Bartolome Esteban Murillo - vida y pinturas
No se sabe mucho sobre la vida del principal artista de la "edad de oro" de la pintura española, quien hizo una contribución inestimable a la historia del arte y se convirtió en el fundador de la escuela de pintura de Sevilla. Nació Bartolome Esteban Murillo, probablemente en diciembre de 1617. Hay un registro de su bautismo, que tuvo lugar el 1 de enero, 1618. Para comprender, bajo la influencia de la cual se formó el estilo creativo de un artista brillante, hay que entender qué era Sevilla donde nació en esa época.
Sevilla
Sevilla era uno de los dos puertos de España a los que se le permitía comerciar con América (según el Real Decreto del siglo XVI). Perlas oro, plata, cuero, así como cacao, aves raras, Aquí se trajeron hin y otros bienes sin precedentes en España. Los enormes astilleros a orillas del río navegable Guadalquivir estaban constantemente ocupados, aquí construyeron barcos, velas hechas, cuerdas y todo lo necesario para la flota. De las materias primas traídas, los artesanos más hábiles de Sevilla (más precisamente, sus suburbios Triana y Makarene) crearon magníficas vasijas, brocados de oro y tela, ropa para el clero, produjo y pintó velas de iglesia macizas y pesadas. En los pórticos de numerosas iglesias abarrotadas, pidiendo limosna, los pobres, los pobres y los lisiados. El número de pobres Los niños de la calle y los vagabundos sin hogar era enorme. En los documentos del Ayuntamiento hay muchos registros de que los pobres pasaban hambre.
Al mismo tiempo, Sevilla también fue un centro importante de la Iglesia católica omnipotente y rica. Ya en el siglo XV, el clero español estaba orgulloso de las enormes catedrales que eran los edificios góticos más grandes de Europa. Los monasterios eran numerosos y muy ricos, poseían verdaderos tesoros y distribuían generosamente pedidos a los mejores artistas. Las magníficas fiestas de la iglesia y las solemnes procesiones religiosas de Sevilla fueron famosas en todo el país. Esto fue atendido no solo por el clero, pero también para conocer:los duques de Medina Sidonia, Zunig, Alcalá y muchos otros donaron grandes sumas de dinero para este tipo de eventos, tratando de enfatizar su riqueza e influencia.
Por lo tanto, Sevilla era una ciudad de contrastes:lujo y pobreza, riqueza y miseria. Incluso en la segunda mitad del siglo XVII, cuando la ruina y el empobrecimiento arrasaron toda España como consecuencia de la crisis económica, los barcos seguían llegando a Sevilla desde el otro lado del océano, el pulso de la vida comercial aún late en él, sin embargo, todas las tierras de Andalucía pertenecían a cinco familias nobles. Los nobles que estaban tan orgullosos de la nobleza de la sangre y consideraban vergonzoso cualquier trabajo, excepto asuntos militares, servicio en la iglesia o en la corte, se involucró cada vez más en el comercio. La grandeza de España es cosa del pasado, como son sus sueños de dominación mundial. En el arte español, Las imágenes heroicas de valientes guerreros victoriosos y mártires de voluntad fuerte aparecían cada vez menos. El arte realista perdió gradualmente su severa masculinidad y su carácter expresivo. Fueron reemplazados por excesivamente exaltados, o, en cambio, imágenes líricas suaves, que se puede ver en las obras de maestros tanto de la escuela madrileña, por ejemplo, Juan Kareño de Miranda, Claudio Coelho, Antonio Pereda, y Sevilla - Herrera el Joven, Pedro de Moya, Alonso Kano. La pretensión de los adornos magníficos creció en la arquitectura, y en las esculturas de madera, las estatuas a menudo no solo estaban pintadas, pero vestida con trajes realmente lujosos.
Inicio del camino creativo
Durante este período, nació el futuro gran artista Bartolomé Esteban Murillo. Habiendo perdido a sus padres temprano, el niño se crió en la familia de su tía, la esposa del cirujano barbero sevillano Juan Lagares. Habiendo descubierto temprano la afición del niño por la pintura, parientes le dieron para estudiar al artista Juan del Castilio, quien se distinguió por su amor por los novelistas sevillanos y los artistas italianos. Pero pronto Murillo se vio abandonado a su suerte, cuando su maestro partió hacia Cádiz. Los primeros biógrafos afirman que el joven artista pintó su obra en pequeños trozos de lienzo y luego los vendió en el astillero. Esto parece probable, ya que en sevilla, muchos pintores trabajaron para el astillero.
