Edgar Ilère Germain Degas (1834-1917)
Edgar-Germain-Hilaire de Ga o Edgar Degas, como todo el mundo lo conoce, nació en París en una rica familia aristocrática. La infancia del futuro artista se desarrolló en un ambiente de amor y tranquilidad. Desde una temprana edad, Edgar mostró amor y habilidad para dibujar, y a pesar de que su padre quería que fuera abogado, nada pudo impedir que el joven se fuera a estudiar el arte de la pintura. El mentor del joven Degas en la Escuela de Bellas Artes de París fue el entonces famoso artista Lamot. Cierto, después de solo un año de escolaridad, en 1856 Degas abandona inesperadamente París para todos y se va durante casi dos años a vivir a Italia.
Pinturas de Edgar Degas
El motivo formal del viaje fue el deseo de ver a sus parientes paternos. Pero no fueron ellos quienes lo atrajeron a Italia, sino la oportunidad de entrar en contacto con las destacadas obras de arte de los grandes artistas del Renacimiento.
El artista viajó mucho, visitó todos los principales centros culturales del país:Florencia, Roma y Nápoles. En cada ciudad, estudió con gran atención la obra de los grandes pintores del pasado. Los Degas quedaron muy impresionados con los lienzos de Paolo Veronese y Andrea Mantegna, que se convirtió en su ideal.
Los primeros experimentos creativos
Dos años después, el joven artista conoce a Gustave Moreau, quien luego se convirtió para él no solo en un camarada, pero también un mentor. Moreau estudió pintura con pasión, dándole todo su tiempo. Tratando de comprender la esencia de la armonía, estaba apasionadamente interesado en las obras de Tiziano, Leonardo da Vinci, Rafael Caravaggio y Veronese, tratando de sentir su sistema de creación de color. Moreau prefirió realizar sus propias composiciones coloridas en acuarelas o pasteles. El joven Degas quedó tan impresionado por el trabajo de un camarada mayor que también centró su atención en estas técnicas. Cabe señalar que Moreau tuvo una fuerte influencia en el joven artista, pero si Gustave asignó el lugar principal al color, luego Edgar Degas (especialmente al comienzo de su obra) afirmó la primacía del dibujo, asegurándose de que se trataba de un “campo de actividad más fructífero”.
Es en Italia donde el pintor comienza la búsqueda de sus propios medios individuales de expresión artística. Como base de su propio estilo, Degas elige la construcción constructiva de la forma, a través de su interpretación realista. Por lo tanto, Las primeras obras del artista se distinguen por un patrón nítido y preciso.
Muchas de las obras de Degas relacionadas con este período están dotadas de una expresividad especial derivada de la reproducción exacta de la realidad. Esto se muestra claramente en su pintura "Roman Beggar" (1857, Museo de Arte, Birmingham). La imagen de la heroína en este lienzo tiene un aspecto increíblemente realista, e incluso una interpretación dura, mientras que el espacio a su alrededor está representado de forma bastante arbitraria. Una anciana cansada se sienta en el umbral de la casa vieja, Pensativo, y mira a lo lejos con cierta curiosidad. No solo su ropa gastada, pero también objetos aparentemente colocados descuidadamente en el primer plano de la imagen hablan de la difícil vida de la heroína:un trozo de pan y una olla vieja con comida a medio comer con un borde astillado. Degas realizó la construcción compositiva del lienzo según los principios de los viejos maestros, pero como modelo eligió no a una bella dama sofisticada, sino una mujer sencilla cuya imagen no está en absoluto idealizada.
A pesar de que la imagen se caracteriza por una cierta estructura gráfica de la composición, tiene un modelado de color sutil y una elaboración tonal verificada de la manera más precisa. De hecho, con solo cuatro colores, el artista logró crear un tipo de mendigo italiano sorprendentemente armonioso y expresivo.
Se presta mucha atención en el trabajo al adorno, como si "revitalizara" todo el espacio circundante. En esta pintura, Degas logró resolver muy hábilmente el problema artístico fundamental que preocupó al pintor durante sus estudios en la clase de Louis Lamot:la proporción de la figura del héroe y el espacio circundante.
En la primavera de 1859, Edgar Degas regresó a París. Habiendo vivido un poco en la casa de los padres, el artista se traslada a un gran taller ubicado en el noveno distrito de la Rue de Laval. Allí comienza a crear, volviendo en primer lugar a un tema histórico. Degas está tratando de darle una nueva interpretación, no es característico de las primeras obras de este género.
Un ejemplo es el cuadro "Jóvenes espartanos llamando a los espartanos a competir" (1860, Museo Nacional, Londres). Aquí Degas, siguiendo los cánones clásicos de las bellas artes, buscó renovarlos con observaciones vívidas y precisas de la vida real. El maestro ignoró por completo la idealización condicional de la trama antigua, los personajes que describió son más como adolescentes modernos sacados de las calles parisinas. Esto se nota especialmente en algunos movimientos angulares de los personajes representados por él, colocado en un paisaje algo estilizado.
Las figuras de los jóvenes se colocan paralelas al borde inferior del lienzo en un solo espacio del primer plano, lo que le da a la escena una gran persuasión, sin perder el ritmo decorativo. Las poses estáticas de los jóvenes hablan de la influencia del arte neoclásico. El artista enfatiza el realismo de la escena con la ayuda de una sutil interpretación psicológica de los rostros de cada personaje. Al mismo tiempo, los principales medios expresivos en el lienzo, como en obras anteriores, es una elegante línea musical - plástica. El color de la imagen construido sobre una combinación limitada de colores, le da al lienzo una sensación de estricta claridad y equilibrio.
