Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887)
A lo largo de su vida, Ivan Nikolaevich Kramskoy intentó dar vida al arte para que se convirtiera en una herramienta eficaz para su conocimiento activo. Un artista destacado, quien jugó un papel muy importante en la formación de la escuela nacional de pintura, lideró el famoso "motín de los catorce", estuvo a la cabeza del Artel de Artistas y la Asociación de Vagabundos, fue uno de aquellos cuya vida y obra sirvieron invariablemente para afirmar el más revolucionario, ideas más avanzadas de su tiempo.
Fotos de Ivan Kramskoy
Agudo sentido de la vida
Ivan Nikolaevich escribió en su biografía:“Nací en 1837, el 27 de mayo (según el art. V.V. senior), en la ciudad del condado de Ostrogozhsk, Provincia de Voronezh., En el asentamiento suburbano de Novaya Sotna, de padres adscritos al filisteísmo local. 12 años de edad, Perdí a mi padre, un hombre muy severo, hasta donde recuerdo. Mi padre sirvió en la duma de la ciudad, Si no me equivoco, como periodista (es decir, un empleado - V. R.); mi abuelo, según las historias… también era una especie de empleado en Ucrania. Mi genealogía no se eleva más. "
En sus años de decadencia, el artista notó irónicamente que algo “de una especie” salió de él. En su autobiografía, se siente algo de amargura, pero al mismo tiempo el orgullo legítimo de un hombre que se ha escapado de las "clases bajas" y se ha alineado con las figuras más destacadas de su tiempo. El pintor escribió sobre cómo se esforzó por obtener una educación toda su vida, pero logró terminar solo la escuela del distrito de Ostrogozh, aunque se convirtió en el "primer estudiante" allí. "... Nunca he tenido tanta envidia de nadie ... como una persona verdaderamente educada, ”Señala Kramskoy, mencionando que después de su formación se convirtió en el mismo secretario de la duma de la ciudad que su padre.
El joven se interesó temprano por el arte, pero la primera persona en notar y apoyar esto fue el artista y fotógrafo aficionado local Mikhail Borisovich Tulinov, a quien Kramskoy agradeció toda su vida. Durante algún tiempo estudió pintura de iconos, luego, a la edad de dieciséis años, "tuvo la oportunidad de escapar de una ciudad del condado con un fotógrafo de Jarkov". El futuro artista viajó con él “una gran mitad de Rusia durante tres años, como retocador y acuarelista. Fue una escuela dura ... ". Pero esta" escuela severa "trajo a Kramskoy un beneficio considerable, templado su voluntad y formado un carácter persistente, solo reforzando su deseo de convertirse en artista.
A juzgar por las anotaciones de su diario, el joven Ivan Kramskoy era un joven entusiasta, pero en 1857 ya había llegado a Petersburgo un hombre que sabía muy bien lo que quería y cómo lograrlo. El comienzo del camino independiente del futuro pintor tomó un momento difícil para toda Rusia. La guerra de Crimea acaba de terminar, habiendo marcado la aplastante derrota militar y política de la autocracia, al mismo tiempo, despertando la conciencia pública tanto del pueblo progresista como de las amplias masas populares.
Monolito de la Academia Imperial
La abolición de la odiada servidumbre estaba a la vuelta de la esquina, Rusia progresista no solo vivía de la expectativa de cambios futuros, pero también contribuyó a ellos en todos los sentidos. La alarma de la "Campana" de Herzen sonó con fuerza, los jóvenes revolucionarios-raznochintsy, encabezada por N. G. Chernyshevsky, se prepararon para la lucha por la liberación del pueblo. E incluso tan lejos de la vida práctica, la esfera del arte "elevado" sucumbió al encanto del viento del cambio.
Si la servidumbre fue el freno principal para el desarrollo de todos los aspectos de la sociedad, El bastión del conservadurismo en el campo del arte fue creado a mediados del siglo XVIII por la Academia imperial de las Artes. Siendo la conductora de doctrinas oficiales y principios estéticos que ya había sobrevivido a sí misma, ella no permitió que el área de lo “bello” tuviera nada en común con la realidad real. Pero sus alumnos en la segunda mitad de los 50, principios de los 60, Sentía cada vez más claramente que la vida impone exigencias al arte completamente diferentes. Las importantes palabras de N. G. Chernyshevsky "la belleza es la vida" se convirtieron en un escenario programático para toda la intelectualidad rusa progresista y las jóvenes figuras del naciente arte democrático ruso. Luego trajeron nuevos estados de ánimo públicos a la Academia de Artes, estableció estrechos vínculos con estudiantes de la Universidad, la Academia Médica y Quirúrgica, en el que los héroes de la novela Chernyshevsky "¿Qué debo hacer?" Dmitry Lopukhov y Alexander Kirsanov, tanto raznochintsy típico, compañeros I. Kramsky estudió.
