Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911)
El maravilloso artista ruso Valentin Serov tuvo la suerte de nacer en una familia próspera y talentosa. Los padres del pintor eran personas talentosas y versátiles. Alexander Nikolaevich Serov, el padre del futuro artista, era un compositor, autor de las óperas Enemy Force, Judith y Rogneda. Fue considerado el mejor crítico musical de su época y también fue un gran artista original. En su juventud, iba a dedicarse a la pintura, pero luego se interesó por la música y se rindió por completo a ella.
Fotos de Valentin Alexandrovich Serov
Familia talentosa
Fue de su padre que Valentine heredó su extraordinario don, la capacidad de una percepción increíblemente precisa de la forma y el color, así como su gran amor por los animales, que Serov Sr. representaba con mayor frecuencia en sus lienzos. Alexander Nikolayevich se casó solo a los cuarenta y cuatro años, siendo ya un compositor consumado y un hombre maduro. Su elegida fue una joven pianista talentosa Valentina Semenovna Bergman, un ex alumno del músico.
El único hijo de los Serov nació el 7 de enero. 1865. Desde la infancia, Valentin estaba rodeado de personalidades creativas y extraordinarias de diversos orígenes sociales, quien se reunía regularmente en la casa del compositor y su joven esposa. Incluían a todas las personas talentosas de esa época, músicos científicos, escritores artistas y actores. Entre los amigos cercanos de Alexander Nikolayevich, que a menudo visitaba su casa, fueron el escultor Mark Antokolsky, el escritor Ivan Turgenev, con quien Serov era más cercano y el artista Nikolai Ge, el primero en inculcar en el pequeño Valentine, que se quedó con él de por vida, amor por los caballos.
La familia Serov a menudo celebraba lecturas literarias y conciertos, como espectadores a los que a menudo se invitaba a la doncella. Tales veladas educativas no fueron su invención personal, sino más bien un homenaje a la moda de entonces.
El pequeño Valentine solía acompañar a sus padres a la ópera. Y en 1869 se llevaron por primera vez a su hijo al extranjero. Después de este viaje, Serov, el más joven, recordó para toda la vida su visita a la casa del gran Richard Wagner, sin embargo, la impresión indeleble en el niño no fue hecha por el famoso compositor mismo, sino por una jaula con extravagantes faisanes y su enorme perro. Con una vida tan aparentemente interesante, Valentine desde la infancia no se echó a perder por la atención de los padres, que cada uno vivía en su propio trabajo.
En 1871, cuando el futuro artista tenía solo seis años, su padre falleció. El tiempo de las serenas recepciones en la sala de estar y las lecturas literarias quedaron para siempre en el pasado. Ahora vivían con su madre en Munich (de 1872 a 1873). Estos dos años fueron muy fructíferos para el pequeño dibujante. Mientras vivía en un hotel, Serov conoció al ya famoso pintor Kegshing, que estaba interesado en un chico talentoso. Kegshing no solo comenzó a llevar al niño a los estudios, para ayudarlo con asesoramiento profesional, pero también influyó en Valentina Semenovna, recomendándola para desarrollar y fomentar el talento joven de todas las formas posibles.
Creyendo que las habilidades del hijo pueden convertirse en su destino, La madre de Serov comenzó a alentarlos y desarrollarlos conscientemente. Entonces, en 1874, Valentine, de nueve años, se mudó con su madre a París, donde estaba Ilya Repin en este período. La decisión de Valentina Semenovna de recurrir a Repin con una solicitud para educar a su hijo fue la elección más exitosa en la vida de un futuro pintor.
Fue Ilya Repin quien fue el único maestro que pudo desarrollar y revelar completamente las habilidades del joven Serov. Entonces, el niño comenzó las primeras lecciones de dibujo regulares y serias. Repin en ese momento trabajó en París en las pinturas "Café" y "Sadko", hizo muchos bocetos de la naturaleza, sin olvidar dar asignaciones al alumno constantemente. El joven Valentin Serov recibió en ese momento amable muchos consejos valiosos, consejos y aclaraciones, que luego recordó toda su vida. Repin le permitió copiar su trabajo, a veces pedía escribir ciertos objetos de memoria, pero prestó más atención a dibujar de la naturaleza.
El aspirante a artista se rindió por completo a su afición, dedicando todo su tiempo libre a ello. Durante el día pintaba y por la noche hacía bocetos y dibujos sin cesar. Gracias a la actitud seria de su madre, muchas de las obras de los estudiantes de Serov se conservaron perfectamente. En sus primeros álbumes, la mayoría de las pinturas y bocetos dedicados a los caballos. Por supuesto, Serov también pintó otros animales, pero fueron los caballos los que se convirtieron en su amor por la vida.
Este fue sin duda un período fructífero en la formación del gran pintor ruso. Pero con toda la aparente prosperidad, la vida de un niño de nueve años en París era solitaria y aburrida. Su madre, completamente inmersa solo en su trabajo, estuvo constantemente ausente durante el día, y por las tardes asistía a la ópera. Valentine se quedó solo durante mucho tiempo, dejado a sus propios dispositivos. Esta retirada forzada dejó su huella en el carácter de Serov, dándole la hosquedad y el aislamiento que el artista había conservado a lo largo de su vida.
