Rey de los pintores Tiziano Vecellio (1477-1576)
Tiziano Vecellio da Cadore es uno de los más grandes artistas de todos los tiempos, junto con leyendas del Renacimiento italiano como Leonardo, Miguel Ángel y Rafael. Tiziano, un genio reconocido de su tiempo, fue llamado "el rey de los pintores y el pintor de los reyes". Los descubrimientos de este titán de la pintura en el campo de las bellas artes, De una manera u otra, Influyó en el trabajo de todos los artistas posteriores. Tiziano jugó un papel importante en el desarrollo del género mitológico, paisaje y retrato. Por cierto, ser capturado con el pincel de un maestro fue el premio más alto para sus contemporáneos.
Tiziano - Galería de pinturas en Gallerix.ru
El artista vivió una larga vida, conservando hasta el último día la claridad de pensamiento, sensibilidad de la percepción, agudeza visual y capacidad asombrosa para trabajar. Esto permitió a Tiziano no dejar el pincel fuera de sus manos hasta el final de sus días y dejar a los descendientes un extenso patrimonio artístico. En sus creaciones, fragilidad y solemnidad, espiritualidad y cotidianeidad de la realidad, la tragedia y la belleza del hombre y el mundo se combinaron de una manera asombrosa. No sin razón Las obras del pintor fueron copiadas innumerables veces.
La vida y obra del artista cayeron en el período de mayor prosperidad de Venecia, el mismo esplendor de su poder y gloria, la época de los cambios globales y los acontecimientos históricos. Según diversas fuentes, Tiziano nació en el año 1477 o 1480. Sus padres pertenecían a una antigua familia que vivía en el pequeño pueblo de Pieve di Calore, ubicado en los Alpes. El niño demostró su habilidad para dibujar desde muy temprano y a la edad de diez años sus padres lo enviaron a estudiar a Venecia. Los fundamentos de las bellas artes del joven Tiziano comprendidos en el taller de Giovanni Bellini, que jugó un papel importante en el destino del joven artista, presentándole al ya famoso pintor Giorgione. Esta reunión jugó un papel importante en la vida de Tiziano, gracias a ella, pronto encontró su propio estilo y ganó reconocimiento. Y aunque dos artistas talentosos no se hicieron amigos:los hábitos, los personajes y las perspectivas de la vida eran demasiado diferentes; no se puede subestimar el papel que jugó Giorgione en la vida de Tiziano. El respeto de este último por su camarada mayor puede juzgarse por la evidencia sobreviviente de lo mucho que Tiziano sufrió la inesperada muerte de Giorgione (el gran artista murió inesperadamente cuando solo tenía treinta y cinco años).
Un tributo peculiar al talento de Giorgione y al importante papel que jugó en el destino de Tiziano fue la restauración por parte del artista de la Venus durmiente de Giorgione, que había ardido en el fuego. Tiziano reescribió por completo el lienzo irreparablemente dañado por el fuego, conservando solo la pose de heroína y su rostro tierno. El modesto pintor no empezó a firmar el cuadro con su propio nombre y nunca mencionó la autoría casi completa de la obra maestra atribuida al pincel de Giorgione. Quizás este trabajo fue el primer hito en la confusión resultante, debido a lo cual, a lo largo de muchas décadas, Las pinturas de Tiziano, distinguido por su rara perfección de ejecución, se atribuían a menudo a los pinceles de Giorgione.
Pero retrocedamos un poco concretamente en 1508, durante la "edad de oro" del Renacimiento italiano, cuando un artista reconocido invitó al joven Tiziano a que lo ayudara a decorar el recinto alemán en Venecia. Giorgione comenzó a diseñar su parte del complejo alemán mucho antes que su camarada más joven, eligiendo por sí mismo la fachada principal del edificio que parece más ventajosa. Tiziano se quedó con la parte trasera del patio con vistas a una calle estrecha, que siempre estuvo lleno de gente. Giorgione, que no solo era un pintor talentoso, pero también un hombre encantador, siempre estuvo rodeado de muchos amigos que acudían al lugar de trabajo de vez en cuando para alabar al artista y elevar su espíritu creativo. Tiziano, distinguido por su silencio y aislamiento, Trabajó principalmente en soledad. No es sorprendente, el consumado y más seguro de sí mismo Giorgione terminó el trabajo mucho antes que su joven colega.
Cuando finalmente se completó la restauración del complejo alemán, toda Venecia corrió a ver este milagro. El deleite de la audiencia no conoció límites y, según numerosos testimonios, La pintura de Tiziano fue la más sensacional. Para evaluar las pinturas murales, se creó una comisión especial, encabezada por Bellini. Los recuerdos de uno de los testigos que estaban presentes allí ese día - Dolce sobrevivió:“Tiziano retrató a la magnífica Judith, ella está por encima de toda alabanza. El color y el diseño eran tan perfectos que tan pronto como apareció ante la audiencia, todos los amigos de Giorgione, quien por unanimidad decidió que este era su trabajo, Inmediatamente comenzó a felicitar al artista, asegurándole que esta era la mejor de todas sus creaciones. " Desafortunadamente, en la actualidad no podemos juzgar el trabajo de los dos maestros, porque después de solo treinta o cuarenta años, los frescos se perdieron casi por completo debido a la humedad, saturado de sal marina, Aire veneciano, pintura oxidada. Pero incluso de los fragmentos individuales que han sobrevivido, está claro que Tiziano superó brillantemente esta difícil prueba, declarándose a sí mismo como un artista talentoso con un estilo profundamente individual.
Y el peso gracias a la participación en este proyecto, Empecé a hablar de las obras de Tiziano muy temprano, Dado que las primeras obras del maestro se destacaron por su raro realismo y cuidadosa transferencia de detalles, lo que rara vez era posible para los pintores jóvenes. No fue el menor papel en el reconocimiento temprano del artista la situación extremadamente favorable para las personas creativas en el país. Durante este período, Venecia vivió en paz y prosperidad, gracias a una potente flota, comercio desarrollado y una sólida posición económica.
Crea un estilo único
Fue una época en la que los poetas escritores músicos y artistas retrataron gente feliz en el contexto de la naturaleza serena, y los temas principales de las obras de arte fueron el amor, belleza y poesía de las relaciones. En tal ambiente, comenzó el camino creativo del joven Tiziano.
Inicialmente, el artista se dejó llevar por la imagen de la naturaleza, y el momento mágico antes del atardecer, cuando el cielo adquirió un brillo, color saturado, se convirtió en su momento favorito del día. Puedes adivinar que la estación favorita de Tiziano fue el otoño, con su alboroto y colores multicolores. Cierto, el amor por los paisajes no duró mucho, tiempo extraordinario, el maestro empezó a dar preferencia a otro género, a saber, retrato.