Al llegar a San Petersburgo, Ivan Nikolaevich ya disfrutaba de la fama de un excelente retocador, que le abrió la puerta en el estudio de los mejores fotógrafos metropolitanos I.F. Alexandrovsky y A.I. Dener. Pero la carrera de un artesano exitoso no pudo satisfacerlo. Kramskoy pensó cada vez con más insistencia en ingresar a la Academia de las Artes.
Los dibujos de Kramskoi recibieron inmediatamente la aprobación del Consejo de la Academia. y en el otoño de 1857 ya se convirtió en alumno del profesor A… T. Markov. Entonces su querido sueño se hizo realidad, y debo decir que estudió a Kramskoy con mucha diligencia, trabajé duro en el dibujo, cuya cultura era muy alta en la Academia, trabajó con éxito en bocetos para temas históricos y mitológicos, recibiendo todos los premios.
Pero el joven pintor no sintió una satisfacción genuina. Un pensativo hombre culto, cada vez más definitivamente sentía una discordia fundamental entre las antiguas doctrinas del arte y la vida real. Pocos meses después de la admisión de Kramsky en la Academia, la obra de A. A. Ivanov “La aparición de Cristo al pueblo” fue traída a Italia desde Petersburgo. El regreso del artista a Rusia después de casi treinta años de ausencia, la muerte repentina que siguió, la impresión que dejaron sus contemporáneos, que se convirtió en la obra principal de la vida del gran maestro, jugó un papel muy importante en la formación de la conciencia de la parte avanzada naciente de la intelectualidad rusa.
El motín de los catorce
Mejor de todo, La rebelión del 14 fue contada por el propio Ivan Kramskoy en una carta a su viejo amigo M. B. Tulinov:“¡Mi querido Mikhail Borisovich! ¡Atención! La siguiente circunstancia ocurrió en la Academia el 9 de noviembre, es decir, sábado pasado:14 de los alumnos presentaron una solicitud de expedición de diplomas para el título de artistas de la promoción. A primera vista no hay nada sorprendente.
La gente es libre estudiantes que vienen libres, pueden, cuando quieren salir de clases. Pero el quid de la cuestión es que estos 14 no son estudiantes ordinarios, pero gente que tiene que escribir por la primera medalla de oro. Fue así:un mes antes, enviamos una solicitud de permiso para elegir una parcela, pero rechazamos nuestra solicitud ... y decidimos dar una historia a los historiadores y una trama a los escritores de género que originalmente habían elegido sus propias tramas. El día de la competición, 9 de noviembre estamos en la oficina y decidimos subir juntos al Consejo y averiguar qué decidió el Consejo. Y por lo tanto, a la pregunta del inspector:¿quiénes de nosotros somos historiadores y quiénes son escritores de género? nosotros, para que todos pudieran entrar juntos a la sala de conferencias, respondió que todos éramos historiadores. Finalmente, llaman en la cara del Consejo a escuchar la tarea. Entramos. F.F. Lvov nos leyó la historia:"Fiesta en Valhalla" - de la mitología escandinava, donde los héroes caballeros luchan para siempre, donde Dios Odin preside, tiene dos cuervos sobre sus hombros, y dos lobos a sus pies, y finalmente, en algún lugar de los cielos, entre las columnas, un mes conducido por un monstruo en forma de lobo, y muchas otras tonterías. Después, Bruni se levantó viniendo a nosotros para explicarnos la trama, como siempre es el caso. Pero uno de nosotros a saber, Kramskoy, se separa y dice lo siguiente:“Pedimos permiso para decir unas palabras en la cara del Concilio” (silencio, y todos los ojos miraron al hablante). "Presentamos una solicitud dos veces, pero el Consejo no encontró posible cumplir con nuestra solicitud; "nosotros, no considerarnos en el derecho de insistir más y no atrevernos a pensar en cambiar decisiones académicas, pídanos humildemente que nos liberemos de participar en el concurso y nos entreguen diplomas para el título de artistas ".
