Peter Paul Rubens (1577-1640)
El gran artista Peter Paul Rubens nació el 28 de junio de 1577, por la voluntad del destino, lejos de la tierra natal de sus antepasados, en la pequeña ciudad alemana de Siegen (Westfalen). El sexto hijo del abogado Jan Rubens y la hija comerciante Maria Papelinks estaba destinado a convertirse en el líder de la nueva estética y arte emergente de Flandes, un estado que, por el año en que nació el pintor, ni siquiera existía en el mapa político del mundo. Sólo en 1609, se concluyó la tan esperada tregua entre España, Holanda y Flandes, que sentó las bases para el renacimiento de un país destruido por muchos años de guerra.
En Flandes, como en muchos estados de la Europa medieval, la Iglesia Católica jugó un papel importante en la vida del estado, unido a la nobleza feudal que lo apoyaba y al estrato más alto de burgueses. Fueron estas capas de la alta sociedad las que fueron los principales clientes de las obras de arte. Debido a que, Las majestuosas imágenes del altar creadas por orden de la Iglesia Católica y las pinturas de gran formato diseñadas para decorar los castillos y palacios de la ciudad noble de Amberes fueron ampliamente utilizadas en la pintura flamenca. Los principales géneros del arte fueron las escenas mitológicas, temas bíblicos, magníficas naturalezas muertas, retratos ceremoniales y escenas de caza.
Jan Rubens era un representante de una antigua familia de Amberes. Su huida a Alemania en 1586 se debió a una actitud de simpatía hacia el protestantismo. Inicialmente, la familia se instaló en Colonia, donde una respetada abogada recibió el puesto de abogada Anna Saxon, la esposa de Guillermo I de Orange, quien era el líder de la resistencia holandesa. Pronto, entre el abogado y la princesa hubo una historia de amor, terminando en el nacimiento de su hija. El escándalo que estalló casi mató a Jan Rubens:fue condenado a muerte por Wilhelm, que es plenamente compatible con las leyes de esa época. Solo gracias a los increíbles esfuerzos de su esposa Rubens, pudo liberarse de la prisión en prisión para exiliarse en la pequeña ciudad de Siegen. Toda la familia vivió allí hasta la muerte de Jan Rubens, que murió a los cincuenta y siete años después de una larga enfermedad. Solo después de eso en 1578, Mary pudo regresar a Amberes con sus tres hijos menores:sus hijos Peter y Philip y su hija Blandina.
Regreso a Amberes
En Amberes, Peter y Philip fueron enviados a estudiar a la escuela latina de Rombouts Verdonka, en el que permanecieron hasta 1590. Pronto su hermana se casó, y su madre envió a Philip a la Universidad de Lovaina para que pudiera seguir los pasos de su padre y convertirse en un abogado respetado. Y el Peter más joven, como era costumbre en familias nobles pero no ricas, entró al servicio de un paje a Margarita de Lin, viuda del conde Philip de Dalen. Allí, Rubens aprendió la etiqueta de la corte y los modales exquisitos, y también se dio cuenta de que su única vocación era la pintura. A pesar de que, para que la madre le permitiera a Peter obtener la profesión de artista, el joven se tomó mucho tiempo.
En los primeros maestros de su hijo, María eligió a sus parientes lejanos:los artistas Tobias Verhacht (1561-1631) y Adam Van North (1561-1641). El segundo de ellos fue realmente un pintor maravilloso, muy respetado por sus contemporáneos, pero era conocido como una persona descarriada que trataba a sus estudiantes con bastante rudeza. Pronto Rubens entró en el taller de Otto van Weet (Venius) (1556-1629), el pintor más famoso de Amberes. El profesor tuvo un impacto serio en la percepción de Peter de la estética artística, inculcado en él las habilidades de estudio y composición minuciosos, y desarrolló un interés en los aspectos intelectuales de la pintura. Incluso después de convertirse en artista independiente, unirse al Gremio de San Lucas de Amberes (en 1598), Rubens continuó mejorando su arte, basado en los principios de su último maestro.