La gente empezó a atraer al artista, con su rico y complejo mundo interior. Entre las primeras obras del artista, "Retrato de un hombre con un vestido con mangas azules", que representa a uno de los mejores amigos del artista, el poeta Ludovico Ariosto, apoyado en el parapeto con las iniciales "TV", se destaca como una habilidad especial. Cierto, hay una versión de que el propio Tiziano está representado en la imagen, que ahora se almacena en la National Gallery de Londres. La pregunta sigue siendo controvertida, pero no fundamental, dado que lo principal en esta obra no es su objeto, sino la forma de escribir de la joven artista y la habilidad con la que fue interpretada. El elegante color de la imagen, la ligereza de los trazos, la composición simple y armoniosa, la tela bellamente pintada de la ropa de un hombre, mirando al espectador un poco desde arriba, todo esto caracteriza el talento ya sobresaliente de Tiziano.
Tiempo extraordinario, La obra de Tiziano comenzó a llenarse de una narrativa cada vez mayor, dinámica, tensión y drama. La naturaleza en ellos ya no era silenciosa y estática, estaba lleno de vida, y la gente en su contexto se llenó de sentimientos y movimientos. Por ejemplo, en la pintura Tres edades de los hombres (1512, Galería Nacional de Escocia, Edimburgo), se muestra el paso del tiempo y la brevedad de la era humana. La trama de la imagen, desplegándose con el telón de fondo de un paisaje soleado, debe leerse de derecha a izquierda. Dos bebés, durmiendo en un dulce sueño en primer plano a la derecha, representan el sereno comienzo de la vida cuando una persona aún no sabe qué alegrías y tristezas le esperan en el futuro. El angelito guarda la paz y la seguridad de los niños, alrededor del cual la hierba joven apenas se abre paso. En la parte izquierda de la composición, en primer plano, bajo una espesa copa de árbol, es una joven pareja enamorada. Esta parte de la imagen representa la mitad de la vida cuando somos jóvenes, lleno de fuerza, deseos, salud y energía. Y al fondo se sienta un anciano con dos calaveras en sus manos. Las calaveras simbolizan la inevitabilidad de la muerte que espera a cada persona cuando su vida llega a su fin. La cabeza del anciano se baja al pecho, expresando la tristeza y la desesperanza de la vejez. El significado de la imagen es simple:todos nacemos para morir más tarde. Este tema entusiasmó a Tiziano a lo largo de su obra, reflejándose en otros lienzos, por ejemplo, "Alegoría del tiempo y la mente, ”Que consideraremos más adelante.
La pintura "Country Concert" (hacia 1510, el Louvre, París) también pertenece al período inicial de la creatividad del artista, en el que Tiziano logró transmitir una fusión sorprendentemente armoniosa del hombre con la naturaleza en una hermosa y tranquila velada. Aquí, frente a nosotros, hay dos jóvenes con hermosas ropas de color verde pálido y brillante, colores rojo-naranja. Uno de ellos es músico, está a punto de tocar las cuerdas de su laúd, el otro es un aldeano, está dispuesto a escuchar con atención. En primer plano hay una mujer desnuda, en sus manos una flauta, lo más probable es que sea Muse. Ella está de espaldas al espectador y mira con atención al músico. En el lado izquierdo de la composición hay otra virgen desnuda, en sus manos hay una vasija con agua, simbolizando la idea de purificar todos los seres vivos a través de la comunicación con el arte. La desnudez de las doncellas en el contexto de la naturaleza se ve muy armoniosa y es una alegoría importante de la expresión de sentimientos castos.
La composición se completa con el fondo, devolviéndonos de esta atmósfera asombrosa y poética a la prosa de la vida, de la que es imposible esconderse de ningún lado. El pastor, vagando con su rebaño bajo las densas copas de los árboles, se convirtió en la personificación de la tierra en la imagen. En las profundidades de la imagen se pueden ver los techos de sencillas casas campesinas, las personas que viven en ellos ni siquiera sospechan la existencia de este rincón celestial de la naturaleza. Cuando miras la foto, tienes la sensación de que aunque el héroe no ha tenido tiempo de empezar a tocar el laúd, los encantadores sonidos de la música ya han logrado llenar todo el espacio. Inicialmente, esta pintura se atribuyó al pincel de Giorgione, ya que influye muy fuertemente en sus métodos:la imagen de un mundo ideal lleno de sueños e ilusiones, existiendo fuera del tiempo y del espacio real.
El tema de contrastar lo sublime y lo terrenal se reflejó en otra obra de Tiziano, pertenecientes al mismo período. En la pintura "Concierto interrumpido" (hacia 1510, Palazzo Pitti, Florencia), vemos a un joven monje tocando con entusiasmo una espineta. Detrás de él hay un anciano que intenta detener el juego del joven tocándole el hombro. El monje abandona a regañadientes su ocupación:sus delgados dedos continúan revoloteando sobre las teclas, aunque ya tiene la cabeza vuelta hacia un lado. El rostro del camarada mayor es severo, la razón es el joven parado a la izquierda, con ropa de patricio de mirada soberbia y vacía, pasó por delante de los músicos, con una sonrisa irónica fija en sus labios.
La idea principal del cuadro es que el sublime mundo del arte, armonía, la belleza y el amor siempre pueden ser destruidos por la cruda realidad que irrumpe de la manera más inesperada. Entonces en la imagen la indiferencia del patricio, lejos del mundo de la musica, y, De hecho, indiferente a eso, hace que un hombre con un laúd en las manos detenga a su fascinado compañero, para no desperdiciar fuerzas e inspiración en una persona que no es capaz de apreciarlo.
Quizás la trama de la pintura estuvo influenciada por las obras del filósofo Platón, publicado en ese momento en Venecia, quien en sus "Leyes" expresó la idea de que:"el arte más bello es el que sólo es percibido por los elegidos".
Una de las primeras pinturas bíblicas de Tiziano es una pintura titulada "No me toques" (hacia 1512, Galería Nacional, Londres). En el corazón del lienzo hay un episodio del Evangelio en el que Jesucristo se aparece a María Magdalena, y ella, para asegurarse de que Él está realmente vivo y no un sueño, se acerca a Él. Pero Jesús, tímidamente, cubrió su desnudez con un sudario, él dice:"No me toques, porque todavía no he subido a mi Padre. "El fondo de la trama es el paisaje:un árbol alto representado en el centro del lienzo, las casas se elevan a la derecha en la colina, y el mar se ve a lo lejos. Las figuras de María y Cristo en primer plano literalmente brillan, colores magistralmente seleccionados en dorado, Los tonos marrones y ocres durante mucho tiempo hicieron pensar a los historiadores del arte que la pintura pertenece al pincel de Giorgione.
Amor y envidia de los que están en el poder.