Unos momentos, silencio. Finalmente, Gagarin y Tone emiten sonidos:"¿Eso es todo?". Respondemos:"todo", y nos vamos, y en la habitación contigua le damos peticiones al administrador del caso… Y el mismo día Gagarin le preguntó a Dolgorukov en una carta para que nada apareciera en la literatura sin verlo previamente (Gagarin). En una palabra, lo ponemos en un dilema. Entonces, cortamos nuestro propio retiro y no queremos volver, y que la Academia esté sana en su centenario. En todas partes encontramos simpatía por nuestra acción, así que uno, enviado por escritores, Me pidió que le contara las palabras que dije en el Consejo para que las publicara. Pero estamos en silencio por ahora. Y como todavía nos tomamos de las manos con fuerza, para que no nos perdamos, decidimos mantenernos para formar una asociación artística, es decir, trabajar juntos y vivir juntos. Les pido que me cuenten sus consejos y reflexiones sobre la estructura práctica y las reglas generales adecuadas para nuestra sociedad… Y ahora nos parece que este asunto es posible. Nuestro abanico de acciones tiene un abrazo:retratos, iconostasios, copias, pinturas originales, dibujos para publicaciones y litografías, dibujos de madera, en una palabra, todo lo relacionado con nuestra especialidad… Aquí hay un programa que está lejos de ser claro como ves… ”.
En esta carta, el artista no solo revela los altibajos del enfrentamiento entre los jóvenes artistas y la Academia, pero también ve perspectivas para el futuro, que aún no están del todo claros, pero muy audaces y no limitados a las metas egoístas de su propia supervivencia. Después de este incidente, Se estableció una vigilancia policial encubierta sobre Kramskoi y sus camaradas, que duró muchos años. Aquí están los nombres de catorce participantes en el "motín":pintores I. Kramskoy, A. Morozov, F. Zhuravlev, M. Peskov, B. Wenig, P. Zabolotsky, N. Shustov, A. Litovchenko, N. Dmitriev, A. Korzukhin, A Grigoriev, N. Petrov, K. Lemoh y el escultor V. Kreitan.
A todos ellos se les ordenó liberar urgentemente los talleres, pero la juventud, dejado sin un medio de vida, todavía ganó una gran victoria, el significado de lo cual en ese momento apenas podía entenderse. Esta fue la primera conquista del arte realista democrático ruso. Pronto, Kramskoy, junto con personas de ideas afines, comenzó la implementación práctica de su idea - la creación de la primera "asociación de arte" independiente - Artels of Artists.
Kramskoy ojos Repin
Después de ser expulsado de la Academia, Kramskoy arregló para enseñar en la escuela de la Sociedad para el Fomento de las Artes, entre los estudiantes de los cuales “había un joven talentoso que acababa de llegar a San Petersburgo desde Ucrania”, tal como el propio Kramskoy había soñado una vez con entrar en la Academia de las Artes:Ilya Repin.
El propio Ilya Efimovich describe su primer encuentro con Kramskoy de la siguiente manera:“Este es el domingo, las doce de la tarde. Hay una gran emoción en la clase, Kramskoy no está allí. Dibujamos de la cabeza de Milon Krotonsky ... En el aula hay mucho ruido ... De repente hubo un silencio total ... Y vi a un hombre delgado con una levita negra, entrar con paso firme en el aula. Pensé que era otra persona:imaginé a Kramskoy de manera diferente. En lugar de un hermoso perfil pálido, este tenía una cara delgada y descarada y cabello negro liso en lugar de rizos castaños hasta los hombros, y solo los estudiantes y profesores tienen un aspecto tan descuidado, barba fluida. - ¿Quién es? Le susurro a un amigo. - ¡Kramskoy! ¿No lo sabes? él se pregunta. ¡Así que aquí está! ... Ahora me miró; parece haberlo notado. ¡Qué ojos! No te escondas, a pesar de que son pequeños y se sientan profundamente en órbitas hundidas; gris, resplandor ... ¡Qué cara tan seria! Pero la voz es agradable sincero, habla con emoción… ¡Pero ellos también lo escuchan! Incluso abandonaron su trabajo, se quedan con la boca abierta; es obvio que están tratando de recordar cada palabra. "
Repin, como muchos artistas rusos (el propio Kramskoy escribió muy bien, como Perov), Repin resultó ser un escritor talentoso. En su ensayo "Ivan Nikolaevich Kramskoy (En memoria del maestro)", con su impulsividad inherente, crea un muy animado, retrato literario expresivo. "Las páginas de Kramskoy en las páginas de Repin están en movimiento, en lucha, no es una figura de cera congelada de un panóptico, es precisamente el héroe de una fascinante historia rica en episodios, K. Chukovsky escribió más tarde.