Creación de un estilo de retrato peculiar
Al comienzo de su carrera, Degas crea muchos retratos. Esto se vio afectado en parte por la influencia del padre del artista, que creía que era precisamente la hábil posesión de las habilidades del retratista lo que podía asegurar al joven una vida cómoda. En los primeros lienzos de este género, Degas pintó principalmente autorretratos y retratos de miembros de la familia, pero pronto se volvió hacia la imagen de sus amigos. En estas obras, los rasgos característicos del estilo individual del pintor se manifestaron claramente, que se adhirió a las técnicas de composición tradicionales, en el que es fácil encontrar una conexión con las obras de los viejos maestros.
Un ejemplo es la obra de 1855 "Autorretrato" (Museum d'Orsay, Paris) en la que el artista utilizó un fondo oscuro característico de la escuela española de pintura, representada por grandes maestros como Diego Velázquez y Francisco de Goya. En Autorretrato, aparece ante nosotros en una pose natural, sosteniendo un lápiz de carbón en su mano derecha, un símbolo de su pertenencia al arte. Cabe señalar que este trabajo, como muchos otros primeros retratos de Degas, se distingue por el esquema de color monocromático.
Gradualmente, su trabajo se vuelve más saturado de luz y color. En la pintura Autorretrato con sombrero blando (1857, Stirling Institute of the Arts y Frappsn Clark, William Sgown), el artista ya se niega a utilizar un fondo neutro silenciado. Aunque el fondo del cuadro es azul oscuro, está iluminado por la luz constante del sol que entra por la ventana que dejó el maestro fuera del marco de su lienzo. Degas se retrata a sí mismo con un traje informal, su principal accesorio expresivo es un pañuelo rojo anaranjado alrededor de su cuello. Esta mancha de color brillante juega el papel de un diapasón para la construcción colorista del retrato.
Sin embargo, aquí, como en lienzos anteriores, por ejemplo, "Retrato de René de Ga" (1855, Smith Museum of Art College, Northhamton), permanece una postura estática pronunciada. Cierto, Degas rápidamente se dio cuenta de este defecto y comenzó a experimentar con movimientos y ángulos en sus retratos. que como resultado “revivió” sus obras y les dio dinamismo. Fue gracias a la visión inusualmente aguda de la naturaleza y a la nueva construcción compositiva de las pinturas que el pintor incorporó a sus lienzos no solo la emotividad, pero también un profundo psicologismo pronunciado.
El verdadero pináculo del estilo temprano de Edgar Degas, como retratista, fue la obra "La familia Bellelli" (1858-1867, Museo de Orsay, París). Los modelos de este lienzo fueron el tío del artista Gennaro, su esposa Aaura, y sus dos hijas, Giovanna y Julia. La composición de la imagen se basa en el principio de una determinada escena de género. En el centro del lienzo está la figura de la baronesa, vestida con un vestido negro de luto desprovisto de accesorios. El tío del artista, Gennaro, se muestra desde la parte de atrás; se sienta en sillones junto a la chimenea. Las figuras y rostros de ambos cónyuges expresan su desinterés por lo que sucede a su alrededor. Giovanna, de pie junto a su madre, de lo contrario, mira cuidadosamente al espectador. La joven Julia, cómodamente sentado en una silla, ella, como si llevara a cabo una conversación tranquila, se volvió hacia su padre.
El artista nunca dictó a sus modelos en qué posición debían estar. A diferencia de muchos pintores de su tiempo, Degas prefirió pintar "retratos de personas en poses típicas naturales para ellos, generalmente dándoles libertad absoluta, tanto en la posición corporal como en la expresión facial ".
A pesar de que las poses de todos los modelos son tranquilas, la disposición asimétrica de las figuras crea una especie de nitidez inesperada en la composición. El color del lienzo se elige muy exquisito, una combinación de azul, plata, tonos blanco y negro, construya un sistema de color perfecto. Cierto, incluso a pesar de esto, la escena que mostró el artista no se puede llamar idealizada. Degas llenó de drama el retrato familiar:retrató a una pareja, bastante cansado de la compañía del otro. Sus poses enfatizan la diferencia de carácter y experiencias emocionales de los cónyuges. Queda claro para el espectador que los niños siguen siendo la única unidad que los une. Este lienzo marcado por un profundo psicologismo, dominio de la transmisión de luz y precisión del dibujo, es una de las mejores obras de su género creada a mediados del siglo XIX.
El estilo individual del artista estaba en constante evolución, en sus obras posteriores el pintor prefirió evitar la estacionariedad en la composición y la disposición frontal de los modelos potenciando la dinámica de la composición. Para tal fin, Degas usó con bastante frecuencia la construcción de la composición en diagonal, cambios y ángulos inesperados, gracias a lo cual pudo lograr nuevos, efectos más expresivos.
