La formación de una escuela francesa:la Real Academia de Pintura y Escultura
Jean-Baptiste Martin, Un encuentro de la Real Academia de Pintura y Escultura en el Louvre , C. 1712-21, óleo sobre lienzo, 30 x 43 cm (Louvre)
En una habitación llena hasta los topes de pintura y escultura, hombres bien vestidos con pelucas empolvadas se reúnen alrededor de un escritorio mientras los rezagados charlan con sus vecinos. El pequeño cuadro de Jean-Baptiste Martin representa una reunión de la distinguida academia de arte francesa sin la herramienta de un artista a la vista; solo la sala ornamentada sitúa la escena en el palacio del Louvre. La elección de no mostrar a los artistas en el trabajo. sino más bien como caballeros de moda comprometidos en un intercambio intelectual sociable, habla directamente de la historia temprana de la Real Academia Francesa.
los Académie Royale de Peinture et de Sculpture (Real Academia de Pintura y Escultura) se estableció en 1648. Supervisó y mantuvo el monopolio de las artes en Francia hasta 1793. La institución proporcionó una formación indispensable a los artistas a través de clases prácticas y conferencias. acceso a comisiones de prestigio, y la oportunidad de exhibir su trabajo. Significativamente, también controlaba las artes privilegiando ciertos temas y estableciendo una jerarquía entre sus miembros. Esta estructura jerárquica finalmente condujo a la Académie Disolución durante la Revolución Francesa. Sin embargo, los Académie en París se convirtió en el modelo para muchas academias de arte en Europa y en las Américas coloniales.
Fundación
Esta organización de formación preeminente para pintores y escultores se fundó en respuesta a dos preocupaciones relacionadas:un deseo nacionalista de establecer una tradición artística decididamente francesa, y la necesidad de un gran número de artistas bien formados para cumplir importantes encargos para el círculo real. Los monarcas anteriores habían importado artistas (principalmente de Flandes e Italia), para ejecutar grandes proyectos. A diferencia de, El rey Luis XIV trató de cultivar y apoyar a los artistas franceses como parte de su gran proyecto de autoconstrucción. con el arte jugando un papel vital en la construcción de la imagen real.
los Académie rápidamente saltó a la fama, en conjunto con el Ministerio de Artes (responsable de la construcción, decoración, y mantenimiento de los edificios del rey) y el primer pintor del rey, el título más prestigioso que un artista podría lograr. Dos hombres fueron parte integral de la historia temprana de la institución:Jean-Baptiste Colbert, un estadista cada vez más influyente que actuó como protector de la institución, y el artista Charles Le Brun, quien pasaría a ser el primer pintor y el Académie Director. Ambos hombres buscaron elevar el estatus de los artistas enfatizando sus capacidades intelectuales y creativas, y ambos buscaban diferenciar a los miembros de la Académie —Académicos— de los miembros del gremio (los gremios eran un sistema medieval que regulaba estrictamente a los artesanos). los Academia, cuyos miembros fueron sostenidos económicamente por el Rey, se mudó a su ubicación permanente en el Palacio del Louvre en 1692, reforzando aún más el estatus de la institución. Dadas tales preocupaciones institucionales, La decisión de Martin de mostrar a los artistas como caballeros socializando en lugar de artesanos trabajando adquiere un nuevo significado.
Jerarquías
Desde sus inicios, los Académie se estructuró en torno a una jerarquía. Había distintos niveles de membresía por los que un artista podía avanzar con el tiempo. En arte, también, había una jerarquía:se priorizaba la pintura sobre la escultura, y ciertos temas fueron considerados más nobles que otros. Para convertirse en miembro, artistas sometidos a evaluación por académicos, que los aceptó en un cierto nivel, basado en el tipo de temas que aspiraban a pintar. Si pasaron esta primera fase, los solicitantes ejecutarían una “pieza de recepción” que describiera un tema elegido por los académicos.
los Académie cuadros divididos en cinco categorías, o géneros, clasificado en términos de dificultad y prestigio:
- Pintura Historia —Que abarca temas intelectuales tomados de la tradición clásica, La biblia, o alegorías, este tipo de pintura se consideró el género más alto porque requería habilidad para representar el cuerpo humano, así como imaginación e intelecto para representar lo que no se podía ver. A menudo se trataba de pinturas de varias figuras a gran escala.