Los hechos confiables sobre la vida de Murillo son muy pocos. Pasó unos dos años en Madrid (probablemente de 1648 a 1650), donde realmente pudo reunirse con Velázquez y estudiar gracias a él las pinturas de grandes maestros de las colecciones reales. Además, Amigo de Murillo, Pedro de Moya, que admiraba las obras de Anthony van Dyck, trajo copias y dibujos de las obras de este genio de la pintura desde Flandes e Inglaterra a Sevilla. Murillo cumplió principalmente las órdenes de los monasterios, creando grandes ciclos de historias bíblicas y evangélicas, leyendas sobre la vida de los santos. En los cuentos "Adoración de los pastores", “El milagro de satisfacer a cinco mil personas con cinco panes”, numerosas escenas de limosna y curación de santos enfermos, retrató con amor a la Sevilla pobre:campesinos, mendigos lisiados. Toda su vida escribió pinturas de género, representando a los hijos descalzos de los pobres españoles, participa en juegos en las calles de la ciudad.
En las obras de la primera etapa de la obra de Murillo (años 40 del siglo XVII), la evidente influencia de Velázquez, Herrera el Viejo, Zurbarán, Roelas y otros maestros de la escuela sevillana es evidente. El artista trabaja a la manera oscura de los caravaggistas, reviviendo sus lienzos con solo algunas manchas en colores cálidos. Ya en estos años el joven artista comienza a interesarse por el problema de la transmisión de la luz, haciendo tímidos intentos de solucionarlo en sus obras.
Quizás el joven Murillo pintó el cuadro “Adoración de los pastores, ”Que ahora se encuentra en el Hermitage. Ante la joven y bella Madonna, mirando con dulzura al niño Jesús, acostado en un miserable pesebre, hay sencillos campesinos andaluces que traían sus magros regalos. Este es un anciano arrodillado levantando tímidamente las manos y sin atreverse a tocar al bebé, un nariz afilada, anciana sonriente con un chal ligero, un joven de capa roja y un pastor con un característico bastón. Sus figuras todavía están escritas con bastante rigidez, y su colocación no es demasiado exitosa:se colocan en una “escalera”, una encima de la otra. El color oscuro del lienzo de la izquierda está iluminado por la luz que emana del bebé. La blancura brillante de la sábana y el delicado cuerpo rosado del niño crean una ilusión de luz brillante, iluminando el rostro manso de Madonna, su sencillo vestido rojizo, y proyectando reflejos dorados en el borde de las toscas ropas del anciano arrodillado.
En los 40 y 50, Murillo creó pinturas de género más de una vez, continuando la tradición democrática establecida de la escuela de pintura sevillana en la primera mitad del siglo. Entre estas obras se encuentra “Gypsy” (Madrid, Prado), "Niña con flores y frutas" (Moscú, Museo Pushkin), "Pésimo" (París, Louvre) y "Boy with a Dog" (San Petersburgo, Ermita).
El cuadro "Niño con perro" fue pintado a mediados de los años 50. Vemos a un niño caminando por la calle. En su mano hay una canasta. El niño, sonriendo cariñosamente, con un gesto de la mano le muestra al perro que en su canasta no hay nada más que una jarra de barro vacía. La figurilla del niño se escribió en generaciones, pero el artista logró crear una sensación del movimiento del niño por la calle, una comprensión clara de que el bebé está hablando con un amigo de cuatro patas mientras viaja. El rostro del niño está pintado con tal realismo que no hay duda de que el cuadro fue pintado de la naturaleza y el artista conocía bien a este niño. La figura está delineada por suaves líneas suaves. Iluminando un rostro esbelto que no difiere en belleza, se siente una sonrisa bajo las largas pestañas de los párpados ligeramente caídos, a través del cual se ve claramente el brillo de los ojos astutos. El artista escribe cabello, cara, manos, ropa con una capa muy fina de pintura, sosteniendo largos trazos oblicuos con un pincel. El color de la imagen es opaco, estrictamente pensado y bastante gráfico. Los tonos grises del cielo iluminan el horizonte, a la derecha se eleva un muro amarillento con un inexpresivo árbol verde pálido. Contra este fondo desvaído, las mangas oscuras de la chaqueta, el pelaje ligero del perro y la canasta dorada destacan claramente. Probablemente, este mismo niño sirvió como modelo para el pintor de la obra “Boy in the Window” (Londres, Galería Nacional), en el que también desarrolló su distintivo sabor, Continuar experimentando con la luz y el color.