Por ejemplo, una solución compositiva muy atrevida, elegido por Degas para el cuadro "Una mujer sentada junto a un jarrón de flores" (1865, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), que a primera vista hace un extraño, impresión inquietante. La mayor parte de la pintura está ocupada por un magnífico ramo compuesto por crisantemos de diferentes colores. La heroína se sienta junto a una mesa en la que hay flores. pero su rostro se aparta un poco de ellos, ella mira hacia otro lado. Parece que la heroína cayó en la imagen de una naturaleza muerta por accidente. Sin embargo, tal solución no empeora las características psicológicas del modelo, pero, de lo contrario, enfatiza y enfatiza su individualidad. La mujer es distante El rostro pensativo parecía desgarrado por una bruma de tristes recuerdos. El asombroso estilo con el que la artista representa cada rasgo que transmite las características de su personaje es sorprendente. Estudios de esta imagen, realizado en los últimos años, indican que Margaret Claire Brunkan (que más tarde se convirtió en baronesa Valpinson) está representada en el lienzo.
Al dibujar retratos, Degas a menudo incluía atributos que revelan la ocupación o el estatus social del héroe. Un ejemplo vívido de tal interpretación de la imagen es la pintura "Retrato de James Tissot" (1867, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), en el que Degas, un artista francés, se representa en su taller.
En 1869, el artista crea otra de sus obras maestras:un retrato de Mademoiselle Hortense Valpinson (Instituto de Bellas Artes, Minneapolis), en el que el pintor capturó a la hija de nueve años de su amigo Paul Valpinson. La niña está representada apoyada en una mesa cubierta con un mantel oscuro con un patrón bordado de colores. En el extremo opuesto de la mesa hay una canasta de artesanías sin terminar. Young Hortense mira atentamente al espectador, como si lo hubieran tomado por sorpresa.
Esta técnica compositiva ayudó al artista a enfatizar la vivacidad, naturaleza directa del niño. El fondo de la imagen, escrito en amplios trazos sonoros, realza aún más esta impresión. El color de la obra se basa en una combinación de cálidos tonos ocres-dorados, así como tonos blanco y negro, lo que le da a toda la obra un sonido muy importante.
Otro trabajo, sorprendente en su expresiva composición, es "Retrato del vizconde Lepik con sus hijas" (nombre alternativo "Plaza de la Concordia", 1876, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). Una composición dinámica se asemeja a una fotografía con su recorte nítido de todos los lados del lienzo, lo cual no es característico de la pintura de esa época. La línea del horizonte está muy sobreestimada, que convierte la Place de la Concorde, que es rápidamente atravesado por el vizconde Luis Napoleón Lepic, solo en el fondo para los personajes de la imagen.
Era como si alguien que hubiera sido aclamado por las hijas de un noble, interrumpido, giró en sentido contrario con respecto al movimiento de su padre. El lienzo tiene un sabor interesante. Mientras que los personajes principales de la pintura de Degas están vestidos con trajes ligeros, casi fusionándose con el fondo, la ropa de los otros participantes en la composición está hecha en oscuridad, colores casi negros. Estas figuras "negras", ubicado en el lienzo con precisión matemática, crear un ritmo “musical” asombroso de toda la obra.
Viniendo de una familia noble y sin sentir la necesidad de dinero, Edgar Degas podía permitirse el lujo de no cumplir con los requisitos de los modelos nobles, creando retratos personalizados. Entre los posers había muchos personajes de la alta sociedad, pero ni una sola vez el artista comenzó a retratarlos en el radiante esplendor de los lujosos trajes. Independientemente del estatus de los héroes de sus pinturas, Degas siempre trató de transmitir con la mayor precisión posible los rasgos característicos de cada uno de ellos. Acostumbrado a los halagos, leones y leonas seculares a menudo lo abandonaban, sentirse ofendido.
Experiencia de vida y viajes
Un acontecimiento importante en la vida de Edgar Degas fue el conocimiento de Edward Manet, que sucedió en 1862. Pronto, el artista comenzó a visitar regularmente el Café Gerbois, un lugar de encuentro popular para artistas jóvenes. Allí discutieron la búsqueda de nuevos temas en el arte, medios expresivos originales y su propia visión de la realidad. Entre los clientes habituales del café había grandes artistas como Claude Monet, Alfred Sisley, Auguste Renoir y muchos otros.
Influenciado por esta comunidad de impresionistas, a finales de la década de 1860, Degas se dedicó a la creación de grandes series:Lavanderas, Las carreras de caballos, Escenas de ballet, y Modistiki. Todas sus pinturas se distinguieron por una revelación muy precisa de la profundidad y complejidad del mundo interior de sus héroes. A diferencia de la mayoría de los artistas impresionistas, Degas nunca buscó inspiración en la naturaleza, percibió la realidad como un elemento dinámico, y fue este movimiento continuo el que ocupó el lugar principal en su obra. Su ideal era la vida ajetreada de una ciudad moderna. Siendo muy observador por naturaleza, Degas, caminando por las ruidosas calles de París, notó todos los rasgos expresivos característicos y durante mucho tiempo guardó lo que veía en su memoria. Después, transmitiendo el ritmo de la vida urbana, el artista creó imágenes fotográficas precisas e imparciales.
El bienestar material inicial permitió a Edgar Degas dedicar todo su tiempo a experimentos creativos. Podía permitirse descartar audazmente todos los cánones, todos los trucos trillados de construir la composición, para encontrar su propio punto de vista inesperado, una nueva visión, gracias a lo cual se podía lograr la impresión de frescura y espontaneidad de la obra.