- Retrato —Enfocándose en capturar semejanzas, este género era prestigioso, y ciertamente lucrativo, pero menos que la pintura de historia. Se ridiculizaba a los retratistas por copiar "meramente" la naturaleza en lugar de inventar (una simplificación excesiva, ya que pocos retratos se ejecutaron enteramente de la vida).
- Pintura de género —Representando escenas de la vida cotidiana, este género incluía la figura humana pero aparentemente no representaba grandes ideas, aunque muchas pinturas de género tenían un trasfondo moralizante. Las pinturas de género eran de menor tamaño que las pinturas históricas, menoscabando aún más su prestigio.
- Paisajes —Consta de todas las representaciones de la topografía rural o urbana, real o imaginado, este género se hizo especialmente popular durante los siglos XVIII y XIX.
- Pintura de naturaleza muerta —A menudo permitiéndose la yuxtaposición de colores y texturas, estas pinturas representaban objetos inanimados (a menudo de lujo) y se basaban en gran medida en la tradición holandesa del siglo XVII de tales temas. Mientras que a veces otros símbolos moralizantes como memento mori (recordatorios de la mortalidad humana) se incluyeron, estos no eran una parte intrínseca del género, que se consideró que no requería invención por parte del artista (ya que, estaban pintando lo que podían ver).
Capacitación
Benoît-Louis Prévost, después de Charles-Nicolas Cochin, "La Escuela de Arte" ("Ecole de dessein"), planche I. Recueil de planches sur les sciences, les arts libéraux, et les arts mécaniques, avec explicaciones de leur, volumen 3 (París, 1763)
Nicolas Bernard Lépicié, Hombre desnudo sentado mirando hacia la derecha , mediados del siglo XVIII, carbón, perplejo tiza negra realzada con blanco sobre papel gris verdoso, 50,7 x 34 cm (Museo Metropolitano de Arte)
La instrucción académica se centró en el dibujo (siguiendo el precedente de las escuelas de dibujo italianas establecidas en el siglo XVI). los Académie mantuvo un plan de estudios rígido para instruir a los artistas, como se registra en relatos y representaciones contemporáneas. Un grabado que ilustra una descripción de 1763 de la "escuela de arte" muestra cómo los estudiantes aprendieron a dibujar por primera vez copiando dibujos y grabados (a la izquierda) antes de pasar a dibujar moldes de yeso para aprender a traducir la forma tridimensional en dos. dimensiones (visto en el centro). Luego, los estudiantes copiarían esculturas a gran escala (como se ve en el borde más a la derecha) antes de que se les permitiera dibujar el modelo desnudo en vivo (como se ve en la parte central derecha, ligeramente apartado del primer plano). Dibujar la forma del desnudo masculino fue la base de la Académie El plan de estudios, un pilar fundamental para los pintores, particularmente aquellos destinados a producir pinturas históricas. Los estudiantes produjeron muchos estudios de desnudos de una sola figura, conocido como academias , como este ejemplo de Nicolas Bernard Lépicié. Posteriormente se podrían agregar accesorios para transformar los cuerpos planteados en figuras identificables, como ha hecho Bernard Picart con el dibujo Desnudo masculino con una lámpara , donde la figura, con la adición de una lámpara, se convierte en el filósofo Diógenes.
Bernard Picart, Desnudo masculino con lámpara (Diogenes) , 1724, tiza roja sobre papel verjurado, 30,9 x 45,7 cm (Galería Nacional de Arte)
En un dibujo animado, Charles Natoire se representa a sí mismo con una capa roja en el primer plano izquierdo, proporcionar comentarios sobre los dibujos de los estudiantes. La mayoría de los estudiantes trabajan de forma independiente, se centró en las dos modelos desnudas en una pose entrelazada seleccionada por el profesor supervisor. La oportunidad de estudiar dos cuerpos masculinos en interacción fue un ejercicio más raro y desafiante.