Repin creó una imagen que casi hasta el más mínimo detalle coincide con el Autorretrato, escrito por Kramsky en 1867 y caracterizado por una caracterización inusualmente objetiva. En la imagen, nada nos distrae de lo principal:el rostro del héroe, con un estricto, mirada penetrante de ojos grises. Mente, voluntad, moderación:estos son los principales rasgos de personalidad del artista, que son claramente visibles en el lienzo. La autoestima orgullosa se manifiesta sin dibujar ni posar. Todo es simple y natural en la apariencia externa del pintor y, a su manera, armoniosamente en la interna. El color del retrato es casi monocromático, la pincelada es dinámica, ante nosotros está el reconocido jefe del primer Artel de Artistas de San Petersburgo.
Creación de Artel
En la fachada de la casa número 2/10, de pie en la esquina de la avenida Mayorov y Admiralteysky Prospekt en San Petersburgo, hay una placa conmemorativa con la inscripción:“En esta casa, de 1866 a 1870, un importante artista ruso, Ivan Kramskoy, vivió y trabajó. El Artel organizado por él, uniendo a los principales artistas realistas de los años 60, estaba ubicado aquí. " Pero en la realidad, el Artel de Artistas no adquirió inmediatamente una habitación en el centro de la capital, no lejos de la Plaza del Palacio.
Todo empezó de una forma mucho más modesta. Recordando la organización de Artel, Kramskoy le escribió a Stasov antes de su muerte:“... entonces era necesario en primer lugar comer y comer, ya que las 14 personas tenían dos sillas y una mesa de tres patas. Aquellos que tenían al menos algo habían desaparecido de inmediato. "" Después de mucha deliberación, "Repin escribió, “Llegaron a la conclusión de que es necesario arreglar, con el permiso del gobierno, Artel of Artists, una especie de empresa de arte, taller y oficina aceptando pedidos de la calle, con un cartel y una carta aprobada. Alquilaron un gran apartamento en la decimoséptima línea de la isla Vasilievsky y se mudaron (la mayoría de ellos) para vivir allí juntos. Y luego inmediatamente cobraron vida, animado. Una gran habitación luminosa común, confortables habitaciones para todos, su propia casa, que fue dirigido por la esposa de Kramskoy, todo esto los animó. La vida se ha vuelto más divertida y han aparecido algunas órdenes. La sociedad es poder. ”Así que fue la primera asociación de artistas organizada por Kramskoy. Permitió que muchos artistas talentosos no solo sobrevivieran, pero para lograr el exito, reconocimiento e independencia financiera, cuales, en el final, provocó una mayor desintegración completa de la organización.
Vida personal e interés por la psicología.
Ivan Nikolaevich siempre estuvo seguro de que su elegida sería su fiel novia, compartiría con él todas las penurias de la vida del artista. Sofya Nikolaevna, quien se convirtió en su esposa, Realizó plenamente sus sueños de felicidad personal. En una de las cartas del artista a su esposa, leemos:“… no solo no me molestas siendo artista y compañera de mis compañeros, pero incluso como si tú mismo te hubieras convertido en un verdadero artesano… ”. Kramskoy pintó repetidamente retratos de Sofia Nikolaevna. Y aunque sería demasiado atrevido llamarla la "musa" del artista, ella era sin duda el ideal de mujer para él. La mejor confirmación de esto son sus imágenes creadas en retratos de los años 60. Las características comunes de todas las pinturas son la integridad, independencia y orgullo de su heroína, permitiéndoles ver en ella una "mujer nueva", que al mismo tiempo no ha perdido su verdadera feminidad, poesía y dulzura.
Estas cualidades se notan especialmente en su retrato gráfico, perteneciente a la Galería Tretyakov (década de 1860). Un joven, mujer encantadora y gentil con un carácter de voluntad fuerte, como nos dice un enérgico giro de cabeza y un estricto, pero mirada abierta.
El cuadro "Lectura. Retrato de S. N. Kramskoy", pintado en 1863, nos recuerda los retratos femeninos líricos de principios del siglo XIX. El color de la imagen se basa en una combinación de tonos de verde claro, lila y otros colores delicados. El paisaje juega un papel importante en el lienzo y unos pocos, accesorios cuidadosamente seleccionados que ayudan a transmitir el atractivo obvio de la heroína del retrato. Una joven pareja de Kramsky fue capturada en 1865 por su amigo común "artesano" N. A. Koshelev. En la imagen "Kramskoy con su esposa" vemos un boceto lírico:Sofia Nikolaevna toca el piano, mientras Ivan Nikolaevich se ponía a pensar con el acompañamiento de su música.