Éxito y reconocimiento
Con la mejora de sus habilidades, Murillo en los años 50 del siglo XVII perfeccionó cada vez más la gama de tonos dorados y plateados que lo atraían, tratando de transmitir una neblina de aire atravesada por la luz. La carrera del maestro está ganando impulso gradualmente. Ya en 1656 recibió el título de primer pintor de su Sevilla natal por el gran cuadro “Visión de San Antonio de Padua” realizado para el altar de la Catedral de Sevilla. Todos admiraban cuán magistralmente estaba escrito el rayo de luz, a lo que el monje Antonio de Padua extiende sus brazos, que vio al niño Jesús descender del cielo.
Los contemporáneos ensalzaron a Murillo:empezaron a llamarlo “Sevilla Apelles, "Comparándolo con el gran pintor de la antigua Grecia, e incluso lo colocó más alto que el mismo Tiziano. A comienzos de las décadas de 1950 y 1960, se creó la obra “La Anunciación” (San Petersburgo, Ermita). En él podemos ver una elaboración de luz y color aún más sutil que en el cuadro “Niño con perro”. El Angel, que acababa de llegar a María con la buena noticia de que estaba destinada a convertirse en la madre del Hijo de Dios, se arrodilló ante ella.
Junto con el ángel el cielo en forma de nube de luz parecía haber entrado en la habitación modesta, habiendo lavado los contornos de las paredes y envuelto la columna con neblina. Solo una mesa con un libro encima un ramo de lirios en un florero de vidrio delgado y losas de un piso simple son claramente visibles. Una manta ligera sobre la cabeza de María, y sus hombros se funden con la nube. El color general de la imagen está muy bien resuelto. La mancha de color principal era una bufanda de ángel, rojo carmín, con delicados matices de matices, revoloteando fácilmente contra el fondo de nubes grises ahumadas. El color de la bufanda va bien con la ropa gris violeta del ángel y la canasta de color amarillo dorado en el suelo. e incluso con la almohada azul suave en ella. La segunda versión del cuadro se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, pero en él parte del pie del ángel y parte del florero están cortados por los bordes del lienzo, lo que distorsiona significativamente la composición de la obra.
El pintor, como el verdadero hijo de su tierra, Se volvió repetidamente a la imagen de la Virgen y cantó la belleza de las mujeres sevillanas. Los andaluces llamaron a su tierra "la tierra de María Bautista". Fue la Virgen María la patrona de Sevilla, así como todas las ciudades y pueblos de Andalucía. La gente común la honró como intercesora, compuso canciones, cuentos y leyendas sobre ella. En poesía popular, Madonna siempre ha sido una belleza con grandes ojos y delicadas manos blancas. Ella es admirada por la gente y arboles, y el sol, y el mar y los arroyos. En las obras de Murillo, María también es siempre una de ojos grandes, agraciado, mujer tierna y esbelta, en contraste con las obras de muchos maestros españoles que vieron en Madonna, principalmente su madre, con ojos modestamente bajos mirando a su hijo.
Las Madrillas de Murillo más famosas:“La Virgen y el Niño” (Florencia, Uffizi), “Virgen y Rosario” (Madrid, Prado), "La Virgen y el Niño", que tiene el segundo nombre - "Madonna y Servilleta" (Sevilla, Museo de Bellas Artes) y "La Virgen y el Niño", también conocida como la "Virgen Gitana" (Roma, Galería Corsini). Todas estas mujeres encantadoras que miran al espectador también pueden ser admiradas, no solo les rezaba. La encantadora imagen del artista se encuentra en varias escenas:"Inmaculada Concepción", "Anunciación", “Adoración de los pastores”, "Descanse en la Huida a Egipto", "Huida a Egipto", "Sagrada Familia", “Llevando a la Virgen al cielo”, y muchos otros, ambos escritos por orden de la iglesia, y creado para otros clientes.