Tiziano, desde temprana edad tratados con amabilidad por los poderosos, Se le ofreció muchas veces dejar su querida Venecia y establecerse bajo el ala de uno u otro mecenas. Pero al artista le gustaba demasiado esta ciudad y esperaba construir aquí su vida y su carrera. Por lo tanto, habiendo logrado algún reconocimiento, el pintor escribió una carta de apelación a los gobernantes de la ciudad, en el que propuso emprender el trabajo más difícil de programar la sala del Gran Consejo. Junto con esto, pidió considerar su candidatura para el puesto vacante de intermediario de suministro de sal en el Complejo Alemán en ese momento. A primera vista, esto es extraño, pero esta posición administrativa en Venecia estaba ocupada, como una regla, por artistas. Esto se debió a los detalles de su trabajo, requiriendo conocimiento de minerales, ya sea sal o pintura. La posición de intermediario era un bocado para cualquier artista de la época. Ella le dio el derecho a recibir un salario anual y el título honorífico de pintora oficial de la República de San Marcos. Y esto, Sucesivamente, proporcionó trabajo al artista:automáticamente recibió la mayor parte de la orden estatal, incluidos los retratos de todos los nuevos dogos para el salón del Gran Consejo. Además, la tesorería pagó muchos de los gastos del artista:alquiler de un taller, compra de lienzos y pinturas, así como algunas otras necesidades.
Y entonces, en 1513, Tiziano tuvo una suerte increíble:el Consejo de Gobierno aceptó su propuesta. El feliz artista comenzó a instalarse en un nuevo lugar. Muchos estudiantes vinieron a su taller, jóvenes artistas soñaban con trabajar con un maestro tan reconocido y famoso, los pintores más maduros envidiaban su posición ventajosa y honorable. Pero, Desafortunadamente, La alegría de Tiziano no duró mucho. Otro venerable artista, Giovanni Bellini, en cuyo taller trabajaba el joven Tiziano, estaba indignado por este nombramiento, y se dirigió a su patrón, uno de los influyentes dogos venecianos, con una solicitud para impugnar la decisión del Consejo. Como resultado, estalló un escándalo, y la decisión de nombrar a Tiziano se revirtió rápidamente. Esto también fue facilitado por un cambio en la composición del Gran Consejo, lo que sucedió en el momento equivocado para el joven artista. Tiziano estaba furioso, pero no abandonó sus ambiciosos planes. El resultado de su lucha fue su nuevo nombramiento al cargo de intermediario de la sal, que tuvo lugar solo cuatro años después, en 1517.
Tiziano expresó parcialmente su enojo con los que están en el poder en su obra The Caesar’s Dinarium, creado en 1516 (ahora la pintura se encuentra en la Galería de Arte de Dresde). El lienzo está pintado con una paleta inusualmente rica y rica, gracias a lo cual la imagen parece muy gofrada. La composición de la imagen es simple y expresiva. Dos figuras, se muestra a la altura de la cintura, parecen chocar en el lienzo. Estos son dos opuestos:las virtudes a la imagen de Cristo de pie en el centro y la codicia a la imagen del fariseo, como si invadiera la imagen de la derecha. El hipócrita extiende el denario a Cristo, toda su apariencia provocativa y desagradable. Cristo, de lo contrario, es una encarnación de la pureza y la sinceridad, su figura sobre un fondo oscuro, como si fuera, ilumina todo el lienzo. Él mira con calma al fariseo, en sus ojos confianza y una pregunta tonta:"¿Por qué me estás tentando?" El significado de la imagen es simple y comprensible:el Señor conoce todos nuestros pensamientos, porque él es el que todo lo ve, y su respuesta es simple, pero profundo:"Da a César lo que es de César, sino Dios el Dios ". Tomando la trama bíblica tradicional, el artista refleja en él sus pensamientos más íntimos sobre el bien y el mal. El color general de la imagen es alarmante. Brillante, como si estuviera lleno de luz, las vestiduras de Cristo, unido a su impecable rostro iluminado, marcadamente contrasta con los tonos marrones-dorados que representan al fariseo, encarnando todo el mal y la injusticia del mundo. Su apariencia es colorida:una nariz áspera con una joroba, una frente alta, un pendiente en la oreja, piel bronceada, una mano nervuda sostiene una moneda. No es casualidad que dos figuras, uno de los cuales representa la bondad y la nobleza, y el otro - toda la bajeza y mezquindad de la que una persona es capaz, ocupar un espacio tan diferente en el lienzo. No es casualidad que Tiziano corte la figura del fariseo, lo presiona hasta el borde de la imagen, mostrando así su actitud ante la cuestión de la lucha entre el bien y el mal, su creencia sin fin de que el principio divino almacenado en cada persona puede vencer todos los vicios del mundo.
Busca la felicidad personal
La vida personal del artista no funcionó de inmediato. Durante mucho tiempo no pudo encontrar a su amada de su agrado. Por primera vez, Tiziano visitó la idea del matrimonio cuando conoció a la hija de su amigo, una niña muy joven llamada Violana. Desafortunadamente, no había evidencia de que su amor fuera mutuo, pero a juzgar por el hecho de que Violana visitaba con frecuencia el estudio del artista y posaba para él para varias obras, Tiziano no le fue indiferente. Cierto, a pesar de esto, el matrimonio no tuvo lugar. Los biógrafos de Tiziano solo pueden especular sobre las razones de este resultado, pero lo más probable los padres de la niña se opusieron a la unión.
El artista inmortalizó su amor y pasión por Violanta en el cuadro Flora, escrito alrededor de 1515 (ahora la obra pertenece a la Galería de los Uffizi en Florencia). Este trabajo se convirtió en una verdadera obra maestra del joven Tiziano. La imagen está saturada de sensualidad y admiración por la belleza femenina. Una hermosa niña de cabello dorado sostiene en su mano derecha un ramo de las primeras flores de primavera, con la otra mano sostiene una capa que se desliza de su hombro, casi exponiendo todo su pecho. La imagen de Violana apareció más tarde en muchas obras del maestro ("Amor celestial y amor terrenal", "Solomei", "Mujer joven con un espejo", “Violana” y otros), como encarnación de la verdadera belleza y feminidad. Pero Flora se convirtió en la más famosa de ellas, el lienzo fue copiado y copiado por otros artistas muchas veces.
La segunda obra significativa del artista, escrito en el mismo período de tiempo, era "Amor celestial y amor terrenal" (circa 1515, Galería Borghese, Roma). La inspiración ideológica de la imagen fue "Azolan Nymphs" de Bembo y la novela "Love Battles in Polyphilus Dreams", que se discutieron activamente en los salones venecianos. Las raíces de ambos se encuentran en la mitología romana, en el que dos Venus personificaron la unidad de los opuestos:sentimientos platónicos sublimes y deseos y pasiones carnales.