En los 60 Kramskoy creó muchos retratos gráficos de sus amigos:N. A. Koshelev, cónyuges Dmitriev-Orenburg, M. B. Tulinov, I. I. Shishkin, fortaleciendo cada vez más su psicologismo. Cierto, la fotografía que se desarrolla rápidamente, parecería, Comenzó a suplantar la gráfica artística y los costosos retratos pictóricos. Parecía que la cámara estaba disponible absolutamente todo lo que no solo podía capturar con precisión la apariencia de la pose, pero también enfatizar ventajosamente los detalles necesarios del disfraz, rico ambiente, joyas, etc. Pero, como ha demostrado el tiempo, no podía hacer nada:mirar dentro de una persona, darle una cierta evaluación social y psicológica. Esto fue posible solo en el retrato creado por el artista.
Fue esto, la mejora del retrato psicológico, lo que muchos maestros, incluyendo N.N. Ge, V.G. Perov e I.N. Kramskoy. El poderoso ascenso del retrato realista ruso coincidió con el comienzo de la era de Wanderer y el final de la era Artel, que perdió su significado original con el tiempo.
Asociación de los vagabundos
La gran idea de crear el TPHV, que jugó un papel importante en la vida del arte ruso, pertenecía a un grupo de destacados artistas de Moscú y San Petersburgo, y el famoso escritor de género G. G. Myasoedov fue el iniciador directo de la iniciativa. Le escribió una carta a Artel, reunirse allí con el apoyo solo de miembros individuales, principalmente - I.N. Kramskoy.
En toga, en 1870, se creó una organización que podría liberar al arte democrático ruso de la tutela estatal, Reunir a los artistas líderes en torno a una asociación basada en el principio del interés material personal de todos sus miembros. El principal objetivo de la Alianza fue el desarrollo del arte. La práctica de las exposiciones itinerantes abrió la posibilidad de una comunicación directa entre los artistas y un público amplio, al mismo tiempo que se plantean los problemas más urgentes de nuestro tiempo.
A lo largo de varias décadas, PM. adquirió muchas de las mejores obras de los Wanderers en su colección. Tretyakov. 28 de noviembre (12 de diciembre de según el nuevo estilo), 1871, la primera exposición de la Asociación se celebró en San Petersburgo. Cabe señalar que fue para Kramsky, un hombre de principios y convicciones extremadamente firmes, que la Asociación de exposiciones itinerantes de arte creada se vio obligada a superar muy pronto las tareas de organización de la exposición y convertirse en una auténtica escuela de arte ruso avanzado.
El propio Ivan Nikolayevich, organizando la Asociación y guiando su vida creativa, encontró en él ese "caldo de cultivo" que le permitió alcanzar su propia cúspide artística. El apogeo de la Asociación de Errantes coincidió con el apogeo del trabajo de Kramskoy, y como pintor, y como crítico-publicista, autor de una serie de artículos muy serios en los que expresaba sus pensamientos sobre el destino del arte y su alta misión social.
En numerosas cartas a varias personas, se pueden leer muchos comentarios interesantes de Kramskoy sobre los grandes maestros del pasado y los artistas rusos y europeos contemporáneos. El momento más notable en el razonamiento crítico del artista fue que los escribió no tanto para enseñar a otros cómo expresar ese enorme y continuo trabajo interno que se realizaba en él mismo.
Kramskoy, en sus visiones estéticas, fue un partidario constante de las enseñanzas de los grandes demócratas V.G. Belinsky y N.G. Chernyshevsky. El escribio, Creyendo que solo la vida misma puede ser la base de la creación artística:“¡Es malo que el arte se convierta en legislador! ... Los intereses serios de la gente deben ir siempre por delante de los menos significativos”.
Kramskoy argumentó que “el arte no puede ser más que nacional. En ninguna parte y nunca hubo otro arte, y si existe el llamado arte humano universal, sólo se debe al hecho de que fue expresado por una nación que se situó frente al desarrollo humano universal. Y si alguna vez en un futuro lejano Rusia está destinada a ocupar tal posición entre los pueblos, luego el arte ruso, siendo profundamente nacional, se volverá universal. "
Imagen de cristo
Durante el apogeo del arte impresionista en Francia, Repin, que estaba en París y admiraba su trabajo, escribió que "nosotros", es decir, rusos, "un pueblo completamente diferente, además, en desarrollo (artístico. - V.R.) estamos en una fase anterior ". En respuesta a la observación de Kramskoy de que los artistas rusos deberían finalmente" pasar a la luz, a los colores, Repin dice:“... nuestra tarea es el contenido. La cara, el alma del hombre, el drama de la vida, las impresiones de la naturaleza, su vida y significado, el espíritu de la historia - estos son nuestros temas ... nuestros colores son un instrumento, deben expresar nuestros pensamientos, nuestro color no son manchas elegantes, debe expresar el estado de ánimo de la imagen, su alma, debe posicionar y capturar a toda la audiencia, como un acorde en la música. "
Cabe señalar que muchas figuras de la cultura rusa de F.M. expresaron ideas similares. Dostoievski a M.P. Mussorgsky. Se plasmaron directamente en las obras de I.N. Kramskoy.