La vida en italia
Rubens, como muchos pintores flamencos, incluido Otto van Weet, Estaba absolutamente seguro de que "la verdadera luz del arte proviene sólo de Italia". A principios de mayo de 1600, corrió hacia su sueño, obsesionado con la idea de caer en este tesoro de la pintura, escultura y arquitectura para comprender la esencia misma del arte. Al llegar a Italia, el pintor trabajó mucho, estudió la técnica de los viejos maestros, y copió sus lienzos. Fue conquistado por las obras de Leonardo da Vinci, Correggio, Miguel Ángel pero la mayor influencia fue ejercida por las obras de Tiziano, así como por artistas contemporáneos, Michelangelo da Caravaggio y los hermanos Carracci.
Rubens entendió que para convertirse en un "gran artista", no basta con estudiar arte, tienes que sumergirte en la cultura, costumbres, vida del pueblo italiano. Por lo tanto, a finales de 1600, el artista entró al servicio del pintor de la corte del duque de Mantua Vincenzo I Gonzago, quien era conocido como un coleccionista amable y manso, patrón, apasionado admirador del arte y la ciencia. En su nombre, Rubens copió muchas obras de maestros famosos. Además de cumplir con sus deberes directos, el artista participó a menudo en los asuntos diplomáticos del duque.
Por ejemplo, fue Rubens quien trajo regalos de Vincenzo I al Rey de España, Felipe III y su primer ministro, Duque de Lerma, en 1603-1604. Las paredes del Palacio Gonzago fueron decoradas con toda una colección de retratos de "las damas más bellas del mundo:princesas y mujeres sin título". Peter hizo varios retratos de esta famosa serie de archivos históricos. Desafortunadamente, la "galería de las bellezas" no ha sobrevivido hasta nuestros días, pero quizás fue precisamente la razón por la que el artista fue enviado a la corte del Rey de España.
Tiempo extraordinario, El orgullo de Rubens comenzó a sufrir mucho debido a que Gonzago utilizó su talento exclusivamente para crear copias, aunque genial, pero pinturas extraterrestres. El artista tampoco aceptó la técnica aceptada de escribir retratos personalizados, cuando la cara del modelo simplemente encaja en el esquema de composición preparado previamente por la naturaleza.
Tener la capacidad de encontrar su enfoque poco convencional para cualquier género, no importa lo interesante que fuera, Rubens dio nueva vida al estricto marco "canónico" del retrato de la corte, liberándolo de la rigidez de la escritura, el desprendimiento del modelo y la composición congelada. El artista introdujo movimiento y vida en el género del retrato, agregó riqueza de color y realzó la importancia del fondo del paisaje circundante, haciéndolo una expresión digna de arte monumental. Después de pasar ocho años en Italia, Rubens pintó muchos retratos de aristócratas, por ejemplo, Marquesa Bridgid Spinola-Dorpa (1606, Galería Nacional, Washington), "Autorretrato con amigos de Mantua" (hacia 1606, Museo Wallraf-Richartz, Colonia), así como un retrato de su patrón, el duque de Mantua.
Memoria visual magníficamente desarrollada, El esmerado entrenamiento y la estricta disciplina le permitieron al maestro lograr tal precisión y dureza de su mano a la hora de crear bocetos y dibujos que entre sus contemporáneos, ya no era igual. Gracias a esto, fue Rubens, contrariamente a las afirmaciones de los mejores artistas italianos, quien recibió un gran encargo para escribir un retablo para el altar de Chiesa Nuova.
Detrás de la ejecución de esta orden estaba la inquietante noticia de una grave enfermedad de su madre. Rubens se apresura a ir a Amberes a finales del verano de 1608, pero no tiene tiempo de atrapar viva a Mary Papelins. La artista estaba muy preocupada por su muerte. En memoria de las “mejores madres, ”Erigió una estatua en su tumba, que hizo como retablo para Chiesa Nuova en Roma. Pero, a pesar de una ocasión tan trágica, el pintor regresó a su tierra natal en muy buen momento. Finalmente, se concluyó la tan esperada paz de doce años con España, presagiando la paz y la prosperidad del país.
Confidente de la Infanta Isabella
Al enterarse del regreso del ya muy famoso pintor a su tierra natal, Archiduque Alberto e Infanta Isabel, en nombre de la corona española, que gobernaba Flandes en ese momento, invitó a Rubens a servir. Y para que el maestro accediera y no regresara a Italia, donde tenía una posición estable y un salario alto, la pareja gobernante ofreció a Peter concesiones significativas y una serie de atractivos privilegios.