Las composiciones de las obras de Murillo encargadas por la Iglesia Católica se distinguen por una combinación de la tranquila solemnidad del lienzo religioso con motivos de género que aportan calidez y conmoción a la simple vida humana. Esta es la obra "Descanse en la Huida a Egipto". Aquí vemos el sereno sueño de un bebé el gesto cariñoso de la mano de una madre con la palma abierta protegiendo a un niño, El rostro tranquilo y gentil de María, el dosel confiable de un árbol bajo el cual ella descansaba. José está cerca, sosteniendo una mula. Lindos ángeles curiosos, miedo de despertar al niño, pararse abrazados a la distancia.
La obra es sorprendentemente armoniosa:la proporción de figuras y paisaje, el suave fluir de líneas suaves, los colores cálidos de la túnica roja de Madonna combinados con la ropa marrón oscuro de Joseph, árboles, la pantorrilla rosada de un bebé y una neblina plateada transparente de lejanas colinas inclinadas. Cuidadosa ejecución magistral de cosas ordinarias:nudos cuidadosamente anudados, arrojado sobre el sombrero de paja de Joseph, una botella en una calabaza vacía, nos demuestra lo hábil que era el maestro de bodegones Murillo. Ninguno de los maestros españoles recurrió tan a menudo a temas apócrifos como Murillo. Se interesaron por él nada menos que los temas clásicos de la Ascensión de la Virgen y la Inmaculada Concepción, muchos ejemplos de los cuales se pueden encontrar en museos de todo el mundo:en el Prado, el ermitano, el Louvre, los museos de Sevilla y colecciones particulares. La apócrifa es una leyenda no permitida por la iglesia oficial en los textos de los cuatro evangelios canónicos existentes:leyendas sobre los juegos del pequeño Cristo con sus hermanos (hijos de José); sobre la palmera datilera, que creció en la oración de la Virgen durante su viaje a Egipto; un ataque a una sagrada familia de animales y ladrones (dragón, Lobos, león y leopardo); sobre la crianza del niño Jesús por José; sobre la infancia de Mary y muchas otras.
Una característica de la escuela de pintura de Sevilla fue la imagen de la Virgen volando hacia el cielo, acompañado de ángeles. El joven Velázquez pintó la Inmaculada Concepción (Londres, Galería Nacional), mostrándole un joven, chica bastante terrenal con un rostro ligeramente corpulento, sus ojos tímidamente avergonzados. Como creen muchos historiadores del arte, fue escrito de Juana, hija del maestro de Velázquez - Francisco Pacheco, quien luego se convirtió en su esposa. A continuación puedes ver los edificios y calles de Sevilla. Murillo creó una nueva imagen en la pintura española de María:una joven, frágil, graciosa sevillana, elevándose en las nubes, levantarse suave y fácilmente. Tal es la “Inmaculada Concepción” almacenada en la Ermita. Una densa nube gris en el que los angelitos se divierten alegremente, se lleva a la Virgen que está sobre él. La Virgen María se para sobre ella, doblando una rodilla ligeramente, graciosamente, solo con el toque de sus dedos, uniendo sus manos y sosteniendo suavemente el borde rizado de la capa con los codos.
La pintura de la Ascensión (San Petersburgo, el Hermitage) fue pintado varios años después. El rostro de la niña se asemeja al rostro de María de la Inmaculada Concepción, creado por el artista para el monasterio de los capuchinos y almacenado en Sevilla. Probablemente ambos cuadros fueron pintados por el maestro a partir del mismo modelo. La Virgen está vestida con un vestido largo blanco, en su cintura - un cinturón dorado, un pañuelo sobre sus hombros, gira fácilmente en el aire. Inusualmente magistralmente transmitió un suave movimiento hacia arriba. Al espectador le parece que está parado debajo y su mirada va siguiendo gradualmente la figura ascendente. Los ángeles juegan a los pies de María, y uno de ellos, un niño de pelo oscuro de piel oscura, trata de sostener el ondeante manto de la Virgen volando hacia ella. El brazo derecho de Madonna está levantado su cabeza está ligeramente inclinada, sus ojos se elevan al cielo.