La influencia de Savva el Magnífico
Como muchos residentes talentosos de Moscú, La madre de Valentin Serov estaba familiarizada con Savva Mamontov, que fue un gran éxito para el futuro artista. Este filántropo e industrial estuvo en el centro de la vida espiritual e intelectual de Moscú de la segunda mitad del siglo XIX. Reuniendo todo el color de la intelectualidad artística rusa a su alrededor, Mamontov brindó a los invitados en su finca de Abramtsevo una oportunidad única para inspirarse, gratis, no agobiado por nadie, incluidos los problemas económicos y la vida de la creatividad. Durante más de veinte años, la finca Mamontov cerca de Moscú era un centro importante de la cultura rusa, donde los artistas, a veces durante todo el verano, vino a comunicarme, compartir experiencias y compaginar el trabajo con el ocio.
A menudo vive con su madre en "Abramtsevo", Valentin Serov desde la infancia participó directamente en casi todas las áreas de la creatividad, que fue desarrollado por este entorno creativo de entusiastas y personas de ideas afines del arte nuevo. Aquí se desarrolló su brillante y multifacético talento. El club Abramtsevo, apoyado por Savva Mamontov, abrió dos talleres de arte a la vez:cerámica y corte de carpintería, donde se revivieron antiguas artesanías y artesanías. También se prestó gran atención al teatro. Serov participó con placer en las actuaciones en casa de Mamontov, realizó brillantemente papeles cómicos de animales, mientras tiene un éxito rotundo. No es de extrañar que Valentine creara sus primeras y más inspiradoras obras que le dieron fama, tal como, por ejemplo, La chica de los melocotones, en esta maravillosa finca.
Pero, la influencia benéfica del círculo de Abramtsevo apareció mucho más tarde, y al principio, llevado a cabo por un joven talento en la finca de Mamontov, no benefició su talento. Según el biógrafo del artista Igor Grabar, en el verano de 1875, cuando Valentina Semyonovna trajo por primera vez a su hijo a la finca, el niño abandonó las clases regulares de dibujo y todos sus álbumes, dejarse llevar por la vida divertida y despreocupada de los niños Mammoth. Lo que no dejó de reflexionar sobre sus habilidades artísticas. Los pocos dibujos de la época en los álbumes de sus hijos solo sirven como confirmación de que las habilidades innatas sin práctica no significan mucho. porque el talento original del pintor y las habilidades de dibujo se pierden rápidamente sin un trabajo constante para crecer y mantenerlos. No en vano dicen que el verdadero genio es el 10 por ciento del talento y el 90 por ciento del trabajo duro.
Así sucedió con Serov, sin un entrenamiento constante para mejorar la precisión del trazo y mostrar el color y la forma, el joven artista empezó a dibujar mucho peor. Por lo tanto, en el otoño, su madre lo llevó a San Petersburgo, donde el viejo amigo de la familia, el artista Nikolai Ge, comenzó a cuidar el talento de Valentin, cultivándolo y perfeccionándose. Pronto, gracias al cuidado de Ge, se hizo obvio que Serov entró en una nueva ronda de desarrollo.
Luego, Valentine y su madre se mudaron de nuevo. Esta vez en Kiev, donde pasaron unos tres años, que se convirtió en el más feliz en la vida de madre e hijo. En Kiev, el niño ingresó a la escuela de dibujo, habiendo entrado en la clase de Nikolai Murashko, Viejo amigo de Repin en la Academia de Artes.
Mejores educadores
Decidiendo no limitar el desarrollo de su hijo a una educación artística, Valentina Semenovna regresó a Moscú nuevamente y organizó a su hijo en un gimnasio de Moscú. Aquí, la madre del artista volvió a dirigirse a Repin, pidiéndole que reanude las lecciones. La familia del pintor recibió a Serov con los brazos abiertos, y sus lecciones continuaron a un nivel aún más alto.
El mismo Repin señaló que, a pesar de la pausa constante en las clases, Valentin hizo un excelente progreso, y el trabajo muy exitoso inculcó en el propio niño la creencia de que nuevamente logró retratar todo lo que había planeado. Valentine creyó en sí mismo y luego abandonó casi por completo sus estudios en el gimnasio. con gran pasión entregándose a su pasatiempo favorito. En el final, el director del gimnasio se dirigió a la madre del joven artista con una propuesta de trasladar al niño a una institución especial, donde su don pictórico pudiera desarrollarse plenamente. Así que el chico finalmente se mudó a Repin. Ahora, sus estudios de dibujo y pintura no se detuvieron en nada más.
Igor Grabar escribió en sus memorias:“Incluso Repin ya lo ve como un artista, no un adolescente, e incluso posa para él para un retrato, mientras dibujaba al propio Serov. Serov, de 14 años, se ve sombrío y hosco, un hábito de lobo puramente "Serov" reconocible, que conservó hasta los últimos días. Y detrás de esta apariencia lúgubre se esconde un corazón bondadoso y el alma más tierna y pura. Repin pinta un retrato de Serov, y Serov pinta el retrato más preciso de Repin que jamás se haya hecho. Tiene toda la esencia Repin:su look, su encanto, su sonrisa, incluso su eterna vergüenza - en una palabra, absolutamente todo lo que todos sabíamos tan bien, y que mantuvo hasta los 70 años. "
Ingresó en la Academia de las Artes en 1880, Serov terminó en el estudio del famoso profesor Pavel Chistyakov, quien se distinguió por un estilo de enseñanza extremadamente duro, criticando y ridiculizando cada golpe inexacto de sus alumnos. Estos métodos del profesor ayudaron al artista a desarrollar una manera reflexiva y pausada de representar la naturaleza. Como su maestro, Valentin Serov no podía tolerar la prisa y la aproximación en el dibujo y la pintura.