Entonces, Rubens recibió una cadena de oro, dado el puesto honorífico de artista de la corte, y se asignó una tarifa fija alta por cada trabajo ordenado, además de que, también se le prometió una recompensa adicional significativa. Contrariamente a las reglas por las que un pintor tendría que trasladarse a Bruselas para vivir en la corte de los mecenas, A Rubens se le permitió quedarse en Amberes, estaba exento de impuestos y de las reglas del gremio de San Lucas.
Ningún artista podría rechazar tales condiciones, de modo que Rubens ya no volvió a Italia. Dotado de una mente sutil, un sentido del tacto, encanto, y la capacidad de tener un interlocutor, el artista hizo una brillante carrera como diplomático, lo que también fue facilitado por el hecho de que se comunicaba constantemente con los nobles más influyentes y ricos de muchos países. El infante Isabella con visión de futuro entendió perfectamente que el arte del maestro le daba libre acceso a muchas casas reales nobles de Europa. Decidió aprovechar esto y nombró a Rubens su mensajero no oficial. Durante las sesiones de retratos, el artista mantuvo negociaciones secretas en nombre de la corona española. Gracias a los documentos históricos conservados, podemos concluir que la mayoría tuvo un resultado favorable.
Amor
Pronto también se ajustó la vida personal del maestro. En 1609, Rubens se reunió con el secretario del tribunal de la ciudad de Amberes, Jan Brant. Su joven y bella hija Isabella se ganó el corazón del artista con su encanto Rubens. El artista de treinta y dos años se casó con ella solo unos meses después, el 3 de octubre 1609. El feliz matrimonio del artista se basó en un amor tierno y fuerte. Rubens reflejó su felicidad en la película "Autorretrato con Isabella Brant" (1609-1610, Pinacoteca vieja, Munich).
El lienzo se distingue por un esplendor especial, virtuosismo y brillantez. El pintor pintó cuidadosamente todas las joyas y detalles de trajes caros, haciendo alarde de un patrón preciso y delicado. En el rostro de Isabella Brant, se leen sinceras alegrías y alegrías, enfatizado por un suave, sonrisa casi imperceptible. El artista se retrató a sí mismo mirando con calma al espectador. Una mirada abierta y las características adecuadas enfatizan la nobleza y dignidad de Rubens, su aristocracia. Y aunque el autorretrato se acerca al retrato ceremonial clásico, el artista en su obra va más allá del estricto marco tradicional de este género, dando al espectador la oportunidad de sentir su amor y afecto por su joven esposa, su mutuo consentimiento y ternura.
Habiendo creado varios retratos de su amada esposa, a lo largo de los largos años de su vida juntos, Rubens siempre interpretó a Isabella con mucha sinceridad, con precisión y gran sentimiento, dejando el fondo de la imagen oscuro y borroso para no distraer al espectador del rostro de su amada mujer.
Reconocimiento universal y talentos pedagógicos
El gran éxito y el reconocimiento trajeron prosperidad al pintor, sobre lo cual sus padres, Agotado por su difícil destino, ni siquiera podía soñar. En 1610, adquirió una casa espaciosa, al que adjuntó un estudio, y decoró la fachada con una escultura, realizando así sus proyectos arquitectónicos creados en Italia. En esta estilizada casa palazzo en Amberes, el artista se instaló con su familia.
El debut del artista en su ciudad natal fue un gran pedido para la sala del Ayuntamiento de Amberes:el lienzo "Adoración de los pastores" (1608, Amberes). La pintura siente una fuerte influencia de la pintura italiana, con brillantes contrastes en blanco y negro, que fueron el sello distintivo del estilo artístico de Michelangelo da Caravaggio, que Rubens utilizó a menudo en sus obras de este período sobre temas religiosos y mitológicos. La construcción composicional y colorista "Adoración de los pastores" repite casi exactamente el lienzo Correggio "Noche", con solo unas pocas adiciones. En esta ocasión, el artista francés Delacroix habló una vez, señalando que Rubens "tenía un don único para absorber todo lo demás ... Estaba lleno de los mejores ejemplos, remodelándolos de acuerdo con el comienzo que llevaba en sí mismo ".
