Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828)
El destacado representante de la escuela española de pintura, Francisco José de Goya i Lucientes, es un artista único que logró plasmar en su arte el trágico destino del pueblo español, sus esperanzas e incontables sufrimientos, soportado duramente con una vitalidad infinita. La inspiración para el artista fueron los hechos reales que tenían lugar en su país. No teniendo otro poder que el poder del arte, el artista a través de sus pinturas expresaba su actitud personal ante la realidad que lo rodeaba y lo que sucedía en su amada patria.
Fotos de Francisco de Goya y Lucientes
Los primeros años del gran maestro
El futuro gran artista Francisco Goya nació en el pequeño pueblo de Fuentetodos, situado entre las rocas aragonesas del norte de España, el 30 de marzo 1746 en la familia del maestro dorador José Goya. El padre del artista no era un plebeyo, Provenía de una familia de notario adinerado que cursó su especialidad en Zaragoza. Esta situación le permitió contraer matrimonio con un representante de los estratos más bajos de la nobleza española, Don García Lucientes. Después de una modesta boda, la joven familia se mudó a la finca, Heredado y ubicado en Fuentetodos. Según la legislación española de la época, los nobles solo podían vivir de los ingresos generados por sus posesiones, y no tenía derecho a trabajar.
En este estado de cosas, la familia Goya apenas podía llegar a fin de mes. Esto obligó al jefe de familia a transportar su hogar de regreso a Zaragoza, donde podría emprender su oficio. Lo que sucedió en 1759. Habiendo mejorado ligeramente su situación financiera después de la mudanza, el padre de familia envió a sus tres hijos Thomas, Camillo, y Francisco a la escuela primaria del padre de Joaquín. Debo decir que la educación que recibieron los chicos allí es difícil de llamar buena, El padre Joaquín prefirió la teología a la alfabetización, que se reflejó en toda la vida posterior del artista. Hasta el final de su vida, Goya escribió con errores, y su pronunciación y vocabulario traicionaban inequívocamente a un plebeyo en él. Cierto, Cabe señalar que a finales del siglo XVIII en España una buena educación sólo estaba disponible para un puñado de élite.
Después de salir de la escuela, Francisco ingresa en un colegio de jesuitas en Zaragoza. Su mentor, Padre Pignatelle, Inmediatamente notó las destacadas habilidades artísticas del niño y se lo recomendó a su pariente José Lusana y Martínez, quien una vez fue un pintor de la corte. El padre Francisco no se opuso y pagó a su hijo lecciones de arte durante cuatro años. Durante este tiempo, Francisco Goya no solo comprendió los conceptos básicos de pintura y dibujo, pero también creó numerosos grabados y aguafuertes a partir de la obra de destacados maestros españoles. Ya en este momento, Francisco mostró una increíble perseverancia y determinación. Para lograr la máxima expresividad de la imagen de varios movimientos del cuerpo humano, el joven artista, además del taller de Lucian, También visitó la escuela de escultura de Juan Ramírez. En eso, hizo copias de esculturas y creó estudios de estudiantes. Cabe señalar que en la España de este período existía un tabú sobre las imágenes de un cuerpo desnudo, especialmente una mujer, por tanto, las clases de escultura para Goya eran casi la única oportunidad para estudiar anatomía humana.
Gracias a su perseverancia, Francisco se estableció rápidamente como un brillante copista, captando sutilmente los rasgos de la manera artística y el estilo de pintores ilustres. Gracias a esto, en 1760, recibió su primer encargo para pintar un relicario en una iglesia de Fuentetodos. Desafortunadamente, esta obra fue completamente destruida en 1936 durante la Guerra Civil Española. Pero su apariencia puede reconstruirse a partir de fotografías supervivientes. Los lados exteriores de las alas del relicario de madera estaban decorados con la imagen "La aparición de la Virgen del Pilar frente a Santiago", y en el interior estaban representados “St. Francis de Paula ”y“ La Virgen y el Niño ”. Según la evidencia sobreviviente, los contemporáneos elogiaron el trabajo del artista, aunque Goya, quien la vio, estar ya en una edad avanzada, se indignó:"¡No digas que yo lo pinté!".
En 1763, el Goya de diecisiete años, quien finalmente decidió conectar su vida con el arte, Salió de Zaragoza y se fue a Madrid. Los primeros años de la estancia del artista en la capital española están envueltos en secretos y leyendas. A partir de información confiable que nos ha llegado, sólo se sabe que a finales de 1763, inmediatamente después de su llegada a Madrid, Francisco solicitó una beca en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, pero fue rechazado. Lo que hizo Goya en Madrid durante los dos próximos años es completamente desconocido. En 1766, Francisco participó en un concurso convocado por la Academia sobre un tema de la historia de España. La tarea se formuló de la siguiente manera:"Marta, la emperatriz de Bizancio, llega a Burgos al rey Alfonso el Sabio para pedirle una parte de la cantidad que el sultán designó para rescatar a su marido, el cautivo del emperador Baldwin, y el monarca español ordena darle esa cantidad ". Ramón Bayer recibió la medalla de oro del certamen, y Goya falló, que se convirtió en sólo uno de una serie de fracasos que lo persiguieron en el primer período de su trabajo.
Pero la participación en el concurso le reportó algún beneficio a Goya, en la que conoció a Ramon Bayeu y a su hermano Francisco, un miembro del jurado académico, a lo que inmediatamente ingresó a los estudiantes. Durante unos tres años, el joven pintor vivía y estudiaba en la casa de un nuevo mentor, durante ese tiempo se enamoró apasionadamente de su hermana Josef. El cariño de Goyal no impidió que Goya partiera hacia Roma en 1769, donde continuó su educación.