Respondiendo preguntas sobre su laboriosa manera de escribir, el pintor dijo:"De lo contrario, No se escribir que es mi culpa, No sé cuánto me encanta ". En efecto, No sería justo decir que Serov no poseía técnicas de imagen ultrarrápidas. Exigiendo para sus retratos al menos cuarenta sesiones de poses (y sucedió que este número llegó a las cien), el talentoso artista hizo bocetos instantáneos a la perfección y dominó perfectamente el arte de los bocetos a lápiz de alta velocidad.
Valentin Aleksandrovich con su habilidad inherente fue capaz no solo de captar la forma reconocible de la figura y la cabeza, sino también para transmitir con un toque claro y preciso todos los rasgos característicos de su apariencia, hasta una expresión capturada instantáneamente en su rostro. Estos breves bocetos rápidos son más fuertes que otros trabajos, puedes juzgar la asombrosa habilidad del artista.
Entrenando su mano en los bocetos ultrarrápidos de desfiles y maniobras militares, dibujando oficiales y soldados, Serov no se esforzó en absoluto por la semejanza del retrato, pero, incluso en contra de su voluntad, hizo retratos genuinos. El ojo preciso y la mano inconfundible del maestro no sabía cómo de otra manera. El pintor podía permitirse escribir composiciones complejas sin ningún boceto preliminar a lápiz, inmediatamente con un pincel de acuarela. Carbón, un pincel y un lápiz le obedecían implícitamente. Por lo tanto, pintó niños que nunca posaron para él con tanta confianza como retrataba a los adultos durante meses, agotarlos con largas sesiones de poses.
Solo cinco años después de la admisión, Serov deja la Academia, sintiéndose un maestro ya hecho. Toda su vida futura, su constante superación creativa se realiza de acuerdo con un horario libre en el trabajo continuo.
En 1885, Serov pintó el cuadro "Bueyes" (Galería Estatal Tretyakov, Moscú), Un año después, el cuadro "Tarde de otoño en Domotkanovo" (Galería estatal Tretyakov, Moscú), y “Invierno en Abramtsevo. Iglesia ”(Galería Estatal Tretyakov, Moscú). La formación del estilo de pintura de Valentin Serov tuvo lugar bajo la influencia de dos venerables pintores:Repin y Chistyakov, y sus escuelas de arte.
Sin embargo, ya a los veinte, el artista no tenía nada en común con el estilo y la técnica de escritura con ninguno de los profesores, porque él desarrolló el suyo, forma única de actuación, que no se puede confundir con ninguna de las técnicas conocidas en la historia del arte. Esto a pesar del hecho de que las pinturas de Serov son muy diversas en ejecución.
El pintor nunca se detuvo en ninguno que encontró con éxito y una vez encontró la manera de resolver el problema, como suele ser el caso de otros pintores. Todo el tiempo buscando nuevos enfoques, trató de elegir para cada trama en particular la forma y técnica más apropiadas de expresión artística. Durante todo el período de su obra. Serov buscó constantemente y encontró formas aún más precisas de expresar su actitud hacia el objeto, nunca estar satisfecho con los que ya se utilizan.
Innovador de las bellas artes rusas
A Serov se le llama a menudo el primer impresionista ruso, comparando su obra con pinturas de Renoir. A pesar de que, algunos historiadores del arte creen que el artista ruso estaba incluso por delante de su predecesor en la vivacidad de los colores, la elegancia de la transmisión de la luz y la nobleza de los tonos.
Si Renoir solía usar brumoso, vagas transiciones en su obra, creando algo de eufemismo, luego Serov, de lo contrario, por todos los medios a su alcance, demostró transparencia y profundidad de fondo y un brillante triunfo de la vida en él. En las obras del artista a menudo se puede ver un extraño cambio de luz y sombra, desbordamiento inimitable de tonos claros y un juego con reflejos.
Incluso en sus oscuros retratos clásicos, Serov pudo introducir un acento ligero de tal manera que enfatizó y enfatizó la personalidad de la persona representada. Valentin Aleksandrovich prescribió incluso pequeños detalles y objetos con gran confiabilidad, consolidando su fama de artista muy meticuloso que da importancia a cada elemento.
Es de destacar que el artista pintó sus lienzos en las mejores tradiciones del impresionismo mucho antes de que pudiera ver las pinturas mismas de representantes de esta dirección, Nacido en Francia y viajando por Europa a Rusia solo dos décadas después.
Un genio tan sensible, como Serov, con todo su ser tomó ideas innovadoras, de repente comenzó a trabajar de una manera completamente nueva e inusual para nuestra escuela de pintura, llamado el nuevo realismo. Podemos juzgar la impresión que la primera muestra de las obras del joven Valentin Serov hizo al público, según la grabación realizada en la monografía de Igor Grabar, quien escribió:"La antítesis" verdad de la vida y verdad del arte "se puede simbolizar en los siguientes nombres:Manet y Courbet en Francia, Aable y Menzel en Alemania, Serov y Repin en Rusia. Recuerdo la primera vez que sentí todo el significado de esta antítesis. Fue en 1888. Para nosotros, los entonces adolescentes, los primeros días de las dos únicas exposiciones de Moscú de esa época, lo periódico y lo móvil, fueron unas verdaderas vacaciones, los días más felices del año… La exposición fue tremendamente significativa. Ahora está claro que esto no sucedió ni antes ni después ... estaba destinada a desempeñar un papel muy importante en la historia de nuestra última pintura ... Los más significativos de todos fueron ... dos lienzos para entonces desconocidos para Serov, dos de esas perlas, que si fuera necesario nombrar solo cinco de las pinturas más perfectas de toda la pintura rusa más reciente, entonces, inevitablemente, ambos tendrían que incluirse en esta lista ... ".
