendas de rayas azules y están absortas en una actividad:Camille cose, el niño mira un libro. Un caballo de juguete está en primer plano, y una pared virtual de follaje verde y flores rojas y rosadas se levanta detrás de ellos.
El espectador recibe suficiente información visual para reconocer los componentes principales de la escena, pero en lugar de proporcionar detalles finos que proporcionarían más detalles, Monet enfatiza sus pinceladas de colores brillantes. Si queremos saber de qué tipo de tela están hechas las prendas representadas, qué tipo de flores están floreciendo, o incluso la textura de la piel de las figuras, no podemos averiguarlo mirando de cerca. Un estudio detallado de la pintura solo nos enseñará más sobre la pincelada de Monet, no más sobre la escena representada.
Como resultado, si evaluamos la verdad de la pintura a la naturaleza en términos de la representación cuidadosa de los detalles, no es muy realista. Sin embargo, Las pinturas impresionistas como esta a menudo fueron descritas por críticos comprensivos como representaciones realistas, y a veces incluso como más pinturas académicas más realistas que las tradicionales con figuras y escenas meticulosamente detalladas. ¿Cómo es eso?
Verdad a la realidad
El impresionismo plantea cuestiones complejas e interesantes sobre la representación realista. Aunque tendemos a tener juicios reflexivos poderosos sobre lo que es realista en el arte y lo que no lo es, la base de tales juicios no suele estar clara. Los partidarios de la pintura impresionista cambiaron sutil pero sustancialmente los criterios para juzgar la verdad a la realidad en la pintura. En el naturalismo tradicional renacentista y académico, la verdad a la realidad implicaba la inclusión no sólo de lo que ver , sino también evidencia visible prominente de las propiedades de tocar y espacio :la masa de los objetos, sus texturas, y el terreno tridimensional en el que se encuentran. Debido a que las pinturas no pueden reproducir literalmente el espacio, masa, y textura, deben dar una ilusión de esas cualidades, y con frecuencia exageran la evidencia visual que contribuye a esa ilusión.
Jacques-Louis David, Juramento de los Horacios , 1784, óleo sobre lienzo, 3,3 x 4,25 m, pintado en roma, expuesto en el salón de 1785 (Musée du Louvre)
Las líneas más ortogonales están incluidas en una pintura, cuanto más convincente parece el suelo de una pintura retroceder como un suelo, en lugar de estar de pie como una pared, de ahí que el pintor académico francés Jacques-Louis David incluya un piso de baldosas y paredes de mampostería con muchas líneas ortogonales en El juramento de los Horacios . Los efectos del claroscuro en el naturalismo tradicional también se exageran con frecuencia en relación con lo que realmente vemos para afirmar el volumen tangible de lo que en realidad son solo representaciones bidimensionales. El contraste dramático creado por las figuras crudamente iluminadas contra las sombras y el fondo muy oscuros en la pintura de David realza la ilusión de formas tridimensionales en el espacio.
Solo lo que vemos no lo que sabemos
La relación de las figuras con el espacio en Monet Camille Monet y un niño en el jardín del artista es marcadamente diferente. De nada sirve el claroscuro para definir las formas de las figuras ni la perspectiva lineal para definir el espacio en el que se sitúan. Las figuras se sientan directamente frente al follaje, creando un espacio muy poco profundo, que se aplana aún más por las prominentes pinceladas texturizadas a lo largo de toda la pintura. La fuente de luz se difunde, y hay muy poco modelado de las figuras, solo unas pocas áreas oscuras en la ropa que distinguen los brazos de los torsos.
Claude Monet, Camille Monet y un niño en el jardín del artista en Argenteuil (detalle), 1875, óleo sobre lienzo, 55,3 x 64,7 cm (Museo de Bellas Artes, Bostón)
El estilo impresionista, ejemplificado aquí por Monet, consiste en representar solo óptico datos, reproduciendo solo lo que vemos, no lo que sabemos sobre el espacio, masa, y los otros detalles físicos del mundo. En 1883, sugirió el crítico Jules Laforgue, “El impresionista ve y representa la naturaleza como es, es decir, totalmente en términos de vibraciones de color. Sin dibujo sin luz, sin modelado, sin perspectiva, sin claroscuro, ninguna de esas clasificaciones pueriles:todas se convierten en vibraciones de color y deben ser representadas en el lienzo mediante vibraciones de color ”. Hay algo de prestidigitación en esta apelación a la mayor verdad del impresionismo, por supuesto. Laforgue afirma que el impresionista "hace que la naturaleza como están las cosas [telle qu’elle est], "Pero quizás debería decir con más precisión que el impresionista se concentra en representar la naturaleza como aparece a los ojos . En este sentido, los impresionistas limitaron el proyecto de la pintura a un objetivo más estrecho que el perseguido por el naturalismo tradicional, y aumentó su precisión con respecto a ese objetivo.