La obra más importante de la obra del artista fue el cuadro "Cristo en el desierto" (1872) que se muestra en la segunda exposición de la Asociación de Errantes (1872), cuya idea surgió hace mucho tiempo. El artista dijo que ella se convirtió en el depositario de las ideas más importantes para él:“Bajo la influencia de una serie de impresiones, una sensación de vida muy pesada se instaló en mí. Veo claramente que hay un momento en la vida de cada persona, creado en lo más mínimo a imagen y semejanza de Dios, cuando encuentra una reflexión sobre él, ¿si ir a la derecha o a la izquierda? ... Todos sabemos cómo suele terminar una oscilación de este tipo. Expandiendo aún más el pensamiento, abrazando a la humanidad en general, I, por mi propia experiencia, de mi pequeño original, y solo de ella solo, Puedo adivinar el terrible drama que se desarrolló durante las crisis históricas. Y ahora tengo una terrible necesidad de decirles a los demás lo que pienso. Pero, ¿cómo saberlo? Cómo, ¿De qué manera se me puede entender? Por la naturaleza de la naturaleza, el lenguaje de los jeroglíficos me resulta más accesible. Y luego, una vez ... vi una figura sentada en un pensamiento profundo ... Su pensamiento era tan serio y profundo que lo ponía constantemente en una posición ... Me quedó claro que estaba ocupado con un asunto importante para él, tan importante que es insensible a la terrible fatiga física ... ¿Quién era? Que es insensible a la terrible fatiga física ... ¿Quién era? Que es insensible a la terrible fatiga física ... ¿Quién era? No lo sé Con toda probabilidad, fue una alucinación; Realmente no debí haberlo visto. Me pareció que esto se adapta mejor a lo que quería contar. Entonces ni siquiera tuve que inventar nada, Solo intenté copiar. Y cuando terminó, le dio un nombre atrevido. Pero si pudiera en el momento en que lo miré, Escribelo, es Cristo? Yo no sé…".
Podemos juzgar cuánto tiempo y cuánto trabajó el artista para crear esa imagen tan "correcta" por la gran cantidad de dibujos y bocetos realizados en preparación para la obra principal. La importancia de esta imagen para Kramskoy se puede juzgar por el hecho de que continuó terminando su trabajo incluso después de que se publicó en la Galería Tretyakov.
El artista representó a Cristo sentado en gris, piedras frias, el suelo del desierto está muerto, parece que Jesús vagó hasta donde el pie humano aún no había pisado. Un delicado equilibrio del nivel del horizonte dividiendo el espacio de trabajo por la mitad, Su figura domina simultáneamente el espacio del lienzo, dibujando una silueta clara contra el cielo, y está en armonía con el mundo terrenal representado en el lienzo. Solo ayuda al artista a profundizar en el drama interno de su héroe. No hay acción en la imagen, pero el espectador parece sentir la vida del espíritu, la obra de los pensamientos del hijo de Dios, resolviendo por sí mismo algún problema importante.
Sus piernas están heridas con piedras afiladas, la figura está doblada, sus manos están dolorosamente apretadas. Mientras tanto, el rostro demacrado de Jesús no solo transmite su sufrimiento, pero a pesar de todo, expresa una tremenda fuerza de voluntad, fidelidad ilimitada a la idea a la que subordinó toda su vida.
"Se sentó cuando el sol todavía estaba frente a él, se sentó cansado, exhausto, al principio miraba el sol, entonces no se dio cuenta de la noche, y al amanecer, cuando el sol salga detrás de él, continuó sentado inmóvil. Y no se puede decir que fuera completamente insensible a las sensaciones:no, él, bajo la influencia del inicio del frío matutino, instintivamente presionó sus codos más cerca de su cuerpo, y solo, sin embargo, sus labios parecían secarse, pegados de un largo silencio, y solo sus ojos delataban el trabajo interior, aunque no vieron nada… ".
El autor se dirige a sus contemporáneos, planteando en esta obra grandes y eternos problemas humanos universales, planteando ante ellos la difícil cuestión de elegir un camino de vida. En Rusia en ese momento había muchas personas que estaban dispuestas a sacrificarse por el bien de la verdad, bondad y justicia. Jóvenes revolucionarios, que pronto se convirtieron en héroes de muchas obras de literatura y pintura democráticas, se estaban preparando para "ir a la gente". La estrecha conexión entre las pinturas de Kramskoy y la vida era obvia, pero el artista quería crear un programa de trabajo:"Y así, este no es cristo es decir, No se quien es. Esta es una expresión de mis pensamientos personales. En que momento Transición. ¿Qué sigue a esto? Continuado en el próximo libro. "Se suponía que el" próximo libro "era el lienzo" La risa "(" Regocíjate, ¡Rey de los judíos!", 1877-1882).