El lienzo está pintado en colores sorprendentemente brillantes y claros que transmiten una percepción alegre de la vida y del mundo que lo rodea. está lleno de alegorías y símbolos, ya que fue creado por orden de una persona que está bien versada en el arte. En primer plano de la imagen están las figuras de dos hermosas mujeres que están sentadas cerca de la fuente. A la izquierda está la hermosa Violana en la imagen del Amor terrenal. Su vestido fue interceptado por un cinturón con hebilla de metal, que representa el símbolo del matrimonio, su emblema es una corona de ramas de mirto en su cabeza. El amor celestial en la parte derecha de la imagen sostiene solemnemente una lámpara encendida en su mano levantada, como bendiciendo el amor terrenal por la reciprocidad. Es difícil no darse cuenta de que a pesar de que las dos mujeres del lienzo son, como si fuera, opuestos entre sí, de hecho, están en la misma cara. La diferencia está solo en los atuendos de las heroínas. El amor celestial está desnudo, solo un trozo de tela blanca cubre sus caderas:este es un símbolo de su pureza e inocencia, su capa roja contrasta marcadamente con los colores modestos y sobrios de la ropa de Earthly Love.
Como en cualquier lienzo de esa época, el fondo desempeñaba un papel no menos importante en el significado simbólico de la imagen que sus personajes principales. El paisaje sensual y al mismo tiempo inusualmente claro está dividido en dos partes por un árbol poderoso. En la mitad "terrenal" de la imagen se representa una casa rica y un jinete acercándose a ella, que obviamente una esposa amorosa y fiel está esperando fuera de la puerta. Liebres dejar atrás la figura del amor terrenal significa fecundidad. El paisaje en el lado derecho de la imagen incluye un campanario de iglesia en medio de cadenas montañosas, un lago y un rebaño de ovejas con un pastor que los cuida. Cupido en el centro del lienzo está ocupado agarrando los pétalos de rosa caídos del agua.
En esta composición inusualmente armoniosa, el maestro de una manera muy elegante trata de resolver por sí mismo el dilema actual y ético sobre la relación entre el sentimiento exaltado y la pasión carnal. La obra lírica está llena de muchos detalles muy realistas que caracterizan el estilo de Tiziano del autor actual, así como su rica paleta. El cliente del lienzo, un funcionario enamorado del Gran Consejo, estaba muy contento con la pintura, sin siquiera sospechar que se convertiría en una gran obra maestra de la pintura mundial.
Al mismo tiempo, se pintó el cuadro "Madonna con cerezas" (1515, Museo Kunsthistorisches, Viena). El lienzo se distingue por el brillo de la solución colorista y el detalle exacto de todas las figuras y objetos, cuales, indudablemente, habla del gran talento y destreza de su autor.
En cuanto a la historia del amor incumplido de Tiziano y la joven Violana, ella, habiendo encontrado la oposición de otros y familiares, por sí solo se fue a la nada. El maestro regresó a casa, sin siquiera sospechar que era allí donde le esperaba el destino. El hermano mayor del artista trajo a una nueva ama de llaves a su casa:una niña sencilla, Chechilia. Con ella, la casa del artista estaba llena de limpieza y comodidad, su hogar cobró vida, la cocina estaba llena de deliciosos aromas. Tiziano quedó impresionado por la sencillez, espontaneidad, modestia y nobleza de Chechilia. Pero entonces aún no sabía que sería ella quien se convertiría en su compañera de por vida, una fiel amiga y madre de tres hijos.
El pintor oficial de la República de San Marcos.
En 1517, Tiziano, finalmente aprobado como artista oficial de la República de San Marcos, trabajó para crear la imagen del altar de la Ascensión de María (1516-1518, Iglesia de Santa Maria Gloriosa dei Frari en Venecia). El día de la inauguración la iglesia estaba llena de invitados eminentes y gente común. Cuando se quitó solemnemente la cubierta del altar, los presentes literalmente jadearon por la luz cegadora que exudaba. La intensidad emocional alcanzó su punto máximo expresado en gritos de deleite e indignación, un efecto tan impresionante produjo una nueva creación del artista. Se convirtió en un nuevo hito en la historia de la pintura veneciana y mundial, en el que será difícil encontrar una obra que se distinga por el mismo poderoso impacto emocional. El arte de los entonces famosos Bellini y Carpaccio nunca alcanzó tales alturas, y la pintura del mundo en ese momento no tenía otros ejemplos de una imagen tan grande y monumental.
La composición de la obra se divide en tres partes. En la parte inferior hay figuras de tres metros de los once apóstoles, escoltando a la virgen, ascendiendo al cielo. El maestro transmitió perfectamente sus emociones a través de tensiones, expresiones agitadas de sus rostros. Los apóstoles son ejecutados de manera tan realista que al espectador le parece que ahora escuchará sus desesperados gemidos y exclamaciones. En el centro del fresco se representa la majestuosa figura de la Madre de Dios, despidiéndose de este mundo y escoltado por ángeles a Dios. La expresión de su rostro es tranquila, en su mirada hay paz y sereno gozo por el próximo encuentro con nuestro Padre Celestial. Y finalmente, en la parte superior de la composición se representa al Señor, esperando a la virgen María con dos ángeles. Desafortunadamente, la imagen no se conservó. El tiempo la influyó mucho los colores se desvanecieron y llovieron, además, por muchos motivos, un lienzo enorme se transportaba constantemente de un lugar a otro, que tampoco podía dejar de afectar su seguridad. Sin embargo, No hay duda de que con esta obra maestra Tiziano demostró a sus compatriotas cuán merecidamente recibió su posición como el principal artista de la República de San Marcos.
Las obras maestras del artista nacieron una tras otra. En 1520, se pintó el magnífico "Retrato de un hombre con guantes" (el Louvre, París), que representa a un representante típico de la intelectualidad de esa época, que era cercano en espíritu al mismo Tiziano. El hombre representado está inmerso en sus propios pensamientos, es soñador y pensativo, en sus manos hay guantes, pero parece haberse olvidado de ellos. A pesar del aparente desapego, su rostro se expresa claramente en posición activa frente a la vida. Da la impresión de ser una persona muy autosuficiente, seguro de sí mismo y conocedor de la vida. En esta imagen, Tiziano presentó a cierto héroe de su tiempo, el que tanto le gustaría conocer en la sociedad veneciana:un culto, delgada, hombre inteligente y profundo que conservaba la dignidad y la nobleza espiritual, a pesar de un momento muy difícil, cuando la mentira reina en todas partes, hipocresía e ira.
Además de los retratos y la pintura religiosa, de 1520 a 1523, Tiziano crea varias pinturas con una trama mitológica. La mitología y la alegoría eran el patín indiscutible del maestro, sin embargo, después de la creación de las pinturas "Baco y Ariadna" y "Bacanales en la isla de Andros", el artista durante mucho tiempo se desvió de las tramas mitológicas. Los biógrafos de Tiziano atribuyen esto al hecho de que el pintor participó activamente en la vida de la sociedad, cuyos problemas le preocupaban constantemente. La alegría ciega y la diversión desenfrenada de los héroes mitológicos se alejaban demasiado de la realidad que rodeaba al artista con sus vicios y problemas.