Como resultado de búsquedas creativas, el artista pudo lograr un ajuste preciso de la composición de las pinturas, en el que no hubo nada accidental y todos los elementos fueron diseñados para enfatizar el significado general de la trama. El propio pintor caracterizó su trabajo de esta manera:"Mi trabajo es el resultado de la reflexión, observación del paciente, inspiración, carácter y el estudio de grandes maestros ". Degas capturó a todos sus héroes en poses naturales y relajadas, haciendo todo lo posible para transmitir su carácter y estado de ánimo.
Cuando, en 1870, estalló la guerra franco-prusiana, el artista se ofreció como voluntario para unirse al regimiento de infantería. Repentinamente, en los primeros campos de tiro, quedó claro que su ojo derecho se ve mal. El diagnóstico de los médicos fue el siguiente:desprendimiento de retina causado por la diabetes. Como resultó más tarde, este fue solo el comienzo de la enfermedad de Degas, lo que finalmente lo llevó a una ceguera casi completa. Sin embargo, lo dejaron en las filas del ejército francés, transferencia al regimiento de artillería. En 1871, la guerra ya había terminado, y Degas hizo un viaje corto a Londres, después de lo cual fue a sus parientes estadounidenses en Nueva Orleans, donde pasó el invierno de 1872-1873.
Al comienzo de su estadía en los Estados Unidos, Degas crea muchos bocetos y pinturas, incluyendo varios retratos de miembros de su familia. Pero muy pronto pierde su mecha. La razón de esto fue su conclusión de que “el arte de París no puede ser lo mismo que el arte de Louisiana sin ninguna distinción, porque de lo contrario solo será un mundo ilustrado. " Desde este momento, el artista deja de hacer bocetos y bocetos, que creó anteriormente en grandes cantidades durante sus muchos vagabundeos.
Degas aseguró que solo la observación prolongada de la vida en un país en particular "puede brindar la oportunidad de conocer las costumbres de la gente y sentir su encanto". Sin embargo, contrario a sus propias tesis, el artista crea el cuadro "Oficina para la venta de algodón en Nueva Orleans" (1873, Museo de Bellas Artes, Poe). La composición de varias figuras de la obra se basa en el contraste de colores contrastantes:blanco y negro, cuya alternancia crea un ritmo claro de todo el lienzo.
En la primavera de 1873, Degas regresó a París, donde pronto esperó una serie de pérdidas y problemas. En menos de un año muere el padre del artista, dejando atrás enormes deudas. Como se vio despues, el fallecido estaba en completo desorden. El banco gestionado por Auguste de Ga, adeuda cantidades astronómicas a los acreedores. Para preservar la reputación de su familia, el artista pagó parte de sus deudas con fondos heredados de él, pero esto no fue suficiente. Para poder llegar a fin de mes, el pintor vende la finca familiar y una colección de cuadros de grandes maestros, recogido por su padre.
Todo ello llevó a tal situación que el pintor por primera vez en su vida pensó en vender sus cuadros. Una de las formas efectivas de atraer compradores, el artista consideró la exposición de impresionistas, que a menudo ayudó a organizar. En el período de 1874 a 1886, se llevaron a cabo ocho exposiciones de este tipo, en siete de los cuales participó Degas. Vale la pena señalar que sus obras tuvieron éxito y se vendieron muy bien, a diferencia de las obras de otros impresionistas.
Durante la década de 1870, Degas refinó aún más su estilo artístico. La construcción espacial de su obra ha ganado una nitidez sin precedentes, aún mayor libertad y dinamismo. El color en sus pinturas adquirió un significado independiente, se volvió muy complejo, como si estuviera lleno de luz.
Degas simplificó y limpió tanto su dibujo que pudo transmitir el juego de los músculos del cuerpo humano en movimiento con la ayuda de un solo circuito. Gradualmente, su obra adquirió un carácter cada vez más escultórico. Comenzó a enfatizar los contornos de figuras y objetos con una gruesa línea de carbón, rosado, Las tonalidades violetas y verdosas comenzaron a predominar en el color de las pinturas, que le dio sonicidad a la obra, y todos los detalles fueron minimizados.
Degas prácticamente deja de pintar al óleo, el pastel es su material favorito. El último retrato creado por el maestro, fue el cuadro "Helene Roire en la oficina de su padre" (1886, Galería Nacional, Londres), que representa a la hija de un amigo del artista Henri Rouen - Helen.
Desde mediados de los 70 en la obra de Degas, la influencia del grabado japonés, que tuvo una gran influencia en todo el movimiento de los impresionistas, se ha rastreado cada vez más. El artista comenzó a utilizar muchas técnicas de este arte, por ejemplo, construcciones espaciales originales, el uso de ángulos inesperados y la frecuente colocación de personajes secundarios en el centro de la composición.
Amor por las carreras de caballos
Una de las mayores pasiones del artista eran los caballos. Edgar Degas mostró interés por estos graciosos animales durante su estancia en Italia. Estaba fascinado por las tradicionales carreras de caballos romanas en Via del Corsa, durante el cual hizo muchos bocetos. En la propia Francia en la década de 1860, ambos bajo el gobierno de Luis Felipe y Napoleón III, El deporte ecuestre también fue muy popular. Es más, Degas estaba interesado no solo en el plástico natural y la gracia de los caballos, estaba más interesado en los gestos y movimientos profesionales de sus jinetes.