La monografía trata de dos retratos que instantáneamente elevaron al pintor de veintidós años a una altura inalcanzable. Esta obra es "Una niña con melocotones" (1887, la Galería Estatal Tretyakov, Moscú) y "Una niña iluminada por el sol" (1888, la Galería Estatal Tretyakov, Moscú). El primer lienzo causó sensación durante el período de lúgubre realismo y el aparente predominio de los colores oscuros y apagados en la pintura. Sobre este trasfondo, el impacto emocional de la radiante pintura de Serov, lleno de luz del sol, cuyos rayos atraviesan la habitación, con una suave transición de todo tipo de tonalidades, la encantadora calidez de los colores pastel, todos juntos no era solo una palabra nueva, pero un soplo de viento fresco de cambios en el arte ruso.
El propio pintor describió el trabajo en la pintura:“Todo lo que logré fue frescura, esa frescura especial que siempre sientes en especie y no se ve en los cuadros. Escribí durante más de un mes y la atormenté, pobre, a muerte, Tenía muchas ganas de conservar la frescura de la pintura cuando estuviera completamente terminada, como viejos maestros… ".
El lienzo representa a un niño específico:Verusha Mamontova, pero la obra en sí era mucho más composición que un retrato de una persona en particular que su nombre general - "Chica con melocotones" se hizo famoso. El trabajo es como tejido de la luz del sol y la alegría, llenando la habitación hasta el borde, envolviendo todos los objetos con un halo resplandeciente. Rayos de luz se deslizan por las paredes, caer sobre un mantel blanco, jugar en los hombros y mangas del vestido rosa de la niña, penetrando a través de la fina tela, cálido "conejito" yace sobre la piel oscura de las mejillas. Parece como si el aire de la habitación estuviera sonando y transparente, lleno del delicado olor de los melocotones y chispeantes chispas de oro.
La pintura está pintada con colores tan llenos de luz que transmiten la realidad de manera única y precisa que la armonía de la verdadera vitalidad se superpone a la indudable belleza de esta obra y respira literalmente en cada tema representado. Los ojos oscuros de Verusha brillan con espontaneidad infantil, detrás de la cual también se adivina su inquietud, el niño apenas reprime una sonrisa, ya está impaciente por morder el melocotón elegido, que sostiene con una mano bronceada increíblemente pintada. Todo el look de la chica desde un mechón de cabello alborotado hasta un poco de risa en sus ojos, está llena de energía incansable y le da una naturaleza viva y curiosa. Incluso después de más de cien años, la niña de doce años de la imagen sigue viviendo una vida sin preocupaciones.
Incluso los melocotones de la imagen participan en la acción. Están escritos con una imaginación literalmente sorprendente. Su piel aterciopelada es casi palpable físicamente. Los respaldos de las sillas y el tablero de la mesa pulido también tienen un contorno asombroso. De una manera incomprensible, Serov logra transmitir la textura de las cosas desde el pulido brillante hasta el terciopelo mágico, Absorbe suavemente la luz y armoniza armoniosamente con la misma piel aterciopelada de un niño. La Sociedad de Amantes del Arte de Moscú otorgó el premio al joven Valentin Serov por este trabajo.
Otro trabajo:"La niña iluminada por el sol" (retrato del primo de Serov, M. Ya. Simonovich), es otro lienzo solar, en el que el artista prestó especial atención a la transmisión del cautivador juego de luces y sombras. Una niña sentada debajo de un árbol está envuelta en un patrón de follaje de encaje atravesado por el sol de una tranquila tarde de verano. Su rostro está tranquilo toda su postura es femenina y relajada, como si estuviera en el reino del descanso y la paz. El desbordamiento calado del resplandor del sol inunda la blusa y la piel de la heroína. Están escritos en trazos casi de mosaico, creando un contraste con la falda azul violeta de terciopelo inesperadamente suave. De nuevo, el pintor fue capaz de transmitir con una precisión increíble el desbordamiento de terciopelo de la tela con varios trazos largos. La obra traza un ritmo de vida completamente diferente al de la “Chica con melocotones” escrita un año antes. Estas dos obras parecen superponerse, como si fueran alegorías pictóricas:infancia y adolescencia, alegría descuidada y contemplación soñadora. Mucho más tarde, en noviembre de 1911, justo antes de su muerte, Serov, junto con Igor Grabar, Miré este lienzo en la Galería Tretyakov. "Estuvo ante ella durante mucho tiempo, "Grabar recuerda, “Mirándola intensamente y sin decir una palabra. Luego hizo un gesto con la mano y dijo:no tanto para mí como para el espacio:"Escribí esto, y luego toda mi vida, no importa lo hinchado que sea, no salió nada, luego se agotó todo ”. Grabar recuerda, - mirándola intensamente y sin decir una palabra. Luego hizo un gesto con la mano y dijo:no tanto para mí como para el espacio:"Escribí esto, y luego toda mi vida, no importa lo hinchado que sea, no salió nada, luego se agotó todo ”. Grabar recuerda, - mirándola intensamente y sin decir una palabra. Luego hizo un gesto con la mano y dijo:no tanto para mí como para el espacio:"Escribí esto, y luego toda mi vida, no importa lo hinchado que sea, no salió nada, luego estaba todo agotado ".