La trama del cuadro "Baco y Ariadna" (1520-1523, Galería Nacional, Londres) nos muestra el regreso victorioso de Baco (en la antigua mitología griega de Dioniso) desde la India a la isla de Naxos, donde Ariadna anhela sola. El carro de Baco, enjaezado por dos leopardos, ya está tranquilamente de pie en la orilla, y el dios mismo salta rápidamente de ella a su amada Ariadna. La escolta adecuada de Baco es una divertida compañía de sátiros y bacanales. Corren tras el líder OMS, habiendo levantado una pierna de ternera por encima de su cabeza, y que están tratando de escapar de la queja de una boa constrictor. Debajo, un pequeño sátiro, Todavía un niño, arrastra la cabeza de un ternero, sobre el que ladra el perro, en el piso. El niño mira al espectador con una mirada traviesa con una sonrisa maliciosa, como si esperara una respuesta del público a su empresa.
La capa púrpura del Baco desnudo se agita en el viento, toda su figura es inusualmente dinámica, refleja su impaciencia. La figura de Ariadna, de lo contrario, se aleja del espectador, como si estuviera cerrado a él. Parece que Baco, con su rapidez, la asusta. Ariana, conmocionado por todo lo que pasa, se esconde detrás de su mano, sin saber qué hacer a continuación. El telón de fondo de la acción es un paisaje que representa árboles poderosos, un pueblo lejano, montañas en el horizonte y el mar.
El segundo cuadro mitológico de este período fue "Bacanal en la isla de Andros" (1523, Museo del Prado, Madrid). El lienzo representa una orgía de los habitantes de la isla, sus numerosos cuerpos llenan casi todo el espacio de la imagen. Aquí, hombres y mujeres que beben, Diviértete y comete atrocidades. Al fondo, a la derecha de la colina, yacía una Selen borracha y desnuda, en la parte frontal derecha del lienzo se representa a una chica desnuda, Ella ya bebió bastante vino y se durmió aquí mismo, sobre una manta blanca, aparentemente olvidando su desnudez. En el centro, junto al dormido, un niño pequeño está haciendo sus necesidades.
Al final de este año, el artista se enteró de la triste noticia:un talentoso pintor italiano, un representante de la escuela clásica veneciana Vittore Carpaccio, murió. Fue a él a quien Tiziano dedicó su nueva pintura, “La posición en el sepulcro” (1523, Museo Louvre, París).
La composición de la imagen es rica, realizado en tonos rojo-naranja y negro, transmitiendo drama y ansiedad de una trama dinámica. Casi no hay antecedentes, solo un cielo gris y un oscuro, bosque casi negro en la esquina derecha. A la izquierda están las figuras tristes de la Madre de Dios y María Magdalena consolándola, que la sostiene por los hombros. Ambos miran con horror cómo los tres discípulos llevan el cuerpo sin vida de Cristo para ser enterrado en una tumba. El primer plano de la imagen está lleno de un resplandor que emana del cuerpo de Cristo, como si brillara desde dentro. Parece brillar desde el interior llenando el primer plano del lienzo con resplandor. La imagen se basa en una combinación de colores rojo y negro, transmitiendo un episodio dramático de alarmante y dinámico.
Los retratos de dogos para la sala del Gran Consejo ocuparon una gran parte de la obra de Tiziano como artista de la corte, pero, Desafortunadamente, casi todos fueron quemados durante numerosos incendios. Un lugar de honor en la galería de retratos conservados de la corte pertenecientes al pincel de Tiziano lo ocupa el "Retrato de Federico II Gonzaga" (hacia 1525-1529, Museo del Prado, Madrid), en el que el dogo es capturado con su amado perro faldero. Gonzaga está representado casi en toda su altura. Su ropa azul oscuro decorado con adornos asombrosos, dale a la imagen un lujo y cierta solemnidad. El rostro de un dux con delicados rasgos aristocráticos y una barba bien cuidada está llena de autoestima. Mira al espectador con una mirada distante. Los dedos elegantes y bien cuidados de Gonzag acarician al perro, que se aprieta contra el dueño con todo su cuerpo.
Serie de pérdidas
En el apogeo de su reconocimiento público y relevancia, el artista sufrió una tragedia personal. Durante el nacimiento de su segundo hijo con Tiziano, Cecilia de repente comenzó a sangrar mucho. Esta noticia conmocionó mucho al pintor y, temiendo lo peor, decidió casarse de inmediato. Tiziano invitó a los mejores médicos a Cecilia, con cuyos esfuerzos finalmente mejoró, but the artist did not change his mind about getting married. This news quickly spread all over Venice, because Titian was a very famous artist and public figure. Sin embargo, he and Cecilia arranged a very modest wedding ceremony at home in the circle of only the closest and dearest people.
It was in 1525, Titian stayed with his family for a little while, and when Cecilia became strong enough, he went back to Venice, where he was awaited by numerous unfinished orders.
In 1530, Titian embarked on a new religious-themed canvas, Dinner at Emmaus (Louvre, Paris). The traditional gospel storyline depicts the risen Christ sitting at a table covered with a snow-white tablecloth. On both sides of him are his students, next to the owner of the institution and the waiter, watching this wonderful phenomenon. Christ blesses the served dishes with a gesture of his hands. The whole composition is very light, lyrical, sustained in bright and gentle colors, it is written with light free strokes.
Time flies quickly, and the constantly busy Titian is again informed about the grave condition of his wife. The artist throws everything and rushes home. He barely manages to catch Chechilia, which has changed beyond recognition. After the birth of their third child, a daughter named Lavinia, the poor woman again experienced severe bleeding. Despite all the efforts of the doctors, after a sleepless night that Titian spent at his wife’s bedside, she died on August 5, 1530.
The artist unusually hard suffered this loss. According to the descriptions of his contemporaries, he lived like in a dream, continued to do something, met with people, but as if he had not seen and heard no one. All of Titian’s thoughts were occupied by his beloved Cecilia, who for many years was his faithful friend, devoted wife and loving mother of their children. Only after he lost her did the artist realize how much light this woman, who was so noble and modest, brought to his life. Cecilia filled his house with warmth and comfort, she surrounded Titian with endless care, so that nothing would stop him from creating his masterpieces. Una vez, the artist wandered around his house, thinking about his irreparable loss, when he stumbled upon an unfinished canvas, which the customer had long been waiting for. It was the Madonna and the Rabbit (circa 1530, Louvre Museum, Paris). Titian’s eyes filled with tears – Cecilia looked at him from the picture, embodied in the image of a woman standing to the left of the Virgin Mary.