Creando una serie de obras dedicadas a las carreras de caballos, Degas a menudo encontró varias estructuras compositivas poco convencionales para sus lienzos. Sus trucos favoritos fueron varios cambios espaciales, recorte de bordes afilados y varios ángulos "afilados". La esencia de todas las técnicas fue crear imágenes dinámicas vibrantes que puedan transmitir una sensación única de una realidad en constante cambio. Un lugar importante en estas obras es el color. Fue con la ayuda del color Degas que fue posible dar un desorden abigarrado de figuras de jockey a una forma organizada específica.
En 1860, el artista escribió uno de sus primeros cuadros de una serie dedicada a las carreras de caballos. El lienzo "Caballeros en las carreras:antes de la salida" (Museo de Arte Fogg, Cambridge) caracteriza a la perfección el estilo y el carácter del artista, que ha cambiado a lo largo de su vida. El caso es que Degas reescribe veinte años después su primera versión de esta obra, donde las figuras borrosas y difusas de los jinetes se representan contra un paisaje completamente plano. En este lienzo tardío, el fondo de la pintura eran colinas y fábricas suburbanas con chimeneas que emitían humo negro.
La obra de 1862 "Riders before the start" (Musee d'Orsay, París), Transmite con mucha precisión y sinceridad las emocionantes emociones que experimenta la gente y la tensión de los caballos antes de la salida. En el primer plano de la imagen, lleno de tensión, enfoque interior y dinamismo, se muestran los jinetes preparándose para el inicio de la carrera. El plan intermedio está ocupado con una sociedad secular ruidosa, ansioso por los espectáculos. La asombrosa autenticidad con la que los gestos y plantaciones de jinetes, desprovisto de poesía de imágenes, es asombroso. Gracias a esta recepción, el espectador no se sorprende por la aguda fragmentación del lienzo, en el que el borde del cuadro corta la mitad de la figura de uno de los jinetes.
La serie Degas, dedicado a las carreras de caballos, está lleno de bellas obras, resuelto con casi precisión de reportero. Un ejemplo de tales lienzos es "Antes del comienzo" (1878, Museo de E. G. Bgorl, Zúrich), “Carreras de caballos en la provincia. Tripulación en la carrera "(hacia 1872, Museo de Bellas Artes, Bostón), "Carrera de caballos" (1894, Colección en Webb, Nueva York) y "Jockeys in Front of the Tribune" (1869-1872, Museo de Orsay, Paris) En el último lienzo, Degas retrató el momento anterior a la carrera, cuando al público solo se les mostraban los caballos que participaban en las carreras. El artista compone magistralmente la imagen, logrando la ilusión de calma y aplomo, conservado por los héroes. Las vivencias interiores se transmiten con la ayuda de largas sombras que adornan delicadamente la arena de las pistas de carreras. Todos los caballos de la imagen son casi estáticos, con la excepción de uno, Degas se propuso la tarea de reflejar el estado de calma imperante justo antes del inicio de la carrera. No hay pasiones y emoción características de este evento.
En algún lugar de 1873, el pintor se alejó temporalmente del tema de los caballos y las carreras de caballos sin ninguna atención, volviendo a ella solo unos años después, cuando encargó al cantante Jean-Baptiste Fare que pintara “Carreras de caballos. Jinetes - aficionados ”(1876-1887, Museo de Orsay, París). Después, Degas escribía periódicamente lienzos dedicados a las carreras de caballos, hasta aproximadamente el final de los 9. Una de las últimas obras de esta serie fue el cuadro "El jinete caído" (1896-1898, el Museo de Arte, Colección Offlätsche, Basilea). La composición del lienzo es similar a la obra anterior del artista, nos muestra un caballo corriendo por el prado, detrás del cual queda un jockey aparentemente caído que se dejó caer por él.
La expresividad de la vida nocturna de París
La enfermedad del artista afectó su estilo de vida. Degas comenzó a proteger sus ojos de la luz del sol brillante, y generalmente probado, tan raramente como sea posible, estar en la calle durante el día. A diferencia de la gran mayoría de impresionistas, el pintor prácticamente no trabajaba al aire libre. Degas pintó la mayoría de sus cuadros bajo iluminación de gas, por lo que recibió el sobrenombre de "el primer impresionista de la noche". Esta también podría ser una de las razones por las que el tema de los cafés parisinos, cafés baratos, actrices cantantes y damas de “media luz” era tan atractivo para él.
Degas creó muchas obras dedicadas al tema de tales instituciones y sus habitantes, uno de los más famosos es el lienzo "Absinthe" (o "Amantes de Absinthe", 1875, Mray d'Orsay, París). Representa el interior del establecimiento Nouvelle-Athenn, popular en los círculos artísticos parisinos. La composición de la imagen se basa en el principio de una escena de género simple de la vida cotidiana de los habitantes del café. Sus personajes, un hombre y una mujer, aparentemente simplemente descansando en la mesa después de las preocupaciones diarias. Pero las mesas vacías en primer plano dan la impresión de ser apretujadas y arrinconadas por dos personas, y también enfatizar su vacío e indiferencia mutua. Esta historia sin pretensiones subraya el tema de la emoción de Alien por el hombre del mundo y su inevitable soledad. que es la idea principal de todo el trabajo. Los modelos del artista fueron el grabador y artista Marcel Debuten y la actriz Helene Andre. A través del color el artista logra dar tensión interior y dramatismo a sus figuras, prácticamente desprovisto de movimiento.