La impresión de un movimiento ascendente se logra no solo por la composición. Murillo muestra esta aspiración con colores ricos y luminosos. Justo debajo, oscuridad total, esta es una tierra abandonada. Elevándose, el fondo se vuelve más claro, más transparente, los colores son mas claros, plateado, las siluetas de los ángeles voladores se ahogan en su bruma. Al borde superior del lienzo, aparecen tonos dorados más cálidos, brillando en amarillo, matices leonados y rosados. El artista vuelve a escribir con largos trazos oblicuos, todo es suave suave, las alas de los ángeles están ligeramente tocadas por el blanco. El claroscuro es transparente, la transición de tonos es invisible, y los contornos de las figuras se disuelven en el aire.
Murillo también tiene otra Madonna, la dueña de una casa pobre, la esposa corriente de un artesano. En el siglo 18, el Hermitage adquirió el cuadro "La Sagrada Familia", cuyo pequeño formato corresponde a la interpretación íntima de la trama. El carpintero José tuvo una hora de descanso. Dejando el trabajo a un lado tomó al niño en sus brazos, el rostro de su padre tranquilo y afectuoso. El niño tira de los bolígrafos a la madre, quien dejó la costura para llevarse a su hijo. La acción probablemente se desarrolla en un taller en el que una cortina verde separa el espacio de trabajo de la vivienda. La luz suave dorada llena todo el espacio. La gama de colores del trabajo se resolvió sutilmente:la capa amarilla de Joseph y el color gris de su ropa, El vestido rosa de María y una capa azul oscuro en su regazo, un chal amarillo pálido, el sudario blanco de un bebé y los tonos rosados se coordinaron hábilmente y se pensaron profundamente. Luz, El artista crea trazos largos casi transparentes que sobresalen del borde del sudario blanco y los pliegues de la cortina, mientras la canasta teje, de lo contrario, está escrito con trazos cortos de pincel. La economía simple de un simple carpintero:un banco de trabajo con un avión, una sierra, apoyado en la mesa, y una canasta de herramientas se encuentran en primer plano, pero el aire dorado de la habitación suaviza sus contornos, como si se disolviera en una neblina celestial.
En 1660, Murillo se convirtió en presidente de la Academia de las Artes de Sevilla, fundado por él mismo, una asociación libre de artistas que existía por sus propias donaciones. Creía que el artista debería primero estudiar la naturaleza y seguir las tradiciones del arte aceptadas en casa. e imitar la antigüedad. Sus obras se diferenciaron de las obras de la Academia de Bolonia exclusivamente en motivos de género, interés por los tipos del folclore español y el desarrollo del claroscuro y el color.
El protector de la Academia de Sevilla fue el Marqués de Villamanrique, para quien el artista, en la década de 1665-1670, realizó una serie de pinturas sobre escenas de la vida de Jacob. Entre ellas se encuentran las obras “La escalera de Jacob” y “La bendición de Jacob Isaac” (ambas en el Hermitage, San Petersburgo). Se trata de enormes obras decorativas destinadas a decorar el palacio. En ambos lienzos, la trama bíblica es como si hubiera pasado a un segundo plano. En el cuadro "La bendición de Jacob Isaac", a la escena con la participación de los personajes principales se le asigna un lugar mucho más pequeño que el resto del paisaje con figuras. El arco de la casa en cuyas profundidades vemos en la cama de un anciano ciego sentado Isaac, se muestra a la derecha. Junto a él está su esposa Rebeca, y su Jacob está arrodillado junto a la cama de su padre. Esta es una historia sobre cómo Isaac agonizante quería bendecir a Esaú, su hijo mayor, a quien planeaba transferir el liderazgo en la familia. Usando la ceguera de su esposo, Rebeca trajo a su hijo menor, su favorito, Jacob, a él. Todos los personajes son muy característicos de Murillo. Isaac es un anciano tranquilo y amable, Rebeca es una anciana delgada, con mejillas hundidas y nariz afilada. Este tipo de mujeres se encuentra a menudo en las pinturas de Murillo:esta es Anna, la madre de María, y viejos mendigos en escenas de limosna, y campesinas en numerosas “Adoración de los pastores”. y viejos mendigos en escenas de limosna, y campesinas en numerosas “Adoración de los pastores”. y viejos mendigos en escenas de limosna, y campesinas en numerosas “Adoración de los Pastores”.