Lilla Cabot Perry, Un arroyo debajo de los álamos , C. 1890-1900, óleo sobre lienzo, 65,4 x 81,3 cm (Museo Hunter de Arte Americano)
Cambiando los patrones de color
La importancia total de esta noción para el enfoque impresionista de la pintura queda clara en el recuerdo de la artista estadounidense Lilla Cabot Perry del consejo que le dio Monet:
"Cuando sales a pintar, Trate de olvidar los objetos que tiene ante usted:un árbol, una casa, un campo, o lo que sea. Simplemente piensa Aquí hay un pequeño cuadrado azul aquí un oblongo de rosa, aquí una raya de amarillo, y pintarlo tal como te parece, el color y la forma exactos, hasta que dé tu propia impresión ingenua de la escena que tienes ante ti ... " [Monet] dijo que deseaba haber nacido ciego y que de repente hubiera recuperado la vista para poder comenzar a pintar de esta manera sin saber qué objetos veía ante él. Lilla Cabot Perry, "Reminiscencias de Claude Monet desde 1889-1909, ”La Revista Estadounidense de Arte, vol. 18, no. 3 (1927), pag. 120.
Monet expresa aquí el deseo de una separación imposible de la sensación inmediata de su visión del procesamiento posterior de los datos visuales por su mente. Imagínese la primera experiencia visual de un bebé. Ella no sabe que los patrones de color que está experimentando corresponden a objetos sustanciales en un mundo tangible; tampoco sabe dónde termina un objeto y comienza otro; ni la distinción entre cerca o lejos. Un infante o una persona ciega que repentinamente ganara la vista solo vería una patrón cambiante de color . Respectivamente, Monet le aconseja a Perry que no piense en los objetos que está pintando, pero para ver solo un patrón de color:un "cuadrado de azul, "Un" oblongo de color rosa, "Una" racha de amarillo ".
Claude Monet, Pajares, Mediodía , 1890, óleo sobre lienzo, 65,6 x 100,6 cm (Galería Nacional de Australia, Canberra)
Pintura de luz
El consejo de Monet a Perry también comienza a explicar la pincelada radical de los impresionistas, lo que molestó a muchos críticos. Los artistas impresionistas construyeron sus pinturas en parches de color en la forma en que Monet describió, como si pintaran el mundo óptico tal como lo experimentaban en la superficie de sus retinas, en lugar de intentar crear una ilusión del espacio, masa, y texturas del mundo táctil. Los críticos también observaron que la pincelada irregular del estilo impresionista simulaba patrones parpadeantes de luz y color. La aparente rapidez de la pincelada indicó las condiciones de iluminación que cambiaban rápidamente, que cambió antes de que el artista tuviera tiempo de alisar la superficie de la obra con un acabado Académico tradicional.
Claude Monet, Álamos , 1891, óleo sobre lienzo, 93 x 74,1 cm (Museo de Arte de Filadelfia)
Las pinturas de la serie de Monet de las décadas de 1880 y 1890 representan la culminación de este aspecto óptico-científico del impresionismo. En esta serie, Monet registró la apariencia cambiante de un solo sujeto:pajar en Giverny, Catedral de Ruan, un banco de álamos, en diferentes momentos del día, en diferentes climas, y en diferentes temporadas. Dado que la calidad de la luz cambió rápidamente, Monet podría trabajar en un lienzo determinado durante un tiempo limitado, retomándolo solo cuando las condiciones de iluminación eran similares. Perry informó que un efecto de luz particular en el Álamos la serie duró solo siete minutos, hasta que la luz del sol golpea una hoja determinada.
Izquierda:Claude Monet, Catedral de Rouen (El Portal y Tour d'Albane a plena luz del sol) también llamado Armonía en azul y oro , 1893 (fechado en 1894), óleo sobre lienzo, 107 x 73 cm (Museo de Orsay); Derecha:Claude Monet, Catedral de Ruan, Portal, Sol matutino , 1893, óleo sobre lienzo, 92,2 x 63,0 (Museo de Orsay)
Aunque el tema es idéntico, los colores radicalmente diferentes utilizados en las aproximadamente treinta vistas que Monet pintó de la catedral de Rouen en 1893-94 demuestran los cambios en la apariencia de la escena a lo largo del tiempo. Dentro del color local nominalmente grisáceo-tostado de la mampostería, Monet encuentra una sorprendente variedad de colores. El primer trabajo registra una hora de pintura alrededor del mediodía en un día soleado, y el color dominante es amarillo brillante, con destellos de azul para las sombras alrededor de la fachada tallada. El segundo registra una observación matutina, con toda la fachada proyectada en sombra y renderizada en azul, violetas y rosas. En ambas obras, la luz reflejada rebota desde el suelo frente a la catedral hacia la parte inferior de los arcos profundamente tallados de los portales, que se presentan en naranja brillante, muy lejos del color local de la piedra. (Para obtener una explicación de los términos "color local" y "color percibido, ”Ver color impresionista . )
Haciendo honor a su nombre
Para los partidarios del movimiento, el nombre Impresionismo es singularmente apropiado, a pesar de que originalmente se aplicó como un término de burla. "Impresión" se puede utilizar como un término científico para la estimulación de los nervios sensoriales, como por ejemplo el efecto sobre los nervios de la retina de la luz que se refleja en los objetos. Estrictamente hablando, el término aísla este estímulo puramente físico de cualquier reacción mental o emocional posterior. La impresión retiniana consiste solo en un patrón de colores, antes de que la mente interprete lo que está viendo y deduzca información sobre la masa, espacio, y textura, y antes de que el espectador reaccione emocionalmente. Para algunos de sus críticos y practicantes, El impresionismo tenía el aura de un proyecto científico objetivo, informado y contribuyendo a una gran cantidad de descubrimientos contemporáneos en la ciencia de la luz y el color.