La sutil habilidad del pintor para transmitir el carácter de sus modelos con la ayuda de un solo gesto se reveló perfectamente en los lienzos que representan al cantante de varios caféshantans. Un ejemplo vívido es el cuadro "Capitán Embajador" (1876, Museo de Bellas Artes, Lyon), en el que el gesto del cantante combina dos partes de la composición:una actuación en el escenario y un auditorio.
En cuanto a este trabajo, el célebre crítico J. Riviera escribió:“Cuántas figuras femeninas en el fondo, con sus vestidos de muselina y abanicos, y espectadores que, levantando la cabeza y literalmente estirando el cuello, ¡Mire con entusiasmo bailes provocativos y coplas escritas con escabrosidad! Si no me equivoco, entonces esta cantante tiene una contralto completamente saturada de brandy ... El gesto insólito de la cantante, inclinándose hacia el público, ciertamente confirma el éxito de su actuación. Nunca repetirse como actores con papeles memorizados, ella apela a la audiencia, les pregunta, sabiendo de antemano que responderán exactamente lo que ella quiere escuchar, porque es ella quien controla al tirano, cuyos vicios apacigua. "
Escrito en 1878, el lienzo "Cantante de Cafesantan" (o "Cantante con guante, ”Museo de Arte Vogt, Cambridge), también es un representante muy vívido de esta serie. Ellis Degrange, que sirvió de modelo para este lienzo, en realidad no es cantante en absoluto, pero un pianista muy famoso en los círculos parisinos que voluntariamente accedió a posar para Degas. La figura del pianista, muy cerca del espectador, todavía no es el centro compositivo del lienzo. Este papel lo juega su mano, vestido con un guante negro. Para darle al gesto un sonido aún mayor, Degas lo retrató sobre un fondo claro. El artista logró organizar de manera muy magistral el espacio de la obra. El gesto agudo de la mano del cantante, su boca abierta y rasgos faciales algo distorsionados en realidad acercan la imagen a la caricatura. Para mitigar este efecto, el maestro introdujo colores suaves y claros en la coloración:reflejos rosados suaves en el vestido y la cara de la heroína, y una flor en su cabello.
La serie dedicada a los caféshantans y sus habitantes resultó ser muy brillante y peculiar. Todas las obras del ciclo se distinguen por una construcción compositiva muy atrevida, que tiene como objetivo revelar la idea principal del lienzo. El resplandor del color y la luz, en pinturas de Degas, transforma la realidad en un mundo de fantasía lleno de un encanto agrio especial.
Ballet
El segundo tema favorito de Edgar Degas fue el elemento fluido y dinámico de la danza. Se sabe con certeza que durante casi veinte años el artista adquirió regularmente una suscripción a la Ópera de París. Se sumergió en el tema del ballet, asistiendo a teatros y clases de baile. Viendo el arduo trabajo de las bailarinas, el artista recreó el encantador mundo de la danza. Escribió muchas pinturas dedicadas a sus ensayos, durante el cual se perfeccionó cada movimiento de los bailarines, las actuaciones en las que se presentaron a la audiencia en un destello festivo de focos, y durante los raros momentos de relajación. La mayor parte del trabajo se realizó en el taller de pastel Degas, donde invitó a sus modelos. Solo quince años después, el director de la Ópera de París permitió al artista trabajar directamente detrás de las cortinas del teatro.
Una de las primeras obras escritas por Degas en el teatro fue el cuadro "La orquesta de la ópera" (hacia 1870, Museo l’Orsay, París). Es un lienzo de pequeño tamaño, cuya composición es como tomada accidentalmente durante la presentación de una fotografía. El maestro invita al espectador a mirar el escenario desde el costado del foso de la orquesta. Todo el primer plano está ocupado por músicos vestidos con frac negros. El lugar central entre ellos pertenece a la imagen de una amiga de la pintora Desiree Dio, que toca el fagot. El lienzo está dispuesto de modo que solo podamos ver la parte inferior de la actuación en el escenario. Lo primero que atrae la atención del espectador son los tutús rosa y azul brillantes de los bailarines, y solo después de eso, la mancha blanca de la camisa del músico atrae su mirada hacia el personaje principal de la imagen.
El artista dedicó gran parte de sus próximas obras a los bailarines. Las primeras pinturas de esta serie llevan una gran parte de la supuesta impasibilidad fotográfica con la que el maestro retrató a las bailarinas.
En su lienzo "Clase de baile" (1871, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), el artista transmite magistralmente la emoción de un joven bailarín antes de un ensayo crucial. Una niña se encuentra en el fondo de los espejos, lo que permite que su figura ligeramente desplazada del centro ocupe todo el espacio de la clase. Solo en el lado izquierdo de la imagen había un lugar para el piano negro y el acompañante anciano sentado a su lado. que se estaba preparando para empezar a tocar una melodía para el baile. El cuadro se llena de silencio reinando en una espaciosa habitación. Los bailarines calientan antes del ensayo. All work is permeated with a clear and harmonious musical rhythm conveyed by the artist through color through the clear coloristic thoughtfulness of the canvas.
Several works of the series, among which was the canvas “Dance Class”, Degas presented to the public in 1874 at the exhibition of the Impressionists. After her, he gained fame as an “artist writing dancers. "
The painting “Dance Lesson” (1874, Museum d’Orsay, París), striking with convincing realistic interpretation of images, belongs to the same period. Degas depicted a fragment of a rehearsal, during which an elderly teacher, stopping the rehearsal, gives instructions and recommendations to his students. Light white figures of dancers occupy almost the entire space of a large hall, the naturalness of their poses and gestures gives the canvas convincingness. En este trabajo, Degas captured the famous French choreographer Louis Merant, next to whom is one of the best dancers of the time, Josephine Gogelen.