Por supuesto, diciendo eso el pintor era demasiado crítico consigo mismo. Todos sus trabajos posteriores solo confirmaron su notable talento, que simplemente buscaba constantemente nuevas formas de expresión, permitiendo a su dueño mostrarnos la realidad a través de nuevas formas de su percepción única.
Vida personal y pública del maestro
En una carta de Venecia a la novia Olga Trubnikova, Serov en 1887 escribe sobre su fascinación por los "maestros del Renacimiento del siglo XVI":"Les era fácil vivir, despreocupado. Quiero ser así:despreocupado; en este siglo escriben todo lo difícil, nada alentador. Quiero, Quiero algo bueno y solo escribiré algo bueno. " Dos años después, en enero de 1889, Olga Trubnikova y Valentin Serov se casaron en San Petersburgo. Después de 10 años, en 1999, el artista retrató a sus hijos Yuri y Sasha en el cuadro "Niños" (Museo Ruso, San Petersburgo).
Serov fue un talentoso retratista. Sus primeros modelos eran personas familiares y cercanas a él:escritores, artistas artistas. A menudo pintaba retratos de sus amigos:Rimsky-Korsakov, Korovin, Repin, Levitan y Leskov.
Para cada nuevo trabajo, el artista eligió un estilo especial, enfatizando la individualidad de sus personajes. Por ejemplo, creando el cuadro "Retrato de Konstantin Korovin" (1891, Galería estatal Tretyakov, Moscú), el maestro representó a su amigo de una manera completamente "Korovin", utilizando grandes trazos libres y los colores inherentes a Korovin, enriqueciendo así las características personales del artista. Ropa de casa, una pose libre y todos los alrededores transmiten con mucha precisión el temperamento y la apariencia de Konstantin.
El retrato de I. I. Levitan (1893, Galería estatal Tretyakov, Moscú) fue ejecutado de una manera completamente diferente. Para él, Serov encuentra otros medios gráficos, una diferente, color más sobrio. La frente alta aristocrática y la mano elegante se destacan en el lienzo con dos puntos de luz, todo lo demás está absorto en el tranquilo crepúsculo parduzco. No hay un solo objeto en la imagen, al menos insinuando el tipo de actividad de la persona retratada, aunque Levitan posó en su taller. Para Serov, era mucho más importante transmitir el carácter de su amigo, su romance, melancolía, tristeza constante, consideración y poesía.
Valentin Serov llevó una vida pública activa. Desde 1894, comenzó a participar en la Asociación de Exposiciones de Arte Itinerantes. Tres años despues, en 1897, comenzó a enseñar en la Escuela de Pintura de Moscú, Escultura y Arquitectura. Entre sus estudiantes se encontraban artistas como Pavel Kuznetsov, Nikolai Ulyanov, Nikolai Sapunov, Martiros Saryan y Kuzma Petrov-Vodkin.
Los intereses del artista no se limitaron a los animales y los retratos de amigos, como dijo el propio Serov:"Todavía soy un pequeño paisajista". Sus paisajes son sorprendentemente lacónicos y sin pretensiones, lo que no les impide transmitir de manera increíblemente sutil el estado de ánimo de la naturaleza circundante. Es más, el artista tenía un talento perfectamente desarrollado para elegir rincones increíbles para sus paisajes.
Al pintor le gustaba trabajar principalmente en la imagen del pueblo ruso. Sobre todo le gustaba la franja central de Rusia, que representó hermosa y sutilmente en las pinturas "Mujer en un carro" (1896, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo), "Octubre" (1895, Galería estatal Tretyakov, Moscú), "Invierno" (1898, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo), "Hacer gárgaras" (1891, paradero desconocido), "Mujer con un caballo" (1898, Galería estatal Tretyakov, Moscú), y "Striguni en un lugar de riego" (1904, Galería estatal Tretyakov, Moscú).
A principios del siglo XX, a saber, de 1900 a 1904, el artista era miembro de la asociación “World of Art”. Durante este período, Serov se dejó llevar por la imagen del reformador zar Pedro I, a quien dedicó varios de sus hermosos lienzos. En este momento, el pintor comienza a interesarse profundamente por los procesos políticos que tienen lugar en su tierra natal. Quizás esto es precisamente lo que despertó el interés por la figura de Pedro, quién vivió, como el propio Serov en la era del cambio.
La obra del artista "Pedro I en la caza del perro" (1903, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo) es muy revelador. Según la trama de la imagen, el joven rey decide dar una lección a los nobles que se jactaban de su éxito en la caza de perros. Peter decide demostrar a los orgullosos que su suerte depende enteramente de la habilidad de los sabuesos. El rey organiza una cacería en la que no hay una sola perrera, obligando a los propios boyardos a hacer frente a la manada. Naturalmente, hay un completo caos, solo por la diversión de Peter. Muchos cazadores venerables se caen de sus caballos, ser incapaz de controlar a los perros. En este trabajo, Serov logró transmitir de manera inusualmente confiable el sabor del invierno ruso y el estado de ánimo de todos los participantes en la escena.
Otro cuadro del artista, escrito un poco más tarde, en 1907, "Peter I" (Galería estatal Tretyakov, Moscú), está dedicado al Gran Reformador Ruso. Aquí vemos a la vez una escena muy patética y muy dinámica, lleno del espíritu de las rápidas transformaciones de esa era heroica. Pedro I avanza rápidamente hacia el viento, prácticamente arruinando su séquito. La imagen está diseñada para enfatizar la grandeza, fuerza y determinación del soberano.