Desafortunadamente, no se conserva ninguna información fidedigna sobre los dos años de vida de Francisco de Goya en Italia. Los únicos datos que se conservan mencionan la participación del artista en un concurso organizado por la Academia de Bellas Artes de Parma. Como parte de la competencia, creó el cuadro "Hannibal, mirando desde las alturas de los Alpes hacia los campos de Italia. "El lienzo tuvo cierto éxito con el jurado, sin embargo, Goya volvió a perder la suerte. Con un margen de solo un voto, la medalla de oro de la competición volvió a pasar a otra.
Reconocimiento de talento
En 1771, Francisco de Goya volvió a Zaragoza, decepcionado y cansado del fracaso. Después de varios meses, el artista finalmente sonrió suerte, recibió su primer pedido. Se requirió completar una serie de pinturas religiosas en la capilla del palacio del conde Gabard de Sobradiel local. Goya hizo lo mejor que pudo, como resultado, los frescos resultaron ser de muy alta calidad y agradaron al cliente. Este fue el primer éxito significativo del pintor en el campo profesional.
Pronto, el artista recibió el encargo de realizar una serie de bocetos para los frescos de la cúpula de la Catedral de la Virgen del Pilar de Zaragoza. Por un mes de trabajo Goya logró crear obras que impactaron a los miembros de la comisión para la reconstrucción de la catedral. Este fue el segundo éxito que demostró la capacidad de Francisco para crear magníficos murales. A pesar de que, Cabe mencionar que un papel significativo en el hecho de que Goye obtuviera el pedido lo jugó el precio de las obras, exhibido por el propio artista por diez mil reales menos que el resto de los concursantes. Sea como fuere, a mediados de 1772 el artista había terminado de pintar la cúpula. El fresco titulado "Adoración de los ángeles en el nombre del Señor", fue realizado en estilo barroco. Saturado con numerosas figuras de ángeles representadas en la imagen de mujeres hermosas, cuya variedad de ángulos enfatiza la dinámica de la composición, construido en movimiento continuo, trajo al artista un éxito largamente esperado y bien merecido.
La participación en la creación de la pintoresca decoración de la Catedral de la Madonna del Pilar supuso un punto de inflexión en la carrera del artista. Además del respeto por los conciudadanos y el bienestar material, Goya también recibió un flujo constante de pedidos, que es tan importante para cualquier artista. Su siguiente obra fue la creación de todo un ciclo de frescos para el monasterio de Aul Dei y la iglesia de di Menuel. Esto le permitió a Francisco ganar una posición adecuada en la sociedad y convertirse en el artista más exitoso de Zaragoza. Llegó un momento en que Goya finalmente pudo darse el lujo de casarse.
A principios de la primavera de 1773, el artista se fue a Madrid con su maestro Francisco Bayeu a pedir las manos de su hermana Josefa. Todo salió bien y los felices amantes se casaron durante una magnífica ceremonia, celebrada el 25 de julio de ese año. Inmediatamente después de la boda, los recién casados se fueron a Zaragoza, donde Francisco aguardaba numerosos encargos inconclusos. Por extraño que parezca, Prácticamente no nos ha llegado ninguna información sobre el compañero de vida del gran pintor, ni en sus archivos privados ni estatales hay sus cartas o reseñas de sus contemporáneos, ni siquiera hay información sobre el número de niños nacidos en casi cuarenta años de su vida juntos. En general, se acepta que todos los hijos del artista murieron a una edad temprana, y solo uno de sus hijos, Francisco Javier Pedro, se convirtió en un verdadero apoyo para su padre y sucesor de su obra. Los biógrafos e historiadores del arte solo pueden suponer que Josefa fue una esposa devota y una guardiana cariñosa del hogar, pero obviamente estaba muy poco interesada en la vida social. Solo la fecha de su muerte 1812, es conocido de forma fiable. Es sorprendente que durante su larga vida familiar, Francisco Goya solo pintó un retrato de su esposa.
Encontrar un puesto en la corte real
A principios de 1774, Se inició un trabajo a gran escala en la reconstrucción de tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. La comisión de restauración incluyó a Antoine Rafael Mengsu y Francisco Bayeu. El segundo se encargó de la distribución entre los pretendientes artistas de encargos para la creación de bocetos de futuros tapices. Gracias a esto, Goya y Ramon Bayeu recibieron un gran pedido, lo que les proporcionó un trabajo permanente y bien remunerado. Este encargo facilitó el traslado del artista a Madrid con toda su familia.
Los temas de los primeros bocetos encargados por el pintor fueron la caza y la pesca. Goya completó rápidamente bocetos de escenas temáticas en cartón. A pesar del estilo bastante seco y sobrio de los bocetos, sin prácticamente ningún espacio elaborado alrededor de los personajes, recibieron la aprobación del rey, y el artista recibió un nuevo pedido, cuyo tema era una escena de la vida de los españoles corrientes.
Aquí es donde se reveló el verdadero talento del pintor. Estos bocetos sentaron las bases de una serie de obras ingeniosas que glorificaron al artista durante muchos siglos. Eligió a mujeres jóvenes vestidas de manera brillante (mahi) y sus coloridas compañeras (maho) como los héroes de sus cartones. Las composiciones se basan en historias de la vida de las personas:juegos, vacaciones, escenas callejeras. Los tonos ricos en sonido de las pinturas transmiten de manera realista el estado de ánimo despreocupado de la diversión universal. En sus obras, el artista con gran observación mostró una variedad de tipos folclóricos y trajes nacionales vibrantes, así como ocio y modales de la juventud urbana. Según los gustos de su época, el maestro idealizó ligeramente las formas de sus personajes. Pero la paleta de colores del artista se muestra aquí en todo su esplendor:numerosos matices de color de varios tonos distinguieron inmediatamente a Goya entre sus contemporáneos.