Time passed, the children grew up. The two sons of Titian were complete opposites of each other:the eldest Pomponio was selfish and lazy, and the younger Orazio, de lo contrario, was calm and complaisant. Little Lavinia was very similar to her mother. Titian every day more and more clearly understood that he had more oppression to be in the house, where every corner reminds him of his dead wife. But the artist was also tired of Venice, he did not want to return there. The painter for a long time was looking for a new home in a quiet secluded corner. Y entonces, on September 1, 1531 he succeeded – he rented a two-story house with a wide terrace and a mezzanine on the outskirts of Biri Grande.
In 1532, Titian embarks on his first full-length portrait. This is a “Portrait of Emperor Charles V with a Dog” (Prado Museum, Madrid).
Hours of posing helped to establish a very friendly relationship between the artist and the emperor. The emperor sincerely told Titian about his life and about himself. Charles V was a man infinitely tired of power, whose life was filled with soulless formality and formalities. That is why the painter portrayed the emperor in simple clothes, and not in a luxurious full dress, thereby emphasizing that his hero, en primer lugar, es un hombre. The only faithful creature in his life was the dog pictured next to him. According to eyewitnesses, Charles V was very pleased with the painting and admired the skill of the artist. Filled with emotion, the emperor parted tightly hugged the painter. The retinue of Charles V, who was present at all this subsequently overwhelmed the artist with orders, providing him with work for a long time.
Siguiendo esto, Titian overtook another loss – his mother died. This event plunged him into an even deeper depression. Only the joyful laughter of the children in his new home helped the master stay and live on. Y todavía, for several years the artist lived like a recluse, without leaving his workshop for days. He worked extremely hard, and devoted his free hours to talking with children.
Pinnacles of excellence
After the loss of Cecilia in the house of Titian, his sister Orsa began to farm, she also was engaged in raising children. Time passed, and once Orsa noticed that every evening a gondola floated to the painter’s house, in which a young woman sat, always trying to go unnoticed. She quickly climbed the outer staircase directly to the artist’s workshop, located on the second floor. Por supuesto, it never occurred to anyone to reproach the painter, de lo contrario, the relatives hoped that the appearance of a new lover would somehow brighten up the solitude of Titian and help him regain the joy of life. The result of this hobby was such work, depicting a beautiful stranger, such as “Portrait of a young woman in a hat with a feather”, “Girl in a fur cape”, as well as the magnificent “Venus Urbinskaya”.
“Girl in a Fur Cape”, written in 1535 (Kunsthistorisches Museum, Vienna) was a commissioned work and is an allegory of marriage. A young girl is depicted on the canvas playfully covering one breast with a fur cape, while her second breast remains naked. The girl’s timid look and delicate blush on her cheeks only emphasizes the erotic meaning of the picture, which consists in contrasting female flesh and fluffy fur. A similar composition is in the painting “Portrait of a Young Woman in a Hat with a Feather” (1536, State Hermitage Museum, St. Petersburg), where the model also has her right shoulder, chest and arm. Under the trimmed fur cloak you can see a translucent white shirt. A hat with feathers decorated with stones is on the girl’s head. In both paintings, the artist does not hide his admiration, on the verge of frank lust, the beauty of a young female body. The heroine’s snow-white skin, written in light, weightless strokes, contrasts sharply with the rich dark background, thanks to which her image seems even more delicate and fragile.
And in 1538, by order of the governor of Venice, Guidobaldo della Rovere, who will later be Titian’s regular customer, the painting “Venus Urbinskaya” (Uffizi Art Gallery, Florence) was painted. This picture was the wedding gift of the duke to the future wife. The golden-haired Venus, lying in a graceful pose on snow-white sheets, is full of bliss, in her right hand is a rosehip branch. Her gaze is calm and sure, she is not shy of her nakedness. A beautiful body is written so thinly and lightly that it seems as if a glow emanates from it. At the feet of Venus, instead of the traditional cupids, a small dog sits and sleeps. In the background of the painting is a room bathed in the bright light of a sunny morning. On the window of Venus is a pot of myrtle, representing marriage and fidelity. Two handmaids scurry around her chest, picking outfit for the morning toilet of the hostess. Oddly enough, Venus Titian is not at all a celestial, but a very real earthly woman, who appears before us in frankly naked beauty.
If we follow the approximate chronology, luego, from the works known to us, there is the canvas “Crowning with a Crown of Thorns”. This painting exists in two versions:one of them is stored in the Louvre (1542), and the other in the Old Pinakothek of Munich (1572-1576). The composition of the two paintings is very similar. In the center of the canvas is the figure of the tortured Christ, surrounded by five tormentors and three steps leading to the place of public scourging. The difference is only in the background. At an early work, a brutal scene of mockery of Jesus takes place against a backdrop of a brightly lit stone arch above which stands a bust of the emperor Tiberius. In a later picture, only a lighted chandelier is visible at the top of the canvas. In both cases, Christ humbly endures bullying and pain from people who vehemently attacked him with spears. Después de todo, He has already forgiven them, and this gives His image true majesty.
In 1545, Titian creates another outstanding portrait of the Doge of Venice, “Portrait of the Doge Andrea Gritti” (National Art Gallery, Washington). It depicts a ruler with a stern gaze of cruel eyes, betraying his merciless and oppressive character. Deep red clothing once again emphasizes his charisma and desire for leadership. On the doge there is a cloak from an expensive, as if luminous fabric of brown-golden tones and the same headdress.
The closed and uncommunicative Titian had very few close friends. One of them was the poet and writer Pietro Lretino. These were two very different people:Lretino was very cheerful, cariñoso, loved luxury, feasts and festivities, talkative and self-confident, he had great connections. Titian liked optimism, cordiality, charisma and the fact that the poet was very well versed in art and literature. Titian even became the godfather of one of the daughters of Loretino. In 1545 he painted his portrait. In the painting “Portrait of Pietro Lretino” (Palazzo Pitti, Florence), almost the entire space of the canvas is occupied by the figure of the poet. The canvas is written using numerous variations of red and golden colors, they will fill it with energy and power of spirit, revealing the character of the hero. There is evidence that Lretino was dissatisfied with the work, en particular, he did not like that the golden chain (received as a gift from King Francis I) was almost invisible on his chest and glistened too dimly. Cierto, this could be a joke of the poet, misinterpreted by an eyewitness.
En el mismo año, in 1545, Titian writes "Portrait of a Young Man" (Palazzo Pitti, Florence). A handsome man with a hypnotic and bewitching look of greenish eyes looks at the viewer from the canvas. For a long time it was believed that the picture depicts the English Duke of Howard, so the painting was called "Portrait of a Young Englishman." But in 1928, the art critic Venturi put forward his own version, supported by convincing evidence. He believed that the man on canvas was Ippolito Riminaldi, un abogado, another friend of Titian, whom he loved to meet during his trips to Ferrara. As for the composition of the canvas, it is extremely simple:before us is a young man in a strict black camisole, white lace cuffs peeking out from under his collar and sleeves. His left hand lies on his hip, and in his right he holds gloves.The overall color of the canvas is very restrained, it is built on a combination of two primary colors:black and gray. Only white spots of cuffs and brown gloves dilute them. It is amazing how accurately and subtly his face is written out with thoughtful, clever eyes. In all its appearance, nobility shines through.