Las primeras obras de Rubens sobre temas religiosos también leen claramente el replanteamiento de la experiencia italiana. Trabajando en las órdenes de la iglesia, el artista nunca se sintió constreñido por el claro marco de los cánones. La realización de dos trípticos para la iglesia local:"Exaltación de la Cruz" (hacia 1610-1611, Catedral de Amberes) y "Descenso de la Cruz" (1611-1614, Catedral de Amberes) trajo a Rubens el éxito y la gloria del mejor pintor no solo de Amberes, sino de todo Flandes. Se sabe que el maestro concibió la composición "Exaltación de la Cruz" en Italia, pero solo pudo darse cuenta de ello en casa. La materialidad tangible de todos los objetos y las características de vida aguda de todos los héroes de este lienzo también indican la influencia más fuerte de la escuela italiana. Con las obras del gran Caravaggio, Se relacionan el trabajo y la evidente tensión interior y dinámica de todas las poses y gestos de los héroes llenos de expresión dramática.
La construcción compositiva de pinturas que representan dos dramas representados en el Calvario es fuerte y significativa. Cada personaje tiene su propio carácter único e individual, más plenamente revelado a través de la interacción con el medio ambiente y otras figuras. Las manos de Jesús ubicado en la parte central del lienzo de la Exaltación de la Cruz, no están muy separados, pero se extienden por encima de la cabeza, Su rostro está distorsionado por un intolerable ataque de dolor, sus dedos están fuertemente comprimidos, los músculos de todo su cuerpo están tensos. Los agudos escorzos de todas las figuras, los esfuerzos tangibles de los verdugos alzando la cruz, el resplandor inquieto de la luz y la sombra forman un solo impulso dinámico, uniendo naturaleza y hombre. El artista hizo todo lo posible para que los creyentes que miraban esta obra no tuvieran la menor duda sobre el mayor sacrificio que el hijo de Dios hizo por ellos.
El "Descent from the Cross" tiene un sonido interno completamente diferente. El plástico, agraciado, El cuerpo casi grácil de Jesús es ingrávido. Rubens compara su hermosa flor, cortado por una mano despiadada. Con un esfuerzo increíble, Sus allegados se esfuerzan por mantener el peso del cuerpo sin vida de Cristo. Junto a Jesús vemos a su madre y amigos, así como "la más amorosa y más débil de las mujeres, en la fragilidad, gracia y arrepentimiento de los cuales todos los pecados terrenales, perdonado, Sentido y ahora redimido, están encarnados ”, ubicado en el primer plano del lienzo. En general, la composición es concisa, en ella no vemos imágenes de tormentos insoportables, carcajadas, gestos agudos, lágrimas. Nuestra Señora reprime los sollozos. Solo sus ojos enrojecidos por las lágrimas en su rostro manchado de lágrimas y el gesto comedido de sus manos transmiten su inexpresable dolor.
En esta trama, el pintor se sintió atraído por las pasiones y experiencias humanas, que es probablemente la razón por la que él, experimentar personalmente la tragedia de perder a un ser querido, fue capaz de escribir este trabajo de manera tan convincente y brillante, contando sobre los dolores de los familiares sobre los Muertos. A diferencia de La adoración de los pastores, los trípticos creados revelaron toda la amplitud del talento de Rubens, reflejado en la escala de las imágenes, el poder de la generalización, el contenido profundo de la vida, combinado con entretenimiento vívido:estos son los rasgos característicos del estilo individual del maestro, que se puede ver en todas sus obras posteriores.
De modo que Rubens recibió de sus contemporáneos el título de "dios de todos los pintores". El enorme éxito del artista, que impresionó al público con extraordinaria monumentalidad, expresión y dramatismo de sus obras, atrajo a muchos estudiantes hacia él. Pronto, el estudio del pintor fue considerado la mejor escuela profesional de Flandes.