Serov logró ser académico, habiendo sido elegido en 1903 miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes. Pero esto no duró mucho. Dos años después, el artista abandonará el estatus honorario en protesta contra la ejecución masiva el 9 de enero, 1905.
El pintor también participó en la organización de la publicación satírica “Zhupel”, dibujando para él caricaturas de orientación política. También, durante unos quince años, Veerov creó ilustraciones de animales para las fábulas de Krylov. Fueron estos dibujos los que se convirtieron en la creación favorita del artista; las repitió muchas veces, buscando con especial cuidado los rasgos y emociones necesarios. Ya en sus años maduros, Serov creó una serie de obras maestras del neoclasicismo y el modernismo ruso en pintura y gráficos, demostrando una vez más su versatilidad y la búsqueda constante del estilo y forma de pintar.
En 1907, el maestro visitó Grecia, que le dejó una huella imborrable con sus esculturas y monumentos. Serov creó varios cuadros decorativos sobre paneles dedicados al tema antiguo:"Ulises y Navzikaya" (existe en varias versiones) y la leyenda poética sobre "El rapto de Europa" (ambas obras de 1910, Galería estatal Tretyakov, Moscú). El toro Zeus representado en la última imagen es sorprendentemente vivo, con una mirada completamente significativa, mientras la cara de la niña, de lo contrario, es como una máscara antigua, alegóricamente congelada y sin emociones.
Como muchos artistas de la época, Serov colaboró con los teatros. Su telón para el ballet "Scheherazade", una verdadera obra maestra de las bellas artes, creado en 1911, fue un éxito rotundo en Londres y París.
El mejor retratista de Rusia.
La gloria de un retratista talentoso se convirtió para Serov en una verdadera esclavitud y una maldición. Después de 1895, Los pedidos de retratos de la nobleza burguesa y aristocrática se derramaban sin cesar sobre el artista. A pesar de la enorme laboriosidad, el pintor soñaba con dibujar personas no seculares en absoluto, pero animales, por eso trabajó con gran entusiasmo en la creación de ilustraciones para fábulas. Pero, junto con el crecimiento de la habilidad del artista, su fama de mejor retratista de Rusia creció constantemente.
El retrato de S. M. Botkin (1899, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo) habla del gran talento de Serov como artista-psicólogo. El pintor no pudo resistirse a hacer un poco de ironía en los retratos profanos. La elegante Sofya Botkina con un lujoso vestido dorado bordado con flores artificiales se encuentra en un sofá tapizado en seda azul, adorno floral ricamente tejido. El artista estaba molesto por este lujo fantasioso del interior, la excesiva abundancia de oro y la propia dama, a quien llamó la "amante aburrida". La obra, lleno de sutil ironía, inmediatamente después de la publicación, fue apodada la "dama en el sofá en el desierto".
En efecto, el artista ha difuminado tanto el fondo de la imagen que parece extenderse mucho más profundo, como si estuviera más allá del horizonte. Pero esto no es lo más interesante del retrato, contra todas las leyes de la composición, Serov movió a la "amante" posando del centro a la derecha, y estrictamente en el centro del lienzo plantó un diminuto galgo italiano, escrito con casi más cuidado y amor que su elegante y lujosa amante. El artista estaba seguro de que la presencia de animales agrega naturalidad a las posturas tensas y elaboradas de las personas.
El ejemplo más sorprendente de lo anterior es el "Retrato del Gran Duque Pavel Alexandrovich" (1897, Galería estatal Tretyakov, Moscú). En eso, el príncipe mismo está representado en un tiempo antinatural, como pose congelada, mientras que su caballo - sensible, dinámico, con ojos inteligentes:le da al lienzo dinámica y naturalidad. Para este retrato ceremonial, que fue uno de los primeros retratos de este tipo en la carrera del artista, Serov recibió la medalla de oro del Gran Premio en la exposición mundial de París en 1900.
La imagen en los retratos de animales se convirtió en una especie de salida para el artista. Entonces, en "Retrato del Conde F. F. Sumarokov-Elston con un perro" (1903, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo), el propio pintor insistió en la presencia en el lienzo de su amado perro un joven conde, OMS, en el final, Parece casi más significativo su noble dueño. La misma historia con un magnífico caballo blanco en el "Retrato del príncipe F. F. Yusupov" (1903, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo).
Según los contemporáneos de Serov, es su pincel el que posee el mejor retrato del último zar ruso. El cuadro "Retrato del emperador Nicolás II" (1900, Galería estatal Tretyakov, Moscú) no fue fácil para el artista, quién era menos adecuado para el papel de pintor de la corte, según sus aspiraciones creativas y disposición espiritual. El pintor ya era famoso, tenía una gran cantidad de pedidos, que a menudo rechazaba debido a la imposibilidad física de hacer todo.
Por supuesto, Serov no quería pintar un retrato del gobernante del poder, pero tampoco podía negarse al emperador mismo. El retrato no funcionó durante mucho tiempo. Sobre todo the empress annoyed the painter, who constantly intervened in the creative process with her advice. Como resultado, Serov could not stand it and gave the brush with the palette to her hands, offering to finish the portrait herself, since she is so good at painting. Never being arrogant Nikolai, apologized to the artist for the tactlessness of his wife. But the portrait still eluded the sharp eye of the master, the image of the emperor conveyed by him was falling apart. Serov was extremely dissatisfied with himself, he could not finish the failed picture, this would have hurt his pride too much for Russia’s best portrait painter. In the end, the artist had to admit to the sovereign that he could not continue, since the portrait did not succeed.Emperor Nicholas II, dressed in a plain jacket of an officer of the Preobrazhensky regiment, reconciled with the situation, sat down at the table, folded his arms in front of him and looked at the portrait painter with genuine sadness. It was this view, revealing the inner essence of the emperor’s personality, perfectly characterizing his delicacy and vulnerability, that Serov needed.