Las obras más llamativas de este período incluyen las pinturas "Vendedor de platos" (1779, Museo del Prado, Madrid), "Fiestas del día de San Isidoro" (1788, Museo del Prado, Madrid), "Maha y sus fans" (1777), Museo del Prado, Madrid) y otros. Pero el mejor trabajo entre ellos es el cartón para el tapiz de Paraguas (Museo del Prado, Madrid), escrito en 1776. El boceto es un simple boceto de género. En primer plano se sienta una hermosa niña en una pose elegante, como demostrándose a sí misma al espectador, una cautivadora sonrisa en sus labios. El joven compañero de la niña está a su izquierda, bloqueando a la joven de los rayos del sol con un paraguas abierto. La composición del cartón está impregnada de la alegría y el descuido de la vida. Lo más destacado de la imagen fue el complejo, iluminación casi fantástica, con el que Goya crea un armonioso sabor musical, construido en colores pastel.
La iluminación de esta obra en la corte real se vio afectada por la iluminación de las mentes de la Ilustración francesa, con su desviación de los cánones estrictos, tan venerado anteriormente en España. Gracias a este éxito entre la aristocracia, el 7 de mayo 1780, Francisco Goya fue elegido por unanimidad para los nuevos miembros de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ya en 1785, se convirtió en su subdirector, después de otros diez años, el director del departamento de pintura de la Academia.
Entre 1786 y 1791, Está previsto un cambio de entonación en el cartón del maestro. Cada vez más en sus obras, el deseo de transmitir no el atractivo externo de la trama, pero el estado emocional de los personajes, que se volvió más "terrenal" habiendo perdido el brillo y la belleza externos, tan característico de las obras anteriores del artista, se manifiesta. Esto se ve claramente en obras como The Blindfold Game (circa 1788-1790, Museo del Prado, Madrid) y El albañil herido (1786 Museo del Prado, Madrid), que se convirtió en una de las obras clave de este período.
El cuadro se distingue por una trama verdaderamente dramática:los jóvenes trabajadores llevan en brazos a su compañero que ha arrancado desde una altura. En sus poses y en cómo el artista interpreta los volúmenes de sus cuerpos, se manifiesta un cierto compromiso del maestro con las tradiciones del clasicismo. El color frío de la composición se basa en una combinación de tonos de azul, gris y ocre. Aunque la obra aún no tiene ese penetrante sonido trágico, tan característico de muchas de las pinturas posteriores de Goya, ya refleja plenamente las entonaciones básicas del trabajo maduro del maestro.
Al final de su trabajo para la fábrica real, Goya crea otra obra maestra propia:"La muñeca" ("El juego en el Pele", 1791-1792, Museo del Prado, Madrid). Habiendo trabajado en la fábrica de Santa Bárbara durante unos dieciocho años, el artista creó más de sesenta cartones. A través de los años, el maestro ha adquirido no solo amigos y mecenas influyentes, pero también muchos envidiosos y malvados.
La evolución del retrato del artista
Trabajando en bocetos para tapices, Goya pintó muchos retratos personalizados al mismo tiempo. Sus primeras obras de este género hablan del gran deseo del artista de triunfar a toda costa, esto se nota especialmente en la forma en que el pintor halagó a sus nobles modelos.
Un ejemplo es el ceremonial "Retrato del Conde Floridablanca" (1783, Banco de Urquijo, Madrid), en el que se representa al omnipotente primer ministro de pie de cuerpo entero, en su oficina vestido con todas las insignias del poder y el poder. Los objetos personales que rodean al conde dan testimonio de sus pasatiempos, Su figura en la imagen está resaltada por luminosos colores brillantes, y contrasta marcadamente con su entorno. El primer ministro no es el único representado:su secretaria está parada en el fondo de la sala, ya la izquierda del Conde de Goya se ha representado a sí mismo de una de sus obras. En la imagen, Floridablanc no se da cuenta de los demás y mira tranquilamente frente a él, también sucedió en la vida. El conde reaccionó con frialdad al trabajo del artista y ni siquiera le pagó al pintor que tenía grandes esperanzas de conocer a una persona tan influyente. esperando ver un patrón en su cara.
El artista aprendió una amarga lección y luego, en el mismo año, mientras visitaba la villa del hermano del rey de España, la infanta don Luis de Borbón, donde pintó el retrato de su familia, ya no buscaba adular a personas de tan alto rango. En su trabajo en esta imagen, se traza claramente el deseo de transmitir la profundidad de los personajes y la individualidad de cada modelo.
La composición del “Retrato de la Familia de la Infanta Don Luis de Borbón” (1783, Fundación Magnani Rock Fund Mamiano, Parma) se basó en el principio de las escenas de género cotidianas. Toda la familia de don Luis se reunió en torno a una mesita en la que el infante tiende solitario. Pero el verdadero centro de la composición no es en absoluto él, pero su esposa María Teresa, vestido de luz, como si estuviese lustrando ropa. Su cabello es peinado por el peluquero que está detrás de ella. En el lado izquierdo del lienzo, Goya volvió a representarse trabajando en este cuadro. Un lienzo bastante grande (248 x 330 cm) demuestra bien el aumento de la habilidad del artista. El artista logró transmitir los personajes de los héroes con tacto y al mismo tiempo de una manera muy realista. El color de la obra se basa en una mezcla de colores cálidos oscuros con leves acentos de azul y verde, dando al lienzo un sonido musical sonoro.