In 1548, Titian painted another portrait of Charles V. The emperor confessed to the artist, with whom he became close even earlier that he was tired of the sight of blood being shed and that he lived only waiting for the upcoming meeting with his unforgettable wife. Full of sincere compassion, Titian conveyed his feelings in “Portrait of Charles V in an Armchair” (Old Pinakothek, Munich). Here the emperor is depicted sitting in an armchair against the backdrop of a deserted dull landscape, from which he still blows with cold and longing. Charles V sits in an armchair, dressed in all black, as if forgetting to take off one glove. The red floor contrasts sharply with the colors of his clothes and headgear. The emperor is very sad, thoughtful and lonely.
Perfection of style
The last fifteen years of the artist’s life, when he had already exchanged the eighth dozen, is usually called the late period of his work. This is the time when Titian again turns to his favorite mythological theme, which he always interpreted in his individual spirit.
The painting “Venus and Adonis” (Prado Museum, Madrid) dates back to 1533, the plot of which shows us a scene of parting. Venus tries to keep her beloved, absorbed in the thirst for hunting and not listening to her warnings about impending danger. Trying to keep Adonis, with the force breaking out of her arms, Venus accidentally knocks over a vase with her foot. In the background of the picture, under the thick crown of a tree, Cupid sleeps quietly, designed to protect their love. The dynamic and exciting character of the plot contrasts sharply with the landscape around, filled with calm and pacification, nothing that portends trouble in it. In this hunt, where Adonis died, Titian sees a metaphor for human life:people are always looking for something, they want more, they are ready to risk their health and life, go against fate, even forgetting about God, who will inevitably punish them for this. The picture was an unprecedented success with the public. The artist had to make about twenty copies of the canvas with various variations of similar plots.
The second incredibly popular painting by Titian, which he had to copy many times, was Venus with a Mirror, painted around 1555 (National Gallery, Washington). She has a fair-haired Venus covering her breasts with her left hand, she hides her knees under her bright blanket with her right hand. Two chubby cupids hold mirrors in front of her. The goddess’s cheeks burn with a charming blush that symbolizes blooming youth and beauty. The masterpiece was in Russia, but in 1931, by order of the government of the USSR and regardless of the opinion of the directorate of the State Hermitage, it was sold to a private person. Más tarde, the picture was in the National Gallery of Washington.
Another masterpiece of the late period of Titian’s work is the painting “The Abduction of Europe” (1559-1562, the Isabella Stewart-Gardner Museum, Boston), the plot of which reproduces one of the episodes of Ovid’s Metamorphosis. Technically, the picture was done freely and boldly, this distinguished the last works of the master, written in wide, careless strokes. If you look at the picture from close up, it is difficult to understand what is painted on it and only from a distance a great masterpiece of Titian is revealed to us. De hecho, these paintings were the forerunners of impressionism, when you look at them, it seems that the whole work is written at one time, fácilmente, naturalmente, on a grand scale.
In the spring of 1559, Titian fell into an unpleasant position. His youngest son, Orazio, went to Milan, where he was supposed to receive from the treasury a very large amount of money belonging to his father. Camino a casa, they attacked the young man, beating him and robbing him. As it turned out later, the robbery was arranged by the sculptor Leone Leoni, who also worked for the royal court. Titian immediately suspected Leone and wrote a letter to Philip II, the text of which reached us:“Leone, who knew about the payment of state benefits and was prompted by devilish instigation, decided to take Orazio’s life in order to appropriate his money… He invited Orazio to his house and offered him to live in his house. My son rejected this offer and this villain, expelled from Spain for Lutheranism and spurred on by an enemy of the Lord God, decided to commit the murder with the help of accomplices.The scoundrels attacked Orazio with swords and daggers in their hands, having previously thrown a net over his head. Not expecting such a betrayal, my poor Orazio fell, having received six serious wounds. If Oratio died, on whom I have all my hopes in impending old age, luego, under the weight of this grief, I swear I would lose my mind. " At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.At the end of the letter, he demanded to punish Leoni with all the severity of the law. The sculptor was arrested, but after he paid the fine, he was released.
Before Titian recovered from this shock, his brother Francesco passed away. The artist’s biographers suggest that in the same period, the beloved daughter of the artist Lavinia died in childbirth. A series of these events hit the master very hard.
In 1550, at the age of seventy-three years, the artist began to write “Self-Portrait” (State Museum of Art, Berlin), completed only eleven years later. En eso, Titian appears before the viewer as not a decrepit and feeble old man, who only has to humbly wait for his death. On the contrary, we see a strong and confident person in front of us. A fur cape is thrown over the broad shoulders of the master, a shirt underneath it, on which a golden chain is clearly visible. The fingers of his hands drum on the table, which characterizes his restless disposition and concentration. It seems that in a moment the artist will cheerfully stand up and with great strides will go to create his next masterpiece. In the narrowed gaze of Titian we see wisdom and a genuine interest in life. Más probable, this self-portrait was created for children, since until the death of the painter was in his house.
Around 1565, Titian received an order for the painting “Penitent Mary Magdalene” (State Hermitage Museum, St. Petersburg). The model for the canvas was a certain Julia Festina, who delighted the master with a shock of long golden hair. The duke of Gonzago really liked the painting, he immediately ordered a copy of the canvas to give it to a certain poetess. The work was such a resounding success that Titian decided to immediately make several copies, changing in each only the position of the heroine’s hands, the tilt of his head and the surrounding landscape background. The biographer of Titian Ridolfi points out six paintings by Titian with the penitent Mary Magdalene. One of the surviving canvas options is kept in Moscow in a private collection. Pero, according to experts, the best of them is the one that is represented in the State Hermitage Museum of St. Petersburg. On her the image of the penitent Mary is the most chaste.Her beautiful body is covered with light translucent clothes and a striped cape, as well as flowing hair scattered over her shoulders and chest. The penitent Magdalen looks at the sky with a look full of remorse, her eyes are full of tears and despair. In the foreground of the picture are Christian symbols – the skull and the revealed Scripture.
In 1565, Titian creates another of his best masterpieces – “Portrait of the Antiquarian Jacopo Strada” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). The painting perfectly conveys the character of the collector depicted in "his element" – around him are old books, monedas on the wall is either a painting, or part of an ancient manuscript. Jacopo shows the invisible interlocutor a figurine made of white marble, his face and the whole pose are filled with energy, inspiration and even excitement. The canvas has an unusually harmonious color. The clothes of the antique dealer and his whole environment are made in warm colors creating an atmosphere of a certain solemnity. This picture was a vivid example of a “different” painting discovered by Titian on his declining years. Más tarde, this direction, with its richness of colors and shades, and unusually skillful transmission of chiaroscuro, will be developed by such artists, like Rembrandt and Caravaggio. But this will be more than 100 years later, y ahora, Titian, already at a very advanced age, having undergone many adversities and personal afflictions, continues to create.