Luz y espacio
Toda la escena de la bendición del hijo por parte del padre se destaca como si brillara desde adentro por una cortina roja brillante detrás de la cama de Isaac. Una inusual sensación de espacio en la habitación se crea mediante una clara transición entre el borde oscuro del arco y el tono claro de la camisa y las almohadas de Isaac. al borde colgante brillante luminífero de la cortina. El paisaje espacioso, extendiéndose más allá de la pared de la casa, atrae la atención con nubes previas a la tormenta flotando sobre el suelo. Los desbordamientos suaves de los tonos del cielo son infinitamente diversos:todos los tonos de gris, desde el oscuro ahumado hasta el plateado transparente, en el que se pierden los contornos de aves voladoras.
Todas las tonalidades de los colores del cielo se combinan a la perfección con los tonos marrones-dorados de la carretera y las sombras en ella. A lo largo del trabajo, uno siente el estricto orden de una única solución compositiva, enfatizando la profundidad del espacio. El camino que se interna en las montañas el árbol inclinado en la misma dirección, el movimiento de una mujer inclinada bajo la carga de una jarra pesada, la figura distante de un cazador refuerza la impresión de profundidad. La imagen está repleta de elementos domésticos:recipientes en primer plano, palomar, una cerca de tablas viejas, macetas en el techo. Vemos que el yeso se cae en algunos lugares de la pared de la casa. Todo esto está tomado de la vida y nos muestra la vida de los andaluces de a pie.
La obra “La escalera de Jacob” es más decorativa. Aquí Murillo transmitió magníficamente la fabulosa y la riqueza del sueño. La historia bíblica cuenta cómo Jacob, temiendo la venganza de su hermano, viajó al país de Harran, pero en el camino se durmió y vio en un sueño una escalera al cielo, por donde descendieron ángeles, llevando la noticia de que Dios había decidido todo el país en cuya tierra duerme, darle. La acción se desarrolla de noche a la luz de la luna, arrojando sus tenues rayos sobre el río, cascada, troncos retorcidos y ramas de árboles. La figura de Jacob con ropa pálida apenas se nota. Y aquí, el pintor se siente más atraído por el paisaje y la creación en el lienzo de la realidad mágica de la luz de la luna que aparece a través de las nubes oscuras. Ángeles delicados y frágiles están vestidos de amarillo pálido, túnicas rosas y azules. En el contexto de un misterioso paisaje nocturno, con una compleja gama de tonos oscuros y luminosos, sus alas y sus ropas brillan con puntos de luz. El cielo gris oscuro está pintado con característicos trazos amplios. Las hojas de las ramas de los poderosos árboles viejos están ligeramente tocadas en algunos lugares por el rosa, en algunos lugares por trazos rojos rizados, lo que crea una falsa impresión de flores.
En el apogeo de su maestría pictórica, en la década de 1660-1670, Murillo buscó poetizar las imágenes de sus personajes, por lo que fue acusado repetidamente de cierta dulzura y deliberada belleza de los héroes de sus cuadros. Sin embargo, estos reproches no son del todo justos. De hecho, los niños que vemos en los lienzos "Juan el Bautista con el Cordero" (San Petersburgo, el ermitano), “El Buen Pastor” (Madrid, Prado), y otros son típicos de Andalucía, todavía se pueden ver en Sevilla y pueblos de los alrededores. La orientación democrática de la obra del artista se expresó en el hecho de que equiparó la belleza de la Virgen con la belleza de las mujeres sencillas de Andalucía, y la belleza de su hijo, pequeño Jesús con la belleza de los harapos de la calle.
Por ejemplo, sobre el cuadro “La limosna de Foma Villanueva” (Sevilla, Museo de Bellas Artes) vemos a un joven vecino de Sevilla, agarrando al bebé con una mano en el pecho, y el otro llevando de la mano al bebé mayor semidesnudo. La mujer y sus hijos no son diferentes de la Virgen y el niño Jesús de las pinturas religiosas del artista.
En el cuadro "Juan el Bautista con el Cordero", el pequeño John es un chico guapo de ojos grandes con grandes cabellos, presionando un cordero esponjoso contra su pecho. Las suaves piernas y brazos cincelados del niño y su figura ligeramente curvada le dan gracia. El niño se coloca en el centro de la composición, en el que el paisaje juega un papel importante, recordándonos el cuadro "La escalera de Jacob". Murillo tiene muchas imágenes de esos niños.