Después de crear este retrato, Goya finalmente encontró lo que soñaba:conocer a las influyentes y poderosas patronas, que se convirtió en las duquesas Alameda Osuna y Alba. El artista logró llevarse bien con ambos, a pesar de que fueron rivales jurados siempre y en todo. Comenzó una nueva etapa en su vida, su carrera estaba ahora condenada a un rápido ascenso.
Pronto, el artista comenzó a trabajar en un retrato de la novia del Conde Floridablanca. “Retrato de la Marquesa de Pontejos y Sandoval, Duquesa de Pontejos ”(1786, Galería Nacional de Imágenes, Washington) se realiza en el marco estricto del retrato del desfile. El estilo de la obra se acerca mucho a las primeras obras de este género. La figura de la marquesa está representada con el telón de fondo de un paisaje ideal (Goya utilizará esta técnica para los retratos femeninos hasta finales del siglo XVIII), toda su imagen es natural y tranquila. El hermoso vestido de seda de la heroína, pintado por el artista con gran habilidad, distrae al espectador de la expresión triste de su rostro.
Dos años después, Goya escribirá otro de sus famosos retratos de grupo:“La familia del duque de Osun” (1788, Museo del Prado, Madrid). En este trabajo, ya se manifiesta una nueva manera del artista, que en el futuro se convertirá en la manifestación más llamativa de su estilo individual. La característica principal de su trabajo es el enfoque en el estado psicológico de sus héroes. Al mismo tiempo, para desviar la atención de la mirada exigente de clientes eminentes de su propia evaluación de sus personalidades, Goya dibuja con cuidado y maestría todos los detalles más finos de sus exquisitas prendas y joyas. El fondo de los retratos se vuelve monofónico, para que nada distraiga al espectador de la contemplación de modelos. Los ejemplos más llamativos de retratos de este período incluyen el "Retrato de Don Manuel Osorio de Zoonig" (1788, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).
Pronto, finalmente, El sueño del artista se hizo realidad:en abril de 1789, Goya recibió el puesto de pintor de la corte tan deseado por él. Debo decir, El éxito le hizo girar tanto la cabeza que empezó a ignorar la fabricación de cartón para tapices. Esto provocó en el artista la ira del director de la manufactura, quien inmediatamente escribió una queja al rey. El viejo mentor del pintor Francisco Bayeu tuvo que trabajar duro para enmendar a su familiar y acallar el escándalo. Afortunadamente para Goya, todo salió bien y se puso a trabajar tranquilamente en la corte, haciendo retratos de los que están en el poder. Entonces, en 1795 escribe su famoso "Retrato de María Teresa Cayetan de Silva, Duquesa de Alba "(Museo del Prado, Madrid). La imagen de la Duquesa es muy efectiva, un vestido blanco en marcado contraste con una mata de cabello negro rizado y acentos rojos en forma de un ancho cinturón de satén, apretando la delgada cintura de la heroína, y con lazos rojos en el pecho y el pelo. Esta combinación de colores contrastantes le da a todo el lienzo un sonido mayor.
Pintura de la Iglesia de San Antonio
Además de los pedidos constantes de aguafuertes y retratos, el pintor de la corte Francisco de Goya recibió muy honorables y provechosos encargos para la creación de pinturas monumentales. Entonces en 1798, El rey Carlos IV encargó al artista la pintura de las cúpulas y muros del recién terminado templo de San Antonio de la Florida.
La iglesia fue construida por orden del rey por el célebre arquitecto de la época Fontana, que logró completar el trabajo en solo seis años, de 1792 a 1798. Se suponía que los frescos del templo contaban la vida de San Antonio de Padua, el monje de los franciscanos que vivió en el siglo XIII. Durante los treinta y seis años que le fueron asignados, San Antonio ganó fama como un orador destacado. Historias y leyendas y su vida virtuosa, milagros y sermones conmovedores fueron conocidos en todo el país, incluso fue llamado la "Lámpara de la Orden".
En el trabajo en los frescos, el artista tuvo total libertad de acción, y Goya aprovechó esta oportunidad para repensar los cánones tradicionales de la pintura eclesiástica.
De acuerdo a la tradición, todo el espacio del cupón al crear frescos tenía que estar ocupado por imágenes de ángeles, una cruz o Cristo. Goya decidió poner allí una trama dedicada al milagro de la resurrección de los muertos por San Antonio, realizado frente a una multitud asombrada. Con este gesto el artista exaltó al santo a quien estaba dedicado el templo. El pintor colocó ángeles y arcángeles en las paredes y arcos de soporte, y pequeños ángeles ocupaban las velas.
La escena de la resurrección de Goya adquirió una interpretación completamente realista. San Antonio está representado con sus compañeros, rodeado de una audiencia diversa, quien observa atentamente sus acciones. En un esfuerzo por darle al fresco el máximo realismo, el artista se centró en transmitir las imágenes de la gente común, representando a la multitud como si llegara directamente desde las calles de Madrid. La solución compositiva circular confiere a la obra el efecto de movimiento y dinamismo continuos. En contraste con las imágenes realistas del fresco central, Goya describió a los representantes del ejército celestial como idealizados y sofisticadamente refinados. La pintura de este templo sigue siendo considerada una de las mejores obras monumentales y decorativas de Goya.