El artista siempre trató de desarrollar un don individual en cada uno de sus alumnos. Pero el número de personas que querían inscribirse en el entrenamiento de Great Rubens era tan grande que muchos tuvieron que negarse. Entre los "rechazados" se encontraban incluso amigos cercanos y familiares del maestro, lo que complicó seriamente su vida. Entonces, en una carta a su amigo Jacob de Bi del 11 de mayo, 1611, Rubens escribió:“Realmente no puedo aceptar al joven que me recomiendas. Estoy tan asediado por peticiones de todos lados que algunos estudiantes llevan varios años esperando a otros másteres para que yo pueda aceptarlos. "Puedo decir con total sinceridad, y sin la menor exageración, que me vi obligado a rechazar a más de cien candidatos, incluidos mis parientes o parientes de mi esposa, y esto provocó un profundo disgusto en algunos de mis mejores amigos ". También, el número de pedidos del pintor era increíblemente grande.
Para cumplir muchas de sus órdenes, Rubens se vio obligado a atraer a sus alumnos. El artista alemán Joachim von Zandrart escribió sobre esto:“Yoon (Rubens) siempre compuso él mismo la composición de la pintura del futuro en un boceto de dos o tres palmos de altura, según este boceto, sus alumnos ... pintaron un cuadro sobre lienzo, que luego pasó con un pincel o él mismo realizó los lugares más importantes. El artista escribió sus mejores obras por su cuenta. Zandrart elogió a Rubens como maestro. En su tratado sobre el maestro, señaló que siempre "entrenaba cuidadosamente" a todos sus pupilos y "los usaba de acuerdo con sus inclinaciones y habilidades". Grabadores arquitectos y escultores salieron del taller de Rubens, dirigidos por el artista en la dirección en la que eran más capaces. Muchos de los que estudiaron en el taller del pintor constituyeron posteriormente el orgullo y la gloria de la escuela flamenca. Los más famosos de sus alumnos son Franz Slider (1579-1657) y Anthony Van Dyck (1599-1641).
Artesanía inigualable
En el período comprendido entre 1615-1620, las obras de Rubens se vuelven aún más expresivas, adquirir complejidad compositiva, están llenos de movimientos rápidos y rasgos pronunciados del estilo barroco. Incluso las obras de este período escritas en escenas dramáticas están llenas de la plenitud y la dinámica del ser, un carácter que afirma la vida que impregna toda la composición. Los héroes de estas increíbles pinturas se volvieron extremadamente hermosos espiritual y físicamente. El artista se sintió atraído por temas que hablaban de la resistencia de un espíritu humano inquebrantable, su capacidad para explotar, el comienzo heroico, por ejemplo, la obra "El patrocinio de la mujer romana" y "Cristo en la corona de espinas", ambos alrededor de 1612, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo.
Para la figura de Jesús en la composición "Cristo en la corona de espinas", el artista utilizó su primer boceto italiano de la escultura antigua ampliamente conocida "Centauro". Esta técnica no fue una excepción, los bocetos de monumentos antiguos durante muchos años le sirvieron como una de las principales fuentes de inspiración. Pero en esta pintura, la fuerza excepcional del potencial creativo del maestro se expresó con especial claridad.
La figura de Cristo, comparado con una estatua antigua, conserva un espíritu bastante intenso, característica de la mayoría de las obras de Rubens. Es la expresión que el maestro plasmó en la imagen de la figura infinitamente trágica de Cristo, ubicado en el centro de la composición, da a la imagen una nitidez extraordinaria. Habiendo puesto una expresividad extraordinaria en el trabajo, el pintor logró un contraste armonioso perfecto del cuerpo brillantemente consagrado de Jesús y el fondo oscuro del lienzo, combinando así el brillo emocional con técnicas técnicas perfectas.
Siendo un brillante conocedor del arte antiguo, Rubens mostró un gran interés por los temas mitológicos. El artista nunca dejó de admirar la vida y la belleza del cuerpo humano. Cabe destacar que con todo esto, el pintor nunca copió las imágenes de los maestros antiguos, pero repensé los ideales clásicos, traducirlos al "idioma flamenco". Rubens admiró la belleza nacional de una salud, floración, cuerpo humano fuerte. Sobre todo el artista estaba interesado en la encarnación en la carne viva de una persona de su poder físico y movimiento. Y las mejores tramas para tal pintura podrían extraerse de la rica mitología griega. Los lienzos más famosos de este período fueron Bacanales (hacia 1615, Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin) y Secuestro de las hijas de Leucipo (circa 1618-1620, Pinacoteca vieja, Munich).