El cuadro "José, Liderando al bebé de Cristo "(San Petersburgo, Ermita), pintado en 1670, se interpreta como una escena de género. Un joven José de barba negra conduce a un niño de cabello rizado vestido con una camisa larga de color púrpura, hablando con él en el camino. El paisaje de la ciudad que vemos detrás de ellos - Sevilla, sus edificios y calles son más de una vez reconocidos en la obra del maestro. Murillo se refirió a menudo a esta trama, que no estaba incluido en los evangelios canónicos. En el lienzo "José con el Niño Cristo" (Moscú, Museo Pushkin), vemos cómo José abrazando a Cristo lo divierte con una rama en flor. Murillo siempre pintó escenas con Joseph de buen grado.
Cierto, el artista también tenía imágenes de otros niños, ni hermosas ni felices, pero demacrado, pálido, enfermo e infeliz. Estos niños se pueden ver en lienzos sobre el tema de la limosna. Pero Murillo trató de evitar escenas innecesariamente trágicas; no le funcionaron demasiado bien. En la obra "La Crucifixión" (San Petersburgo, Ermita), el cuerpo de Jesús se destaca sobre un fondo gris oscuro de nubes, el Hijo de Dios es tranquilo y hermoso. María, Juan y María Magdalena, de pie al pie de la cruz, son jovenes y hermosos.
El lienzo de gran formato “La muerte del inquisidor Pedro Arbues”, también perteneciente a la colección Hermitage, Fue encargado por el tribunal de la Inquisición de Sevilla. Pedro Arbués de Epila, que vivió a finales del siglo XV, fue el inquisidor de Aragón bajo los reyes católicos Fernando e Isabel, quien fundó la Inquisición en España. Aragón en aquellos días disfrutaba de una serie de privilegios y algunas libertades. Los duros estatutos de la Inquisición, especialmente la confiscación de todos los bienes de los condenados, causó malestar entre los nobles aragoneses, quien finalmente decidió matar a Arbues con la esperanza de que el rey se asustara y no le enviara un reemplazo.
El noble español Juan de la Abadia lideró el asesinato, mientras el joven Vidal de Uranso y Juan de Esperaindeo, que quería vengar a personas cercanas ejecutadas por la Inquisición, se convirtieron en artistas. El asesinato tuvo lugar el 15 de septiembre de 1485, justo en la catedral de Zaragoza. Una tarde en la noche cuando Arbuez se arrodilló frente al altar, de Esperaindeo lo apuñaló en el brazo con una espada, y de Uranso, advirtió que el formidable y odiado inquisidor lleva una cota de malla debajo de la ropa y se protege la cabeza con una armadura, le clavó una daga en el cuello.
Todos los participantes en la conspiración fueron torturados. Arbuesu se erigió una gran tumba, y después, elevado al rango de santo. Murillo conocía todas las circunstancias del asesinato y las reproducía fielmente en la imagen, pero a pesar de las figuras bellamente pintadas, la hermosa transición del claroscuro de semitonos en la catedral oscurecida, los rostros de los participantes son demasiado secos e inexpresivos, y las posturas son demasiado teatrales.
Trabaja para el Hospital Caridad
Una de las series de pinturas más famosas de Murillo fue un ciclo de once obras (1671-1674), realizado para el Hospital de la Caridad, ubicado en Sevilla. El hospital perteneció a una fraternidad fundada en 1578, creado para el entierro de ejecutados, desconocido y ahogado. La Hermandad fundó una gran capilla dedicada a San Jorge, que ocupaba parte de una gran sala en el territorio del astillero de Sevilla. En el mismo lugar en 1664 se instaló un pequeño hospital, la entrada a la cual estaba decorada con una inscripción que terminaba con las palabras:"... la casa de los pobres y la escalera al cielo".