Imagen de vicios humanos
Los años 90 del siglo XVIII se convirtieron en un punto de inflexión en la conciencia y la obra de Goya. Una grave enfermedad empujó a repensar la vida y obra del artista, como sucede a menudo. Los primeros ataques de una enfermedad desconocida le sucedieron al pintor en el otoño de 1792. Migrañas severas, alternando con mareos, terminó en parálisis parcial. Sobre todo el infeliz artista tenía miedo de perder la vista. La enfermedad paralizó el espíritu moral de Goya, estaba constantemente de mal humor, y sus seres queridos temían seriamente por su vida. Afortunadamente, estos ataques terminaron relativamente bien, ya en la primavera del próximo año, el pintor se sintió mucho mejor.
En el verano, el artista se recuperó casi por completo de la enfermedad, aunque no sin pérdidas. La enfermedad lo privó por completo de su audición, pero esto no impidió que el maestro tomara su pincel inmediatamente después de la recuperación. El sufrimiento vivido y el miedo a la muerte despertaron en el artista un interés apasionado y genuino por el ser espiritual y social del hombre. Miró con otros ojos la estructura de la sociedad española y repensó su propio sistema de valores. La alegría de vivir y el resplandor del sol durante mucho tiempo abandonaron la obra del artista.
Todo ello impulsó al pintor a crear una serie de obras tituladas "Caprichos". Incluía ochenta aguafuertes creados entre 1797 y 1799. En una fantástica forma grotesca, el artista reflejó la tensa situación social y todo el lado poco favorecedor del orden feudal de España.
Todos los dibujos ridiculizan los vicios humanos:crueldad, ignorancia, cobardía, pretensión, egoísmo, candidez, codicia y mucho más. Todos los grabados de la serie se basan en el contraste de luces y sombras, expresado por grandes manchas blancas y negras. Goya mostró un notable talento simbolista y un gran ingenio. Todos los personajes de Caprichos tienen una personalidad muy viva que expresa el vicio que representan. Las poses, gestos Las expresiones faciales de los héroes son tan expresivas que resulta imposible determinar dónde está la verdad y dónde está la ficción.
Las primeras obras de la serie Capriccios están dedicadas principalmente a los vicios que consumen el alma femenina:la insidia, inconstancia y engaño. En estas hojas jóvenes queridas engañan vilmente a sus señores, y las viejas procuradoras feas se dedican a la corrupción de muchachas inexpertas.
Comenzando con la hoja 37, hay dibujos dedicados a la ignorancia:muestran imágenes de burros que curan, reproducir música, enseñarse unos a otros, dar discursos y posar para monos. Todos los grabados posteriores a través de lo grotesco nos demuestran claramente cómo la fealdad moral de las personas produce espíritus malignos. En noches negras hechiceras y brownies realizan sus ritos, reír, mueca, se reúnen en sábado y atormentan a sus desafortunadas víctimas. Pero cuando sale el sol todas las bestias no desaparecen ni mueren, solo cambian su apariencia, volviéndose ordinario, gente aparentemente respetable. Y tan interminablemente.
43 hoja, un grabado titulado "El sueño de la razón da monstruos" - se ha convertido en uno de los más famosos. Goya le brindó interesantes comentarios de acompañamiento:“La imaginación abandonada por la mente da lugar a monstruos sin precedentes, pero en conjunción con la mente, se convierte en la madre de todas las artes y la fuente de los milagros que crean. " De hecho, tales comentarios fueron hechos por el artista a cada hoja de la colección, pero, según los contemporáneos, Tales descripciones de la trama complicaron aún más su percepción, “Cerrando los ojos a todos los que no tenían ni idea. "
Según el plan del pintor, Los “Caprichos” iban a animar a los compatriotas y decidir enfrentarse a la posición impuesta por la aristocracia. En 1799, Goya imprimió por su cuenta trescientos ejemplares de la serie. Cuatro copias, incluso antes de que salieran a la venta, fueron comprados por la duquesa de Osuna. Otros 27 se vendieron en los próximos años. Cierto, después de algún tiempo, Capriccios todavía ganó popularidad entre los artistas románticos.
La evolución del estilo y la cosmovisión Todo este tiempo, el maestro no dejó de trabajar en el género del retrato, que fue ordenado constantemente por la aristocracia de la corte. Alejándose de lo anterior, interpretación algo superficial de los personajes y las tramas, pasó a un estricto realismo intelectual. Las pinturas creadas a finales de los siglos XVIII y XIX se distinguen por un sutil sistema expresivo de técnicas artísticas que permitieron al artista revelar plenamente la esencia interior de los personajes. Estas obras ya reflejan las nuevas tendencias en pintura, cercano a los ideales visuales de la era del romanticismo.
El maestro comienza a prestar cada vez más atención a la psicología, trata de enfatizar la trágica compresión de la personalidad bajo el yugo de las circunstancias externas. Goya parece apreciar el potencial de un individuo, independientemente de su estatus social. A menudo, esto se expresa en sarcasmo cáustico, claramente visible en varios retratos de los poderosos. Otro rasgo distintivo del nuevo período de la obra del artista fue la rica paleta de colores y el volumen plástico enfatizado, gris-plata, El color aireado de la década de 1790 quedó para siempre en el pasado.
A principios del siglo XIX, Goya recibió un importante encargo de la familia real para la ejecución de una serie de sus retratos. Una de las obras más destacadas de este período fue el “Retrato de la familia del rey Carlos IV” (1800, Museo del Prado, Madrid). Durante la ejecución de este lienzo a gran escala (cuyas dimensiones eran 280 x 336 cm), el artista logró crear retratos separados de cada miembro de la familia coronada. El trabajo en el retrato de la familia duró aproximadamente un año.