The color of the picture plays a special role in it, built on a harmonious combination of gray, verde, bluish-white and ocher shades, with numerous dark accents that bring clarity and clarity, forming a smooth linear rhythm, as if repeating the movements of the dance. The entire composition of the “Dance Lesson”, built on the principle of fragmentation, as it removes the action from the viewer, isolates it inside the illusory space created by the artist. Sin embargo, in later works, the master intentionally brings graceful heroines closer to the edge of the canvas, and sometimes even cuts off the image of their figures, por ejemplo, in such works as “Dancers” (1883, Dallas Art Museum), or “Before the exam” (1880), Denver Art Museum).
Unlike other canvases, where the artist paid attention mainly to the transfer of lightness and grace of all the movements of his heroines, in the work “Before the Exam” Edgar Degas decided to pay attention to their emotional state. On the canvas we see young dancers who are preparing for a responsible performance. On the right side of the composition depicts a girl whose pose is relaxed. Her shoulders and head are lowered, as if she is praying before going to the examiners. The second heroine massages her leg, gracefully leaning forward. Behind the girls on the bench were two elderly ladies, who were having a quiet conversation. Here Degas set out to depict an important moment in the life of the ballerinas – the moment when they tune in to perform, right before they enter the stage, where they will shine in the luxurious spotlights.
The most famous work on the subject of dance is the painting “Blue Dancers” (circa 1898, the A. Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscú), where the master was able to achieve special compositional and color expressiveness. In the work, the graceful heroines of which correct their costumes before the performance, the artist managed to use the artificial lighting effect so skillfully that the entire canvas turned out to be filled with radiance and sparkling threads of dance melody.
In the work of 1877, The Final Arabesque (Musee d’Orsay, París), similar intonations can be noted. The canvas is arranged in such a way as to give the viewer the opportunity to peek behind the curtains from above, to watch how the ballerinas are preparing for the upcoming appearance on the stage. The foreground of the painting is a figure of prima, depicted on the darkened background of an empty scene. The ramp lights illuminate her face and light yellow suit, likening the girl’s figure to a graceful flower.
Almost all works on the theater and dancers Degas performed in pastel technique. The master, who knew how to go beyond the usual stereotypes, and here developed his own unique style. His methods of applying the paint layer, with distinctive separate strokes, more like strokes, seemed to combine drawing and painting.
Aesthetics of hard work
Throughout his work, the artist was distinguished by a genuine interest in the characteristic features of the behavior of people belonging to different sectors of society. Degas has always been interested in the features of their plastics, specific gestures and movements, in a word, everything that he could transfer to the canvas. Throughout his life, the painter remained steadfastly addicted to certain topics that contributed to the expression of his creative interests.
Degas was very fond of everyday scenes in which the main characters were the saleswomen of haberdashery and hats, laundresses and ironers. In all the plots, the artist was attracted by characteristic poses and professional movements. Thanks to this, he was able to discover completely unexpected decorative effects associated with the rhythmic interaction of silhouettes and matching figures. Most of the paintings that make up this series, como una regla, were created outside the domestic environment, which helped Degas achieve a high level of social generalization.
Por ejemplo, in the painting “Ironmaker” (circa 1869, New Pinakothek, Munich), the artist sought to convey the routine and monotony of the heroine’s daily work. The young girl depicted on the canvas holds the iron in his right hand, and moves the fabric with his left. To give greater dynamism, Degas made a double contour of the ironing skirt, emphasizing the efforts that she has to make. Immediately after returning from America, in 1873, Degas wrote another work under the same title, but with great expressiveness. On the new painting “Ironmaker” (Metropolitan Museum of Art, New York), the main character stands in profile, her dark silhouette stands out sharply against the background of a light-flooded window. Through this contrast and excellent transmission of the woman’s professional movements, the artist was able to masterfully reproduce the atmosphere prevailing in Parisian laundries.
The next canvas of the cycle – “Two Ironworkers” (Musee d’Orsay, París), created much later, in 1884, is perhaps the most famous. The work is written with wide nerve strokes, perfectly conveying the fluctuation of air around working girls. The color scheme, based on a comparison of blue, brown-ocher, golden and white tones, is characterized by increased decorativeness, which distinguishes this work from the previous ones.
Degas was not the only outstanding Parisian artist who loved the theme of ironers and laundresses. His work on this subject was often compared with the canvases of Honore Daumier. The critic Armay Sylvester, in 1879 wrote about this in the newspaper “Modern Life”:“Let’s move on to something significant. Por ejemplo, this is what is significant that appears on the rare canvases of Mr. Degas – always the same synthesis process conveyed to us with admirable artistic flair. Just look at how the ironer bent over hard work. If you look at the canvas from a distance, you might think that it was written by Daumier, but in a closer look it becomes obvious that this is more than Daumier. In this work there is a refined skill, the full power of which is difficult to convey. "
Household scenes also include paintings depicting visitors to hat salons. Por ejemplo, the painting “At the Fashionista” (circa 1882, Museum of Modern Art, New York), depicting a student of Degas Mary Cassatt. The compositional construction of the work is fragmented, built on the principle of photography. The girl trying on a hat is almost hidden behind the back of the chair depicted in the foreground. The modiste, who offers the visitor two more headdresses, is located on the left side of the canvas and is practically indistinguishable. The falling thick shadow makes the woman’s figure only a decorative element.