En 1872, Kramskoy escribió a F. A. Vasiliev:"También debemos escribir" Cristo ", ciertamente necesitamos, es decir, no realmente él, pero esa multitud que se ríe a todo pulmón, con todas las fuerzas de sus enormes pulmones de animales ... Esta risa me ha perseguido durante tantos años. No es tan difícil como difícil pero es difícil que se rían. "Cristo ante la multitud, ridiculizado escupido sobre, pero "está tranquilo como una estatua, pálido como un lienzo "." Si bien no estamos hablando seriamente sobre la bondad, honestidad, estamos todos en armonía, tratar de implementar seriamente las ideas cristianas en la vida, mira como la risa sube a tu alrededor. Esta risa me persigue en todas partes donde quiera que vaya, en todas partes lo escucho. "
"Seguir seriamente las ideas cristianas" para el artista no significó en absoluto afirmar los dogmas de la ortodoxia oficial, era un deseo de defender la moralidad genuina, humanidad. El personaje principal de "La risa" fue la personificación no solo de las ideas del propio Kramskoy, resumió los pensamientos de muchos representantes de pensamiento honesto de esa época, OMS, un encuentro directo con la rudeza, cinismo totalmente destructivo, codicia, demostró claramente que el bien abstracto simplemente no podía derrotar al mal real real.
Letra
En la vida de Kramskoy, en medio de su vida, había un cierto drama relacionado con el que estaba experimentando Ivanov al final de su viaje. El artista comenzó a pensar que el fracaso creativo que le había sucedido (la obra “La risa” nunca se completó) es consecuencia de la equivocación de su posición ideológica elegida en su conjunto. Estas dudas fueron generadas por el maximalismo utópico característico de muchos de los mejores representantes de la intelectualidad rusa. El artista logró resolver la difícil tarea, que probó en vano en forma de ciclo de obras sobre Cristo, en sus magníficos retratos de los años 70-80, encarnando en su gran galería de imágenes de escritores rusos avanzados, científicos, artistas y personalidades escénicas de alta apariencia moral.
En los mismos 70, Kramskoy escribe una serie de obras líricas que antes no le eran propias, un vívido ejemplo de ello es el cuadro "Inspección de la casa vieja" (1873), que habla del "nido noble" abandonado y colapsado, a la que regresó su dueño, después de muchos años de ausencia. "El viejo caballero de pura sangre, un graduado, "Finalmente" llega a la finca de su familia después de un largo, mucho tiempo y encuentra la finca en ruinas:el techo se derrumbó en un lugar, por todas partes hay telarañas y moho, En las paredes hay varios retratos de antepasados. Dos personalidades femeninas lo llevan bajo el brazo ... Detrás de ellas, el comprador, un gordo comerciante ... ".
Vemos a un anciano moverse lentamente por la enfilada de habitaciones de una finca familiar abandonada. Entonces entró en la sala de estar, colgados con retratos de sus antepasados oscurecidos de vez en cuando, vi muebles antiguos en fundas de lona gris, parece que hasta el aire de esta vieja casa está pintado en tonos ahumados y polvorientos, el tiempo se ha detenido aquí, y la tímida luz de las ventanas no consigue disipar esta bruma del pasado.
Como N.A. mencionó en sus cartas a Mudrogel, uno de los empleados más antiguos de la Galería Tretyakov, lo más probable es que "en la imagen" Inspección de la casa antigua "Kramskoy se retrató a sí mismo". La evidencia de un contemporáneo es de indudable interés, a pesar de que, incluso si esto es cierto, el artista no se limitó a probar esta triste situación lírica. Kramskoy invertido en su imagen creó un amplio significado poético y social profundo.
Como tú sabes, la imagen quedó inconclusa. Quizás Kramskoy, como activo, activo, persona puramente "pública", simplemente no se permitió relajarse, entra en el canal lírico, superando esta debilidad en sí mismo, para trabajar en obras de un significado social completamente diferente, más importante, en su opinión, en condiciones de una difícil situación socioartística en Rusia en la década de 1870. "En esencia, Nunca amé los retratos y si lo hiciera tolerablemente, fue solo porque amé y amo la fisonomía humana ... me convertí en retratista por necesidad, ”Escribió Ivan Nikolaevich. Es obvio, sin embargo, que la simple "necesidad" por sí sola no podría haberlo convertido en un destacado maestro del retrato.