Lo primero que llama la atención al mirar esta imagen es la magnificencia de los trajes de todos los miembros de la familia real. escrito con gran habilidad. Tejidos lujosos, velos ingrávidos, las joyas iridiscentes y las insignias de poder eclipsan las imágenes de los propios héroes. Este efecto fue buscado por el artista. Porque, si miras de cerca los rostros pomposos congelados de los miembros de la familia, se nota la sutil característica psicológica que Goya le dio a cada uno de ellos.
Por ejemplo, la imagen de la reina María Luisa fue pintada con claridad fotográfica. El pintor representó de manera realista su nariz ganchuda, papada y delgada, labios se estiraron en una sonrisa. Maria Louise está en el centro del lienzo, los niños más pequeños están parados a su alrededor, El rey Carlos IV se muestra a la izquierda, y su hijo mayor con una camisola de seda azul está a la derecha de la reina. Después, se convertirá en un tirano Fernando VII (mira su rostro malvado). Junto a Fernando está su esposa, se apartó del espectador, ya que al momento de escribir la imagen, no se llegó a un acuerdo sobre su matrimonio. En la esquina izquierda de la imagen, en la sombra profunda, Goya se pintó a sí mismo.
El retrato transmite muy sutilmente las relaciones dentro de la familia. Si prestas atención a cómo están los personajes de la imagen, llama la atención que parecen un fragmentado, multitud congelada que llenó todo el lienzo. El artista enfatiza intencionalmente la inconsistencia de sus puntos de vista y gestos. Y el color de la imagen en sí se basa en una combinación dispersa de manchas inusualmente coloridas.
A pesar de que ninguno de los miembros de la familia coronada mostró ni una sombra de indignación por el trabajo terminado (la reina incluso se burló de su apariencia "fallida"), el lienzo fue el último pedido recibido por el artista de la familia real.
Pero las obras más significativas del artista de este período (1800 - 1803) fueron los lienzos “Columpio vestido” y “Columpio desnudo” (Museo del Prado, Madrid). Presumiblemente, estas dos obras fueron creadas por orden del Primer Ministro Manuel Godoy. Según fuentes, los nombres originales de las pinturas eran "Gypsy Dressed" y "Gypsy Nude". La imagen femenina creada por el artista en estos lienzos encarnaba una belleza viva y sensual, contrastando marcadamente con los fríos cánones del academismo. No se conservó información confiable sobre la identidad de la niña que sirvió de modelo para estas obras. Según una versión, era la amante de Godoy, según otros - la duquesa de Alba, OMS, según los rumores, Tenía una relación bastante larga con el propio artista. Cierto, no se ha encontrado ninguna evidencia real de esto.
En los próximos dos años, de 1804 a 1806, el artista crea una serie de interesantes imágenes femeninas. Estos incluyen Retrato de Francisco Sabas y García (1804, Galería Nacional de Arte, Washington), Retrato de Doña Teresa Curada (1804-1806, Galería Nacional de Imágenes, Washington) y Retrato de Doña Isabel Cabos de Porsel (circa 1805, Galería Nacional, Londres). Todos los lienzos están escritos de forma libre, diferente de sus primeros trabajos discretos. El maestro, mezclando delicadamente muchos tonos relacionados, logra lograr una interpretación muy realista de los modelos. Los rostros de las mujeres jóvenes están llenos de un impulso romántico, y las poses y miradas están llenas de determinación. Los lienzos oscuros son un homenaje a la tradición establecida de esa época, pero, a pesar de esto, el artista logra lograr el rico sonido de todos los colores y la transmisión increíblemente realista de las niñas. Otra característica de los retratos es que el pintor no selecciona sus atuendos y accesorios, como fue el caso en su trabajo anterior, y las características de personalidad de las heroínas, su carácter y psicología.
Luego, el artista crea otra obra con imágenes femeninas memorables:"Columpiarse en el balcón" (1805-1812, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). El lienzo muestra a dos hermosas mujeres jóvenes sentadas en el balcón. En el fondo, en colores oscuros, las siluetas de sus compañeros están escritas. The fragile figures of the girls, their crafty smiles and touching eyes look alluring and attractive, but the appearance of their companions is alarming and creates a sense of danger.
Soon a war broke out with France. Goya received many government orders for portraits of army generals, and in between created etchings assembled into a common series called The Disasters of War. En total, the series includes about eighty works. En ellos, the painter depicted military operations without embellishment. Not of any heroism or ostentatious courage, only what actually happens in the war is the hardening of the human heart, which becomes capable of any atrocities and betrayals.
A series of etchings dedicated to the war, became the pinnacle of the artist’s realistic work. Many works reflect what the painter himself saw and experienced over the years. The whole tragedy of the Spanish people is depicted ruthlessly, truthfully, without a drop of idealization:mountains of corpses, saqueo, incendios famine, executions.
It should be noted that the painter’s goal, en primer lugar, was not documentary accuracy, but the expression through this series of works of the tension and tragedy that he felt, passing through the years of the war. The deep subtext, the combination of reality and grotesque, allegory and science fiction along with a sober analysis of reality, and the sharp expressiveness achieved through sharp black-and-white contrasts predicted completely new development paths in the European engraving genre.
On a cardboard “A sad foreboding of what is about to happen” (1810, National Library of Madrid), a man in torn clothes is depicted, his arms are helplessly spread to the sides, and his eyes full of despair and tears are raised to the sky in a soundless question. En el fondo, chaos and destruction reign, the losses that the hell of war inevitably brings with it. Etching opens the series “Disasters of War” and is, De hecho, its leitmotif.