Todos los movimientos en estas pinturas son inusualmente emocionales, los gestos gestuales se ven enfatizados por las telas de ropa que se desarrollan rápidamente. Rubens construye con cariño composiciones complejas y espectaculares, prefiriendo usar diagonales, elipses o espirales para ellos.
Entonces, en la obra “El rapto de las hijas de Leucipo” tanto personas como caballos están representados en el momento de mayor estrés físico. Los cuerpos de las mujeres jóvenes que oran pidiendo ayuda forman un patrón complejo en términos de ritmos de color y estructura lineal. El general, La silueta “nerviosa” de un grupo que encaja casi a la perfección en el círculo es perturbada por gestos expresivos. El patetismo de la obra se ve reforzado por el horizonte excepcionalmente bajo, gracias a lo cual las figuras lucen aún más espectaculares, ondeando en un cielo nublado emocionado. La construcción compositiva está dominada por afiladas diagonales que van hacia arriba.
El gran poder del amor que puede superar cualquier obstáculo está representado por Rubens en la pintura Perseo y Andrómeda (1620-1621, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). Aquí, Perseo el hijo de Danai y Zeus, aparece ante nosotros como la máxima encarnación de un héroe capaz de cualquier hazaña. El ganador del monstruo marino de quien salvó a la bella Andrómeda, se representa con la cabeza de Medusa Gorgon en el escudo y numerosos artefactos mágicos que lo ayudan a hacer frente a cualquier obstáculo. La intensa dinámica interna de cada línea y forma, enfatiza el tema heroico de la obra. Las poses emocionadas de hermosos personajes en la imagen se perciben como el eco de una batalla reciente. Las figuras de la diosa de la gloria y los cupidos añaden composición al sonido del patetismo. La coloración del lienzo también contribuye a esto. Los desbordamientos de colores multicolores y la ligereza se logran mediante transiciones de tonos sorprendentemente transparentes a colores brillantes saturados. creando una sola sinfonía de la obra. El artista tradujo la conocida historia mitológica a la lengua viva de Flandes, añadiéndole muchos detalles realistas característicos de los habitantes de su país, revelando el contenido del mito de una manera nueva y al mismo tiempo sin perder nada del original.
Un lugar importante en el arte del siglo XVII lo ocupan los retratos de Rubens, relativo al período de madurez de su trabajo. Revelan todo el encanto del lenguaje pintoresco del artista. Creando obras de este género, Rubens actúa como un verdadero sucesor de las tradiciones del Alto Renacimiento, mientras se limita solo al marco de la semejanza externa, no profundiza en las características psicológicas y experiencias emocionales de los modelos. Absolutamente todos los héroes de los grandes flamencos rebosan de vida. Interpretó las imágenes masculinas y femeninas como les gusta ser representadas en los retratos de una dama:la primera belleza canónica adoptada, y luego semejanza individual. En sus retratos, el pintor transmitió a la perfección todos los signos necesarios de su época y la posición de sus modelos en la sociedad.
"Retrato de la reina María Médici" (hacia 1622, Prado, Madrid) puede servir como un ejemplo vívido de cómo Rubens pintó a las mujeres:una tez invariablemente hermosa, frente alta aristocrática, barbilla muy limpia y ojos brillantes y bien abiertos. Otra característica de todas las imágenes femeninas creadas por el pintor fue la elegante plenitud, como atributo invariable de feminidad y atractivo.
"Retrato del chambelán infanta Isabel" (hacia 1625, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) también sirve como un excelente ejemplo del retrato del maestro. Con la ayuda de reflejos dorados claros, reflejos fríos y sombras transparentes, el artista transmite el encanto brillante de una joven alegre. Rubens enriqueció generosamente la caracterización de sus modelos al afirmar su papel social. Los detalles jugaron un lugar importante en la estructura compositiva del retrato ceremonial, como girar la cabeza, una mirada espectacular, la posición de la figura en el espacio, un ambiente festivo. Él dotó a los aristócratas de un sentido de superioridad y un cierto grado de arrogancia, que al mismo tiempo no les privó de su encanto vital. Y el artista reveló todos los matices no dichos con la ayuda de un traje.