After many years, Konstantin Korovin will speak of the canvas like this:“Serov was the first of the artists who caught the softness, intelligence, and at the same time the emperor’s weakness, and captured them on canvas…” In its execution, the portrait is almost sketchy, but thoughtfully accurate and harmonious, completely lyrical and simple. A surprising similarity of the emperor was noted by all contemporaries. The artist was able, with the light movements of the brush, emphasized by simple execution and discreet color scheme, to concentrate the attention of the viewer in the eyes of the sovereign, showing not the emperor, but a simple man, with his anxieties, concerns and expectations. Thanks to this approach, the portrait turned out to be very successful. Desafortunadamente, the original canvas was destroyed in 1917, an original copy has come down to us.
Often the artist wrote symbolic works. As, por ejemplo, the painting "Portrait of Actress M.N. Ermolova" (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow). The architect Fedor Shekhtel, seeing the work, said that:"This is a monument to Ermolova!" Y, indeed, the canvas is monumental, and the great actress herself resembles an ancient sculpture or even a column directed upward. Ermolova’s head is written against the background of a mirror reflecting the ceiling, which creates the illusion of the ascension of the actress’s figure, like a caryatid. The monochrome and chamber nature of the portrait seems to elevate the heroine on a pedestal, while emphasizing the stamp of exclusivity and loneliness of the creative person.
The painter liked to portray artists in their theatrical roles. Serov created the wonderful “Portrait of Francesco Tamagno” (1903, State Tretyakov Gallery, Moscow), where the magnificent singer is captured in a theatrical beret, and a symbolic reflection of gold is visible on his throat. The second example is the “Portrait of Chaliapin” (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow), which was famous for the fact that in life it almost never left the stage image that had become familiar.
But the peak of the artist’s skill was “Portrait of Ida Rubinstein” (1910, State Russian Museum, St. Petersburg), depicted in the image of Cleopatra. It was not for nothing that the choreographer Mikhail Fokin considered the appearance of the ballerina indispensable for the then fashionable ballets Scheherazade and Cleopatra in the famous Diaghilev seasons. The idea was the charismatic sophistication of Art Nouveau, a la Beardsley, and the perfect match with the tastes of that era. Rubeinstein appeared in Cleopatra, barely covered by an almost transparent coverlet, which Lev Bakst invented specially for her.
The artist brilliantly combined art and life in this picture, bringing together the theatrical images of the heroine with her stylish, east-exotic appearance. Cleopatra and Zobeida forever united in the silhouette of a ballerina, the East fused with Egypt on the fine line of fiction and reality.
But a living person in this paradoxical fusion of the "theater of life" and the "truth of art" is defenseless in his nakedness. The mythological “beautiful nudity” of a fictional heroine suddenly transforms into the shameless “undressing” of a specific real person, and this was precisely the most piercing note of the portrait.
Naturally, when the portrait was presented to the public, a terrible scandal erupted. “My poor Ida Rubinstein… poor, naked…”, Serov himself will comment, describing the scandal when, in spite of the rising wave of indignation, the portrait was acquired by the Museum of Alexander III.
The picture is made in the Art Nouveau style. The clearly defined contours of a fragile body make the figure seem to be embossed on a completely flat background. A bright green scarf, almost twisted into a bundle, streams along the graceful ankles of a ballerina, resembling a snake at death hour. This moment weaves as if by chance into a portrait the theme of imminent death. The heroine’s look is almost absent, farewell, otherworldly, stopped by the artist at that almost elusive moment, when the angle of the head’s rotation still allows you to touch. There is no doubt that this is the last, already doomed look of the Egyptian queen, which she sends to the world before turning forever into stone.
This canvas literally stunned Ilya Repin, like a bolt of thunder from a clear sky:"… and, like Venus from the sink, " Ida Rubinstein "appeared… It seemed to me that the ceiling of our slippery pavilion fell on me and crushed me to the ground; I stood with the tongue sticking to the larynx… ”, the artist described his impressions. Naturally, secular criticism subjected the work to a ruthless smash:"bad imitation of Matisse", "decadentism", "ugliness". But, despite all the violent critical cries, Serov was very proud of his work.
Each time, preparing to create a new portrait, the painter sought to avoid any repetition of the angle, pose, surroundings or gesture. He took a long look at the new model, made sketches, looked for the most expressive pose for the hero and the most suitable interior for him.
Serov for a very long time picked up a suitable setting for a portrait of the wife of the influential antiquarian Vladimir Girschman. The artist wanted the interior to emphasize the gloss and grace of this socialite, without simultaneously simplifying and belittling her brilliant beauty. The master was very sympathetic and warm to Henrietta Leopoldovna, considering her “smart, educated, cultured, modest and simple, without the manners of rich upstarts and, moreover, very pretty.” The painting “Portrait of L. L. Hirschman” (1907, State Tretyakov Gallery, Moscow) is an exquisite semantic and pictorial masterpiece of fine art.