Viviendo al mismo tiempo que Muirlo, don Miguel Manyara Vicentele de Leka, un caballero de la Orden de Calatrava, reconstruyó el antiguo y construyó un nuevo gran hospital en el que trataba a los enfermos, enterrado a los muertos, alimentó a los hambrientos con sopa gratis y proporcionó otras formas de misericordia. El mismo Manyara era una figura muy interesante, sin embargo, característico de su época. Un rastrillo, un quemador de vida, participante en orgías y asesinatos, una vez temió los sermones del clero, amenazando no solo al más allá con el juicio final, pero también el tribunal terrenal de la Inquisición. Hay una leyenda según la cual Manyara soñó con su funeral, luego de lo cual se arrepintió de sus pecados y hasta legó no enterrarlo en la misma iglesia de la Caridad, pero debajo de una estufa a la entrada, para que todos pisoteen su tumba con los pies. Manyara sugirió a Murillo que escribiera para el hospital once cuadros que glorificaran la misericordia. Todas las tramas fueron extraídas de la Biblia, el Evangelio, y posteriores leyendas de santos. Las obras más famosas de esta serie fueron “Moisés esculpiendo agua de la roca” (Sevilla, Caridad), "Cristo cura la parálisis" (Londres, Galería Nacional) y “St. Elizabeth la Reina de Hungría, trata a los enfermos ”(Madrid, Prado).
El cuadro "La liberación del apóstol Pedro de la cárcel" (San Petersburgo, Ermita), pintado para Caridad, se distingue por una interpretación inusual de la solución de corte. El artista se propuso representar de manera más confiable una fuente de luz en una habitación oscura. Un resplandor radiante emana de la cabeza de un ángel, iluminando la pared, haciéndolo casi invisible, como impregnado de un juego de tonos grisáceos plateados, intercalados con matices rosáceos. A la izquierda de las figuras de los soldados dormidos, se muestra otra fuente de luz:una pequeña luz de vela dorada que ilumina con moderación la silueta negra de una alabarda, la capa roja de uno de los soldados y un anillo de hierro atornillado a la pared. Y aquí Murillo se mantuvo fiel a sí mismo:el preso representado es un apuesto anciano de rostro tranquilo, no expresar emociones.
Al mismo tiempo, para el hospital, Caridad escribió a otro artista que también vino de Sevilla - Juan Valdés Leal, quien cumplió la orden de Miguel Manyara. La obra de Valdés Leal fue diametralmente opuesta al arte de Murillo. Siendo un pintor talentoso, dominando perfectamente el color, Valdez Leal prefirió pintar cuadros lúgubres, imbuido de tragedia, misticismo y dinámica apasionada. En sus obras, vemos figuras en un ataque de inquietud, resplandor inquieto de la luz alternando con sombras que corren, la combinación de colores, aunque elegante, pero demasiado afilado.
Un ejemplo son dos de sus pinturas más famosas, escrito para Caridid - "Jeroglíficos de la muerte" y "El fin de la gloria terrenal". En el primero, representó un esqueleto con una guadaña, caminando entre multitudes, libros y armas que ya no eran necesarios, apagando el fuego de una vela humeante con dedos huesudos, en el segundo mostró un cuadro terrible de la descomposición de los cadáveres de un caballero y un obispo, con una mano misteriosa sosteniendo escamas sobre ellos. Typical of Valdes Leal and the work "Portrait of Manyara." Manyara sits at the table, pointing to the crucifix with a slightly theatrical gesture of his hand. A boy with a book, dressed in dark monastic clothes, settled down on a low bench on the left. The pale child put a finger to his lips, symbolizing, por lo tanto, a vow of eternal silence and humility.
But the differences in the work of artists were determined not only by their personalities and characters, but also by the complexity of the conflicting art of the end of the "golden age" of Spanish culture. Valdez Leal reflected in his work an aristocratic reaction to realism, which included mystical horror of the afterlife. Esteban Murillo also loved life in its most diverse manifestations. His work is connected with the best traditions of the national Spanish art of the heyday. He strove with all his might for the truthful transfer of the environment and was deeply sincere in this effort. An observant painter, he could not help but notice the contrasts of Seville - the wealth of the church and the nobility and poverty of the people. All this is reflected in his creations. Al mismo tiempo, he was the son of his time, realizing that the conditions had changed, por lo tanto, the poetization of images and the decorativeness of the composition often replaced the depth of content and expressiveness characteristic of old masters.
The artist died from an accident. While painting the Capuchin monastery in Cadiz, Murillo fell from high forests. In serious condition, he was transported home to Seville, where he died from his injuries in April 1682.