Cierto, hubo excepciones sorprendentes, por ejemplo, "Retrato de Elena Furman con dos hijos" (hacia 1636, Lumbrera, París) casi no tiene signos evidentes de un retrato de desfile barroco. No hay ropa lujosa y cara ni accesorios de lujo. Pero toda la composición de la obra está impregnada de una alegría serena y brillante. Las imágenes de madre e hijos están llenas de naturalidad y encanto expresivo especial. Este retrato se ha convertido en un verdadero himno a la maternidad y al papel crucial de la mujer en la vida de todo hombre.
Escenas de caza
Lejos de un lugar secundario en toda la obra del pintor estaba el tema de la caza. Rubens a menudo recurría a historias sobre la lucha entre el hombre y la naturaleza. Nadie mostró las feroces luchas de personas y animales de manera tan vívida y figurada como él.
Si antes, en las obras de sus predecesores, representando animales, el objetivo principal era generalmente demostrar su conocimiento de la estructura anatómica de los animales, y su apariencia en los lienzos, como una regla, se debió a temas mitológicos o bíblicos, luego comenzaron a desempeñar un papel independiente en Rubens. Creó un mundo vivo donde las personas y los animales lucharon en una batalla espontánea. Todos los lienzos de esta serie están imbuidos de tremenda tensión:las pasiones se calientan hasta el límite, las personas excitadas y los animales se atacan violentamente y sin miedo.
"La caza de tigres y leones" (1617-1618, Museo de Bellas Artes, Rennes) se escribió justo en el momento del mayor interés del artista por las escenas de caza y lucha. De 1615 a 1621, el pintor, a través de tales complots, se dio cuenta del objetivo principal de su arte:cantar el dinamismo de la vida y la encarnación de los momentos de la realidad, que permitía sólo una cierta fracción de la ficción. Las pinturas del artista no causan una impresión sombría, no emanan de agresiones, solo por la fuerza y el poder, Pasión incontrolable y ganas de vivir.
“Hay algo delicioso en este horror, ”Escribió su contemporáneo. Creando sus famosas escenas de caza, el maestro jugó con los sentimientos del público, haciéndole sentir empatía por lo que pasaba en el lienzo, y también utilizó el interés genuino de la audiencia por los animales exóticos.
En el siglo XVII, Europa solo descubrió el mundo desconocido de otros continentes. Todos ya han oído hablar de su existencia, pero muy pocos han presenciado personalmente a los moros, Árabes Tigres de bengala hipopótamos Jirafas africanas y elefantes indios. Rubens observó a menudo un exotismo similar en las colecciones de nobles ricos, para quien desempeñó su trabajo o con quien vio durante sus misiones diplomáticas.
El ciclo histórico de los monarcas franceses
La situación política en Flandes en la década de 1620 era extremadamente tensa, pero la vida del artista brillaba con todos sus colores. Supervisó el trabajo de pintores y grabadores en su taller, libros diseñados para varias editoriales para editoriales, cartón hecho para enrejado, y realicé bocetos para proyectos escultóricos y todo tipo de productos de artesanía. Su fama y éxito resonaron en todo Flandes, y pronto fue mucho más allá de sus fronteras.
Esto fue promovido por la orden más importante en la vida de Rubens, que recibió en 1621. En enero de 1622, el pintor fue a París para cumplir el contrato celebrado con la madre de Luis XIII, Maria Medici. La esencia del contrato era pintar para dos galerías del nuevo palacio en Luxemburgo a la vez.
Se suponía que la primera parte de las pinturas representaba escenas de la vida de la propia reina, y las segundas escenas que relatan el reinado de su difunto esposo Enrique IV. Desafortunadamente, la segunda parte de la orden nunca se ha ejecutado. Pero el primero de ellos trajo a Rubens un éxito sin precedentes.