All the horrors of war go through a series of etchings of an eerie and frightening realistic sequence:countless corpses, violence against women, execution of rebels and carts with the dead. The events and images depicted by the master so accurately convey the essence of hostilities that they could serve as an illustration to absolutely any of the armed conflicts experienced by all mankind. It was important for the artist to emphasize that the victims of monstrous interstate conflicts are not only soldiers of official troops, but also defenseless civilians:children, old people, mujeres. The series was able to come out in full assembly only in 1863, after 35 years spent under the rule of France.
The end of the first decade of the 19th century was a difficult, difficult time for Spain. Discontent in the country was constantly growing, and King Carlos IV proved to be a weak-willed and insolvent politician. De hecho, the country was ruled by his spouse and her favorite – Prime Minister Manuel Godoy. They completely subjugated the king and squandered the treasury, bringing Spain to almost complete ruin. This caused popular unrest, which led to an acute crisis in the country.
In 1808, King Carlos abdicated in favor of the eldest son Ferdinand VII. While confusion was taking place at the Spanish court, caused by the division of power, Napoleón, taking advantage of the situation, captured the young ruler and put his brother Joseph on the Spanish throne, and brought his troops into the country. The French emperor motivated his action exclusively with good intentions, a saber, the need to resist the ripening revolution. Thus began the bloody war of Spain with France.
Este año, Goya creates his painting “The Colossus” (1808, Museo del Prado, Madrid), in which he expresses all the confusion and tension prevailing in society. Most of the composition is occupied by a giant figure of a fierce Colossus, clenching his fists. A giant walks through Spanish land, touching thunderclouds. His appearance causes general panic. The figure of Colossus most likely personifies the mercilessness of war, bringing general ruin, destruction and chaos.
In the fall of the same year, the artist leaves the capital and goes to Zaragoza, already destroyed by French troops. The appearance of the ruined and burned hometown amazed the painter to the depths of his soul and gave him a new impetus to creativity.
En este momento, Madrid was in a fever from the news. On the streets they said that the French did not just want to arrest, but to deal with the entire royal family. On May 2, 1808, crowds of people gather in front of the royal palace in Puerta del Sol. They demand from the French evidence that the youngest son of the former king Carlos IV, the thirteen-year-old prince Francisco de Paula, beloved among the people, is still alive. Gradualmente, the situation grew tense, the heated Spaniards rushed to guard the palace. They were met by armed rebuff. Locals are faced with Egyptian mercenaries – Mamelukes.
Unos años despues, in 1814, Goya depicted the scene of this event on a canvas entitled "The Second of May, 1808 in Madrid, the uprising against the Mamelukes" (Prado Museum, Madrid). The composition of the picture is extremely intense, everything is mixed in it – people, animales living, dead and wounded. The intense red-orange coloring of the canvas perfectly conveys the atmosphere of social disaster.
Napoleon’s troops brutally crushed the rebellion. On the same night, on the orders of the French monarch, an unprecedented in its cruelty massacre was carried out on the surviving rebels. Hundreds of Madrid were executed without trial, according to surviving evidence, many of them had no relation whatsoever to the uprising.
No real artist or poet could remain indifferent, being a direct witness to such events. Francisco de Goya also could not. Seis años después, he created the painting “The Shooting of Rebels on May 3, 1808 in Madrid” (1814, Museo del Prado, Madrid), which tells of a terrible tragedy. The picture shows us a scene that happened late at night in a wasteland outside the city. At a gentle slope of a hill, illuminated by the uneven light of a large lantern, French soldiers shoot the captured rebels. The painter presented the executioners as a faceless, strictly organized mass. The center of the work is a young peasant dressed in a white shirt. He spreads his arms wide, as if trying to protect his native land with his own body. The rest of the rebels, doomed to death, are represented in different ways. Someone obediently bowed his head, someone defiantly smiles directly into the executioners, others covered their hands with their hands, but none of them even tries to escape. The background in the picture is the silhouettes of the cathedral, torres casas barely distinguishable from the darkness of the night. The composition of the picture is so expressive that it seems that deafening shots will now break the reigning silence. The gloomy and severe landscape complements the atmosphere of imminent tragedy.
With this picture, the artist sought not only to convey the cruel events from the history of Spain in order to excite the viewer with them, he wanted to depict the moral superiority of the Spanish people over his executioners, to express the rebellion of the national spirit.
Voluntary exile
With the advent of 1812, the artist suffered a personal tragedy, the beloved wife of Joseph died. The artist was very upset by the death of a faithful companion of his life, because after her departure, he had only one son left, who was already 28 years old. It is amazing that Goya did not write anything about his wife and only once depicted her in the picture – “Portrait of Josefa Bayu de Goya”. Judging by this canvas, Josefa was a simple kind woman. The artist himself, in spite of his short stature and unprepossessing appearance, was known as a lover of women, maybe therefore the modest Josef did not participate in the social life of society.
Like any painter, Goya experienced all his joys and sorrows through creativity. After the death of his wife, he set about creating a series of etchings designed to illustrate the work of Nicolas Fernandez de Moratan, “Historical Notes on the Emergence and Development of Bullfighting in Spain”. Hoy en día, this series is known as "Tavromahiya", in it the artist showed the fearlessness of a person entering into battle with a wild and ferocious animal.
Toward the end of the second decade of the 19th century, Francisco de Goya, enfermo, tired and disappointed in the policies of the Spanish authorities, decided to leave the bustling capital for privacy. He bought a large two-story house on the banks of the Manzanares River, surrounded by large cultivated land. The artist moved more than one to a new shelter, nicknamed the House of the Deaf neighbors, followed by his distant relative Leocadia Weiss, with his little daughter Rosarita. Little is known about the life of this woman. In Madrid, she was famous for her scandalous behavior, but the deaf artist was obviously not embarrassed.