The last years of the master’s life
In recent years, the artist often wrote for the soul. The house of Titian was constantly full – many students, artistas collectors and famous guests came to him in all of Italy and from other countries. Sin embargo, prone to melancholy and meditation, Titian, De hecho, remained lonely. He often recalled his youth and beloved Chechilia, indulged in thoughts of the frailty of being and yearned for all those who had taken his time. The result of these sad arguments and spiritual loneliness was the painting “Allegory of Time and Reason”, written around 1565 (National Gallery, London), which is considered a kind of testament of the master to his descendants. De acuerdo a la tradición, the picture should be read from left to right, es decir, en sentido anti-horario, and from top to bottom. The old in a red cap symbolizes the past, the black-bearded man is the present, and the young man is the future. Animalsthe pictures drawn at the bottom of the picture are also symbolic:the wolf represents the forces of man that selects the past, the lion represents the present, and the dog awakens the future with his bark.
In 1570, Titian creates the painting “The Shepherd and the Nymph” (Kunsthistorisches Museum, Vienna). This light, freely written canvas was no one’s order; the artist created it for himself. The naked nymph lies on the skin of a dead animal, facing its back to the viewer and turning its head slightly. The young virgin is not at all embarrassed by her nudity. Next to her is a shepherd who is about to start playing a musical instrument, although perhaps he just broke off, carried away by the beauty or the words of the heroine. The overall color of the picture is intentionally thickened by the author, this creates a certain secret and understatement in the relations of the main characters, enhanced by the inclusion of brown and ashy dark tones. The background landscape is blurry, there you can see only a piece of a broken tree, as if remaining after a storm. He does not affect lovers, living in their own world of beauty and bliss and noticing anything around. Despite the romantic composition of the picture, the chaos prevailing in the landscape surrounding the characters and the choice of colors, nevertheless tell us that in the artist’s soul there was no joy in harmony. It is as if his own question is visible in the bewildered look of the nymph – what will happen to them next, how to find joy again in the destroyed Universe.
Soon another misfortune happened, the father of Titian died. But the artist could not give up, he continued to create. Thanks to his regular customer, Philip II, Titian was always provided with work. Entonces, around 1570, the master began to create the work “Carrying the Cross” (Prado Museum, Madrid), which took five years to complete. At the heart of the picture is a classic gospel story. According to Scripture, Simon the Cyrene was sent to Christ to help him carry the heavy cross to Calvary. Jesus’ face is full of torment and pain, his right shoulder seems almost transparent. The image of Simon, as if opposed to the image of Christ. On his finger is an expensive ring, emphasizing its difficult origin. Simon’s clean face with a neat, well-groomed beard contrasts sharply with the face of Jesus covered in drops of blood.The whole picture is divided diagonally by the bottom of the cross, which further enhances the overall dissonance.
Religious themes go through all of Titian’s work, but according to the plots of the paintings themselves and the manner in which they are executed, one can trace how the artist’s worldview has changed, his attitude to virtue, vices and the theme of martyrdom. This is perfectly reflected in the canvases dedicated to the great martyr Sebastian.
In the first works, Saint Sebastian appears before us humble and humble, but in the last work of the artist, he is determined and ready to fight to the end. This painting, entitled “St. Sebastian” (State Hermitage Museum, St. Petersburg), was painted around 1570. The background in the picture is blurry, it is impossible to make out anything on it, and only the figure of the hero himself, nailed to a tree, stands out for its purity. His body is punctured by arrows, but his face is not distorted by pain. Pride and calm were in his gaze, his face was slightly raised, and his brows were frowning. It is believed that Titian here depicted himself, not in the literal sense, but allegorically. Por lo tanto, he expressed his attitude to his own fate, to all the betrayals and losses that he, by the end of his life, had learned to endure steadfastly and with dignity.In this work, the artist’s faith is concluded that an individual hero is able to endure any blows of fate, he will survive, even if the whole world around him is turned upside down, he will be able to withstand and not break. The color of the picture seems blurry and monochrome, but hundreds of colors and nuances burn in every centimeter of it. The fate of the picture was such that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.that in 1853, by decree of Emperor Nicholas I, she was placed in the storerooms of the Hermitage, where she lay until 1892. Only after many years did this work take its rightful place in the museum hall.
En el mismo año, Titian wrote another work, with a similar idea. At the heart of the painting “The Punishment of Marcia” (Picture Gallery, Kromeriz). lies the myth of the satire of Marcia, who dared to challenge Apollo to a musical contest. Marsyas played the double flute, and Apollo played the lyre. When the muses could not choose a winner, Apollo offered to compete in vocal skills. Aquí, Martius lost. In punishment for the defeat, Apollo decides to strip his skin, this moment is depicted in the picture.
In the center of the canvas is the figure of Marcia, suspended by her legs from a tree. Around him are heroes who are carried away by the process of the monstrous torture of the satyr. The picture is divided into two parts:to the left of Marcia’s body are people who are fascinated by his killing, she rip off his skin, not hiding her pleasure. On the right side of the canvas are those who are saddened by this brutal murder. These include the elder, OMS, presumably, depicts Titian himself. He sadly observes the death of Marcia and the cruelty of his executioners. The face of the satyr himself retains the dignity of imminent death. Art historians believe that the plots of the latest paintings by Titian characterize his farewell to the ideas of humanism, in which he was disappointed. The world is cruel and nothing in it can save a person, not even art.
Loneliness and despair
The painting “Mourning of Christ” (Gallery del Academy, Venice), painted around 1576, was the last creation of the master. En eso, Titian reflected the question tormenting him:what is there, beyond the limits of life? Two huge sculptures are depicted on both sides of the canvas:the prophet Moses and the prophetess Sibyl, they personify the prophecy of the crucifixion and the subsequent Resurrection of Christ. At the top of the arch on the left side are the branches and leaves of the plant, at the top on the right are small vessels with a blazing fire. In the center of the composition, the Mother of God supports the lifeless body of her murdered Son. To the left of Christ stands Mary Magdalene, her pose is warlike, she as if asks:"What is this for?!" To the right of the virgin Mary, an old man is standing on his knees, supporting the lifeless hand of Jesus. Some believe that the figure of the elder also depicts Titian himself.The general coloring of the canvas is sustained in silver tones with separate intersperses of red, brown and gold. The colors and arrangement of the figures perfectly convey the hopelessness and dramatic nature of the plot. There is a mystery here. In the lower left corner of the work there is a little man with a vase in his hands, art critics are still wondering where he came from and what he was supposed to symbolize.
Mientras tanto, a plague raged in Venice, which infected the youngest son of Titian Orazio. The artist himself courted him, not fearing the contagiousness of the disease. But once, in the last days of August, the painter, being in his bedroom locat