La serie de obras "La vida de Maria Medici" (1622-1625, el Louvre, Paris) se convirtió en una obra histórica excepcional del artista. El programa de imágenes fue claramente compilado personalmente por la Reina, pero en la interpretación de las tramas, su secuencia y el orden de las figuras en la composición, al pintor se le dio una libertad considerable. Habiendo conservado la precisión y confiabilidad en la imagen de los héroes, sus disfraces y el medio ambiente, Rubens enriqueció la composición con numerosos detalles alegóricos y personajes mitológicos. Por ejemplo, en la escena en la que Enrique IV recibe un retrato muy embellecido de su esposa María, hay dos cupidos alados, como personificación del amor y el matrimonio, y Juno y Júpiter están observando favorablemente toda la escena, bendiciendo al rey con la elección correcta.
La serie incluye veinticuatro grandes paneles que nos relatan los acontecimientos políticos que tuvieron lugar en Francia a principios del siglo XVII. Creando cada imagen que entró en el ciclo, Rubens lo presentó como una obra independiente, cuales, al mismo tiempo, también formaba parte del plan general. Todas las obras de la serie están marcadas por la teatralidad, lujoso esplendor y decoración característica del arte barroco. A pesar de que el artista tuvo que atraer a sus alumnos para completar el pedido, la estructura monumental de las composiciones, paisajes espectaculares y fondos arquitectónicos, y el color elevado confieren a estas obras unas cualidades decorativas incomparables.
Desde 1621, Rubens, logrando trabajar en el ciclo de Maria Medici, Estuvo constantemente en viajes relacionados con las misiones diplomáticas de la Infanta Isabel. Durante uno de sus viajes, a mediados de 1626, su esposa probablemente murió durante una epidemia de peste. El ilustre artista y diplomático estaba muy afectado por la muerte de Isabel, quien fue su fiel novia y confiable trasero durante dieciséis años.
Pero el tiempo lo cura todo y cuatro años después, habiendo regresado a su tierra natal en Amberes, Rubens se casará con la hija de una de sus amigas Elena Furman. La belleza de dieciséis años cautivó a la artista con su belleza. Le dedicó muchos retratos, y su imagen se usaba a menudo para pintar cuadros sobre temas mitológicos.
Armonía y paz
En el período tardío de su obra, el artista se sintió más atraído por el género del paisaje. Esto fue facilitado por la adquisición de la finca rural del Château de Steen, ubicado a treinta kilómetros al sur de Amberes. La mayoría de los paisajes fueron hechos por el maestro "para ellos mismos", sin la participación de los estudiantes, therefore they are all distinguished by special perfection. The power and heroic power of the images of early works is replaced by calm and harmony of the unity of man and nature. Rubens often writes scenes of peaceful labor of peasants and cheerful rural holidays. In landscape works, the painter develops the traditions of Dutch art, introducing a new ideological value into them.
The earlier painting “The Carrier of the Stones” (circa 1620, the State Hermitage Museum, St. Petersburg) is somewhat dramatic. Rocks in the foreground seem to soar from the bowels of the earth, creating a severe obstacle to people and horses. In the later works of Rubens, intonations change, nature appears before us as a single way of being, where a person lives happily and calmly.
The central theme of the artist’s paintings is rural nature, full of beauty and epic grandeur. His paintings seem to come to life endless expanses, the pristine forces of nature, harmoniously combined with the powerful figures of peasants engaged in their daily work. In the works of “Kermes” (circa 1635, the Louvre, Paris) and “Peasant Dance” (circa 1635-1638, Prado, Madrid) we do not see everyday authenticity, only a generalized type of a strong and beautiful Flemish people, written with love by the master.
Working for his own pleasure, Rubens explored a new technique, trying to show the true nature, not embellished with theatrical effects. John Constable, a distinguished English landscape painter, wrote:“Rubens hasn’t shown his grandeur in any other genre as in landscape.”
All the last years of the master’s life, he was tormented by the severe form of gout. Pero, even when the left and then the right hands first refused, the artist did not leave the fortitude, optimism and cheerfulness. On May 27, 1640, Rubens made his will, and on May 30 a sharp attack of gout stopped his heart. Received a grandiose recognition during his lifetime, the great "god of painters" died.
Peter Paul Rubens was buried in a most solemn manner. Contemporaries in deep sorrow led him on his last journey. The coffin with the body of the painter was accompanied by the choir of the Church of Our Lady and a solemn procession of sixty torchbearers, and in front of him they carried a golden crown on a pillow of black velvet.