The composition of the work is very simple. The only eye-catching figure on the canvas is a luxurious young woman in a strict black suit, who seemed to have just risen from the dressing table and turned to the artist and the audience. Perhaps she wanted to examine herself in another mirror, but between her and the opposite wall with another mirror was an artist who stopped this turn with his brush and fixed the lady’s soft but exacting look, turning him to us. The beautiful Henrietta Leopoldovna peers into the viewer, as if in a mirror, her demanding look as if addressed to those who will look at her through the ages. A strict black suit is refreshed only by a small snow-white boa, which a woman coquettishly straightens with her thin lily handle, studded with rings.A gracefully curved pose allows the heroine to lean with her second hand on the dressing table. Unlike luxurious socialites, which the artist did not like, here we see a young, austere, but beautiful woman, endowed with character and charm.
Valentin Aleksandrovich created on the canvas a game of mirrors, a double reflection, noticeable only from the side of the painter and open to the viewer. He depicted not only the back of Henrietta Hirschman reflected in the mirror, but also her blurry, small copy visible in the distant mirror, thus closing a circle and showing the viewer in reflection what was beyond the borders of the portrait canvas. También, Serov for the first and last time for all his work depicted on the canvas an open dialogue between the model and the master. He portrayed himself in reflection at the very edge of the mirror. Although the artist’s face is distorted by faceting, it clearly reads the tension with which he is trying to do work for this woman.
Serov’s very characteristic X-ray view frightened many secular people so much that they were afraid to pose for him. The painter always clearly saw and impartially showed in his works the essence of the person being portrayed, the basis of his personality. Everyone knew that it was “dangerous” to pose for this artist, although Serov never deceived the expectations of customers, creating magnificent and very realistic portraits that they could be proud of.
The master himself has always recognized that he is not interested in the appearance of the posing person, but in his characterization, which can be expressed on canvas. The features revealed by artists in their heroes were often so unexpected for their owners that he was repeatedly accused of caricature. The master himself commented on this:“What if the cartoon sits in the model itself, what am I to blame? I just looked out, noticed. "
An example of such a finely thought out and fulfilled cartoon is the “Portrait of Princess O. Orlova” (1911, State Russian Museum, St. Petersburg). Igor Grabar wrote about Olga Orlova:“She could not stand, sit, talk or walk without special tricks to emphasize that she was not just an ordinary aristocrat, but… the first lady at court.” According to the surviving reviews of contemporaries, the princess was not distinguished by high intelligence, she was practically not interested in art, but she was the most elegant fashionista of St. Petersburg, she spent fortunes on the most luxurious Parisian toilets. Numerous Orlova considered Serov, who was just at the peak of popularity, worthy of honor for centuries to maintain the appearance of this secular lioness of the early XX century. What the artist did, sin embargo, in his own manner.
The painter began by bringing the princess’s pose to absurdity, sitting on a low ottoman high and slender Orlova, so that her sharp knees protruded up and forward. The luxurious mantle slipped slightly, revealing a graceful white shoulder. The princess seems to play with a string of pearls, and in this ambiguous gesture she shows a hand at herself, as if emphasizing the significance and importance of her own person. The compositional center of the picture was the huge black hat of the heroine, which is clearly too much. She seems to slam the model, lowering it even lower compositionally.
The pretext for this situation was the situation, as if the princess had sat down for a moment in anticipation of her crew, having already fully gathered for the exit. Orlova’s face expresses the usual nervous frustration caused by the need to wait. Her high eyebrows are raised perplexedly, and her chin arrogantly raised. Orlova holds an elaborate posture, even being alone in expectation, her defiant arrogance is almost vulgar, but the mannerism and unnaturalness of an exquisite socialite is deliberately emphasized by the portrait painter.
Behind the princess is a large vase, almost copying the silhouette of the model. Representing on the wall a shadow cast by a vase, Serov deliberately distorts it, contrary to the photographic accuracy of his eye. The outlines of the shadow are more reminiscent of the heroine of the canvas in her huge hat. Entonces, the artist subtly hinted that the princess is as empty as the vase behind her. It is not surprising that the princess herself and her admirers were disappointed with the portrait, although the painter very carefully depicted the folds of fabric of an expensive dress, and the ebb of luxurious fur and the chic decor around the heroine.
Serov was accused of subjectivity to Orlova and that he did not use the heroine’s most advantageous qualities - her elegance and high growth. Sin embargo, this picture once again proved the sensitivity and insight of the artist. The customer, without regret, presented the portrait to the Museum of Alexander III (State Russian Museum of St. Petersburg), expressing the only condition that he should not be exhibited in the same hall as the portrait of the naked Ida Rubinstein.
A friend of the artist Vladimir Dmitrievich von Derviz wrote in his memoirs about him:“Valentin Alexandrovich was distinguished by absolutely exceptional directness and simplicity, despite his seemingly rather mild character, he knew how to defend his views and never compromised his convictions.”
Epilogue
The great painter died unexpectedly, on the morning of November 22, 1911, on the way to the Shcherbatovs’ house, where a portrait session was scheduled for him. The cause of Serov’s early death was an angina attack. Having lived only forty-six years, as many as thirty of them, Valentin Serov confidently and enthusiastically weaved the golden strokes of his stunning solar masterpieces into the canvas of the Russian Silver Age. Being in the prime of life, the artist worked a lot. Worshiping the talent of the painter, the poet Valery Bryusov wrote:“Serov was a realist in the best sense of the word. He accurately saw the secret truth of life, his works revealed the very essence of those phenomena that other eyes could not even see. "
Zhuravleva Tatyana