Charles Joseph Natoire, Clase de vida en la Real Academia de Pintura y Escultura , 1746, lápiz, tinta negra y marrón, aguada gris y acuarela y trazos de lápiz sobre tiza negra sobre papel verjurado, 45,3 x 32,2 cm (Galería Courtauld)
Fuera del Académie Espacios oficiales, los académicos brindarían a los estudiantes avanzados la oportunidad de dibujar modelos femeninas desnudas. Además de supervisar la educación en dibujo, cada profesor seleccionaba estudiantes para formar parte de su estudio. Aquí es donde los artistas realmente aprendieron a pintar o esculpir emulando a su maestro, a menudo contribuyendo a sus comisiones a gran escala. Las prácticas de estudio variaban, y no todos los miembros del estudio estaban necesariamente inscritos Académie estudiantes.
Tanto académicos como estudiantes asistieron a conferencias que abordaron aspectos teóricos y prácticos de la práctica artística, como la importancia de las expresiones o cómo aplicar la pintura para asegurar la longevidad. Estos fueron ofrecidos por profesores y los llamados aficionados. Estos honorarios Académie los miembros no eran artistas profesionales, sino amantes del arte y "amigos de los artistas", a menudo de la nobleza, que asesoraban a los artistas en cuestiones de composición, estética, e iconografía y a menudo defendió a ciertos artistas, a veces como mecenas o coleccionistas.
El sorteo de Roma
La tradicin clsica fue fundamental para la Académie 's plan de estudios. En 1666, los Académie abrió un satélite en Roma para facilitar el estudio de la antigüedad por parte de los estudiantes. En 1674, los Académie estableció el Premio de Roma (Premio de Roma), un prestigioso premio que permitió a sus artistas más prometedores estudiar en Roma durante tres a cinco años. Si bien el enfoque de la Academia Francesa en Roma fue facilitar el estudio de la antigüedad clásica, los estudiantes también se basaron en importantes obras de arte del Renacimiento y el Barroco, como se ve en el dibujo de tiza roja de Hubert Robert que representa a un artista que copia el fresco de Domenichino en una iglesia romana.
Hubert Robert, Ponente en el Oratorio de S. Andrea, S. Gregorio al Celio , 1763, tiza roja, 32,9 x 44,8 cm (Biblioteca y Museo Morgan)
Mientras estaba en Roma, estas Académie estudiantes — llamados pensionistas— estudió obras de arte canónicas y envió regularmente sus dibujos y copias después de obras importantes a París para demostrar su progreso. Aunque no forma parte del plan de estudios formal, la mayoría de los artistas exploraron los alrededores romanos, inspirándose en el rico paisaje, topografía diversa, y coloridas escenas de la vida campesina. Se forjaron conexiones importantes en Roma con otros artistas, patrocinadores y simpatizantes.
Salones y auge de la opinión pública
A partir de 1667, los Académie exposiciones establecidas para brindar a los miembros la oportunidad crucial de mostrar su trabajo a una audiencia más amplia, cultivando de ese modo clientes potenciales y atención crítica. Se lleva a cabo anualmente y, más tarde, semestralmente, estas exposiciones se conocieron como Salones, después del Louvre salón carré donde tuvieron lugar después de 1725. El Salón se convirtió en un importante espacio de intercambio artístico y una importante oportunidad para ver el arte antes de la formación del museo de arte público.