Este trabajo, the plot of which seems unpretentious, was the fruit of much thought by the author. The artist attached great importance to the expressiveness and “melodiousness” of the line, it was with its help that he sought expression in the reflection of form. Por lo tanto, to create a single rhythmic silhouette of the whole group, he specially simplified the volumes of the middle plan. Canvases dedicated to this topic have become a real pinnacle of Edgar Degas skill. En ellos, he managed to achieve a new expressiveness in displaying reality and give a monumental generalization to the ordinary everyday scene.
Nude work
Another type of everyday scenes that Degas devoted a lot of time to were naked women behind the toilet. Since about the 1880s, the artist began to create beautiful female images that do not fit into the generally accepted canons of that time. Degas rejected all conventions, the idealization of ideas about female beauty. “Beauty must be characteristic” – this postulate was taken by the master as the basis of his work. The artist argued that the nature of a naked body is best manifested in a variety of movements that can be natural only during bathing. So a series of works appeared, the heroines of which are busy with themselves:they wash themselves, wipe themselves, comb their hair and are so absorbed in their thoughts that they don’t think at all to accept graceful and graceful poses.
A vivid example of such a plot is the Taz pastel composition (1885, Hill Stead Museum, Farmington), whose main character just bent down to wet her sponge in water. Her smooth gesture is full of naturalness, and the composition is devoid of anything that could distract the attention of the audience from the girl. El año siguiente, the artist wrote another work with the same name (Mray d’Orsay, Paris). In this picture, the heroine crouched in the center of the pelvis and, leaning on her hand, washes her neck. The figure of the girl is softly outlined by the light pouring from the window. To achieve greater expressiveness, Degas used contrasts, sometimes emphasizing the female body, then gently "merging" it with drapery. A third of the composition is a wide white shelf with toiletries:a jug with clean water, a comb and a hairpin. So the artist emphasized the depth of the room.
Constantly returning to the same topics, poses and gestures is explained by Degas’s uncontrollable pursuit of excellence. Friends joked about the artist, saying that "to make him stop redoing a picture, you can only select it." The painter was simply obsessed with the desire to truly capture any movement. A special place in the work of Degas is given to the images of women combing hair. Here, the artist never copied previously found compositional techniques, tirelessly looking for new ones.
One of the most famous pastels of this cycle, “A Woman Combing Her Hair” (1886, the State Hermitage Museum, San Petersburgo), can serve as a perfect example of the artist’s constant search for an ideal pose and natural gesture. The work has several options, one of them is stored in a private collection of Morris (Philadelphia), and another at the Metropolitan Museum of Art (New York). In all versions, the heroine is depicted from the back, which allowed Degas to most convincingly convey her movements. The artist emphasizes the volume and depth of the shadow with elastic lines of the contour, creating expressiveness of the smooth movements of the heroine combing her red long hair.
Tiempo extraordinario, Edgar Degas develops his own aesthetics of motion transmission. The master sought not only to fix the position of the arms, legs and body with photographic accuracy, but to feel and convey with maximum expressiveness the complex interaction of all parts of the body. Working on the works of this series, the artist made an attempt to create his own system, which would allow him to depict the specific pose of a woman extremely accurately, but in the most generalized terms.
In later works by the artist, the movements of the heroines become sharper, the shape of the body began to be conveyed more simplistically and often outlined by a sharp contour. A vivid example is the painting “A Woman Leaving the Bath” (1900, private collection). It is very clearly visible on how the late style of the master gained sharpened expression, generalization of forms and decorativeness. The painter proved that the body can be even more expressive than the face, por lo tanto, completely ordinary motifs in his art received a poetic expression of life energy, graceful grace and beauty.
The last years of the master
A principios del siglo XX, Edgar Degas’s disease worsens so much that it almost completely loses sight. Unable to express himself in any other way than art, the master begins to seriously engage in sculpture, which he calls the "craft of the blind."
The themes that Degas tried to embody in a new form of creativity remained the same as in painting:jockeys, dancers and bathers. He sculpted small sculptures for himself, so a very small number of them were brought to the end, such as “The Little Fourteen-Year-Old Dancer”.
Contemporaries of the artist noted that at the end of life, despite a sharp deterioration in physical condition, Degas’ interest in music, photography and poetry only intensified. In the circle of friends, he often began to sing Neapolitan songs, sin embargo, somewhere from 1895, the painter almost completely stopped talking with friends and rarely left the house, continuing to communicate only with a very narrow circle of close people.
Already after 17 years, in 1912, Edgar finally quit working. By this time he is already blind and completely worn out. There were several reasons for this poor state of the artist, this year his sister Teresa dies, and the painter himself has to leave his beloved house because of the reconstruction, which could no longer be postponed.
27 de septiembre 1917 Edgar Degas died at the age of eighty-three years. The funeral was very modest – as the artist himself wished. Among the friends who came to take him on their last journey were Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard and many others. In his last will, Degas requested not to give mourning speeches during the funeral. Separately, he emphasized that if Foren really wants to say a few words, let them be very simple and concise, like:"He, like me, loved to draw most of all." Edgar Degas already became a recognized great painter during his lifetime, his paintings were bought up at fabulous prices, and although the artist’s last years were rather joyless, he still lived a rich and vibrant life and remained forever in the history of art.
Zhuravleva Tatyana