At the end of 1819, Goya fell seriously ill again. Leocadia and Rosarita courted him, trying to brighten up his serious condition. Thanks to this care and the efforts of Dr. Eugenio Garcia Arrieta, the artist was able to recover and even returned to painting. His first picture, after suffering, was dedicated to his savior – "Self-portrait with Dr. Arrieta" (Institute of Arts, Minniapolis) was painted already in 1820. In the center of the composition, the master portrayed himself, leaning his back on the shoulder of a young doctor. Eugenio brings a glass of healing broth to the artist’s lips. En el fondo, in a darkened room, one can see someone’s silhouettes. The color of the double portrait is harmonious and calm. At the bottom of the canvas, the artist’s note:“Goya thanks her friend Arriet for the attention and care that saved his life during a dangerous illness, which he suffered at the end of 1819, at the age of 73 years. He wrote it in 1820. "
Having improved his health, Goya begins to work on a new series of prints called Los Proverbios (Proverbs), published by the San Fernando Academy in 1864, although it became known under a different name – “Disparates” (“Nonsense”). On 22 cardboards, Goya depicted all kinds of absurdities and absurdities – this was his author’s interpretation of national proverbs, which acquired a fantastic sound from the artist.
Scary visions
In the same 1820, Goya returned to monumental painting, deciding to paint the walls of his house. Entonces, por ejemplo, on the walls of a large room on the ground floor, the painter depicted a beautiful young lady in full growth – “A Woman in a Black Shawl” (Prado Museum, Madrid). There is no exact information, but perhaps this is a portrait of Leocadia Weiss herself. The Spaniard stands in a natural pose, resting with one hand on a high stone fence, which occupies most of the composition. The light black veil covering the woman’s face gives the image a certain mystery.
This mural has become the most pacified of all the works of the cycle, in which the master decided to reveal the hidden essence of man. Art history has not yet seen works of this kind. Goya’s murals are dominated by a frightening, diabolical, unnatural principle, ominous images appear as if in a nightmare. Perhaps the artist saw them in a dream, faith is not entirely in a dream, but in delirium. Goya himself in some letters mentioned that during his illness he suffered terrible hallucinations, maybe it was they who found their way out in the artist’s Black Paintings.
One of the most striking is the fresco "Saturn devouring its children" (1820-1823, Museo del Prado, Madrid). Dim lighting snatches from the darkness the thin body of a god who, in a frenzied madness, devours his own child, tearing his body apart.
The fresco “Pilgrimage to St. Isidore” (1820-1823, Mray Prado, Madrid) is very revealing, demonstrating how much the artist’s worldview has changed. This comparison is very vivid because in his youth Goya already created a work dedicated to this topic:“Festivities on the day of St. Isidore” (1788, Museo del Prado, Madrid) depicts one of the most beloved holidays of the people of Madrid. It is an annual procession to the banks of the Manzanares River, where a big picnic with dances was arranged. An indispensable attribute of the holiday was drinking more water from a healing spring found, according to legend, by St. Isidore. On the canvas of 1788 it is a colorful and cheerful national holiday. But at a late work, on the wall of the “House of the Deaf”, an alarming feeling of imminent misfortune reigns. On a dark and gloomy fresco on a dry ground a crowd of people wanderclinging to each other. On their faces are terrible grimaces of pain, temor, horror, animal malice and malice.
In the same spirit, the work “Sabbath of the Witches” (1820-1823, Museo del Prado, Madrid) was done, although it was painted in lighter colors, all the space on it was occupied by the same “ugly” crowd. In the center of the composition is a black goat in a monastic cassock. Those around with a greedy gleam of crazy eyes listen to the personification of Satan. Drawing this "demonic tribe", the artist emphasizes that people have lost their human appearance, so their faces are like the faces of animals.
All the frescoes of the “House of the Deaf” have a strange and controversial character, they excite and scare. Spots of white, yellow and pinkish-red color suddenly flash, snatching separate images from the darkness, luego, de lo contrario, envelop them. All fifteen scenes were done in dark colors, for this and the fact that the plots themselves are incredibly “dark”, the frescoes were nicknamed “Black Paintings”. They were on the walls of the house until the 1870s, until the new owner, Baron Emil Erlanger, a banker and a passionate collector, ordered to transfer all the plots to canvas. En 1878, he presented them at an exhibition in Paris, and three years later he donated all the works to the Madrid Prado Museum, founded by Ferdinand VII in 1819.
Relocation to France and the death of a master
The completion of the frescoes coincided with changes in the country. King Ferdinand VII in 1823 abolished the constitutional government, which Goya sympathized with. The artist, who was still a court painter, began to fear for his life and in the spring of 1824, he left for France.
He settled in Bordeaux, in a small cozy house, taking with him and Leona Leocadia with her daughter. En este momento, the artist was already seventy-six years old. Goya worked a lot in France. He created portraits of his relatives and friends around him, mastered the technique of lithography. Around 1828, Goya created the work “Thrush from Bordeaux” (Prado Museum, Madrid) and a new series of etchings “Bulls of Bordeaux”.
Not long before his death, the painter traveled to Madrid, where he visited his son and grandson. The painter died on April 16, 1828, he was eighty-two years old. The ashes of Francisco de Goya were transported to Spain and buried in the Madrid Temple of San Antonio de la Florida, painted by the master many years ago.
All the work of the master had a huge impact on the formation and development of 19th century art. Just a few years after the death of the artist, his contribution to the artistic culture was evaluated at the pan-European level.
Zhuravleva Tatyana