Pietro Antonio Martini, Vista del Salón de 1785, 1785, grabando, 27,6 x 48,6 cm (imagen), 36,2 x 52,7 cm (Museo Metropolitano de Arte)
Las obras de arte del Salón fueron seleccionadas por un jurado de académicos. Las pinturas se exhibieron según el tamaño y el género, con obras más grandes (pintura de historia y retrato) que ocupan los niveles superiores más prestigiosos, como puede verse en un grabado del Salón de 1785 donde Jacques-Louis David Juramento de los Horacios ocupa un lugar destacado en el centro. Con la introducción de 1737 al Salón de un público más amplio, vino el advenimiento de la opinión pública y el surgimiento de la crítica de arte. los Académie publicó un folleto que enumeraba las obras expuestas, organizado por el rango del artista, llamó al Livret . Coleccionistas de arte y eruditos asistentes al salón escribieron opiniones analizando el mérito artístico e intelectual de las obras de arte expuestas; algunos de estos, como los escritos por el filósofo Denis Diderot, estaban destinados a una pequeña comunidad de personas con ideas afines tanto en Francia como más allá, pero la crítica de arte se imprimió cada vez más en los periódicos para que tuviera acceso a un público más amplio.
Géneros y géneros
los Académie era un espacio masculino, en la mayor parte; algunos pintores aceptaron alumnas en sus estudios, particularmente en el último cuarto del siglo XVIII. Las mujeres artistas tenían prohibido por decoro estudiar la figura masculina desnuda, un aspecto central de la formación académica. Esto los hizo incapaces de convertirse en pintores de historia reconocidos oficialmente, y, por tanto, se restringieron a géneros considerados menos rigurosos intelectualmente. Durante sus 150 años de historia, los Académie sólo acogió a cuatro mujeres como miembros de pleno derecho:Marie-Thérèse Reboul fue admitida en 1757; Anne Vallayer-Coster fue admitida en 1770; Adélaïde Labille-Guiard y Elisabeth Vigée-LeBrun fueron admitidas en 1783.
Esta fue la pieza de recepción del artista para la Académie. Elisabeth Louise Vigée Le-Brun, La paz devuelve la abundancia, 1780, óleo sobre lienzo, 103 x 133 cm (Louvre)
A pesar de su aceptación al Academia, estas mujeres tenían opciones limitadas. Pintar principalmente naturalezas muertas (como Reboul), Vallayer-Coster elevó ese género con composiciones ornamentadas a gran escala. Labille-Guiard dirigió un gran estudio de estudiantes mujeres y era conocida como una destacada retratista. También Vigée-LeBrun, que empujó los límites del género y su género pintando ocasionalmente alegorías, incluyendo su pieza de recepción para el Académie. Conexiones familiares (en el caso de Reboul, Labille-Guiard, y Vigée-LeBrun) o protectores reales (en el caso de Vallayer-Coster, Labille-Guiard, y Vigée-LeBrun) jugaron un papel vital en su éxito. Sin tales campeones las artistas femeninas fueron incapaces de penetrar en la institución patriarcal del Académie . Todavía, su trabajo y su vida personal fueron sometidos a un escrutinio público indebido y sus logros fueron a menudo difamados.
Abolición y vidas posteriores
En la década de 1780, los Académie fue atacado por miembros y forasteros por politizar la distribución de premios y honores. Sus rígidas jerarquías, estructuras inequitativas, y el nepotismo desenfrenado eran incompatibles con los valores fundamentales de Libertad e Igualdad de la Revolución. Los principales artistas que se habían beneficiado de la institución presionaron para su disolución. Con el derrocamiento de la monarquía y la ejecución de Luis XVI, instituciones con conexiones reales indelebles fueron escrutadas y consideradas irrelevantes. los Académie fue abolida el 8 de agosto, 1793 por orden de la Convención Nacional.
Después de varios años de dificultades para los artistas provocada por la erosión de la realeza, noble, y mecenazgo eclesiástico durante la Revolución, el gobierno del Directorio revivió muchas de las estructuras del Académie en el establecimiento de un Instituto Nacional de Ciencias y Artes ( Institut nationale des sciences et des arts, después Institut de France ) en 1795. Entre los miembros de la nueva organización se encontraban muchos ex académicos, Quien reinstauró ciertos aspectos del ahora desaparecido Academia, como el Premio de Roma en 1797. La jerarquía de géneros, inculcado en el Académie Miembros y audiencias, siguió siendo fundamental para la comprensión de las artes durante todo el siglo XIX.