Retrato de Tolstoi
La necesidad de demostrar eso según las ideas de Chernyshevsky, “La persona humana es la belleza más alta del mundo, accesible a nuestros sentidos, ”Despertó en Kramskoy un gran interés por la“ fisonomía humana ”. Gracias al interés del artista por reflejar el alma humana, Los retratos creados por el maestro en esta época fueron una contribución invaluable a las bellas artes rusas de las décadas de 1860 y 80.
"Los retratos que tienes ahora, " ES DECIR. Repin le escribió en 1881:“Representan los rostros de la querida nación, sus mejores hijos, que aportaron beneficios positivos a sus actividades desinteresadas, en beneficio y prosperidad de su tierra natal, who believed in its better future and fighting for this idea… ”Ivan Nikolaevich Kramskoy became one of the founders of the gallery of portraits, thanks to which we can now see the faces of people who played a huge role in the history and art of Russia. Among the first of them was Leo Tolstoy, whose first portraits were painted by Kramskoy.
To get a portrait of the great Russian writer in the collection was Tretyakov’s cherished dream, but so far no one has managed to persuade Lev Nikolaevich to pose. On the other hand, there was Kramskoy, who tried to persuade the collector to help the young talented artist F.A. Vasiliev, who was dying in the Crimea from consumption. Como resultado, in 1873 Kramskoy, in order to pay Tretyakov’s debt for Vasiliev, persuaded Tolstoy to pose for him for two portraits:one was intended for a collector, the second for the writer’s house in Yasnaya Polyana.
Ivan Nikolaevich worked on both canvases in parallel, while trying to avoid absolute identity. Como resultado, the writer’s family chose a portrait with a more intimate interpretation of Lev Nikolaevich, in which he is immersed in himself. Tretyakov got a portrait in which the writer, as it were, addresses the viewer. So the artist managed to simultaneously create two fundamentally different artistic images.
Both portraits have a number of common features. Firstly, a neutral background, due to which the location of the figure in space ceases to play any role. Secondly, the hands of the model are written out only in general terms. En tercer lugar, the artist deliberately avoided expressive picturesqueness in color. Such restraint of the plastic decision made it possible to transfer all attention to the face of the forty-five-year-old Tolstoy - open, sencillo, framed by a broad beard and a manly cut hair.
The main thing in the created portraits is the eyes of the writer, expressing the intense work of the thoughts of an intelligent and educated person. From the picture of Kramskoy, Tolstoy looks at us “adamantly and sternly, even coldly… not allowing himself to forget at least for a moment about his task of observation and analysis. He becomes a scientist, and his subject is the human soul, ”the prominent Soviet art critic D.V. Sarabyanov described his impression. It was the comprehension of Tolstoy’s powerful intellect that became the main goal and, por supuesto, represented the main difficulty that the artist encountered in this work.
Portraits of the great
Kramskoy painted many portraits commissioned by Tretyakov, paying tribute to this outstanding person. So in 1871, the artist writes from photographs a portrait of the great Ukrainian poet Taras Shevchenko. And in the winter of 1876, Ivan Nikolaevich became especially close to the family of the collector, working on portraits of Tretyakov’s wife Vera Nikolaevna, and Pavel Mikhailovich himself, in whom he always saw not a merchant, but an intellectual and a true patriot of Russian national culture, who firmly believed that “the Russian school of painting not the last will be. " In a small portrait of 1876, characterized by a certain "chamber" of artistic decision, Kramskoy tried to express the social significance of the person portrayed.
By order of Tretyakov, the artist created two images of the great Russian poet-democrat N.A. Nekrasov (1877-1878), the first of them is a portrait of Nikolai Alekseevich, the second is the painting "Nekrasov in the period of" Last Songs ". Work on these works was complicated by a serious illness of the poet. The artist managed to write it sometimes only ten to fifteen minutes a day, but by March 30, 1877, the portrait of N. A. Nekrasov was completed.
But the greatest value is not he, but the painting "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", in which the selection of household details helped to create an accurate image of the poet. A pale, dressed in all white, seriously ill Nekrasov sits on the bed, completely lost in thoughts. And the photographs of N. A. Dobrolyubov and I. S. Turgenev, hung on the walls of his office, as well as a bust of V. G. Belinsky, an ideological mentor and great friend Nekrasov, convey the atmosphere of a rich, intense creative life, making you feel like a great poet immortal.
It is interesting that if you look closely at the surface of the canvas of the picture, it is easy to notice that several seams cross it. The image of the poet’s head is made on a separate fragment, the initial position of which is not difficult to establish. Aparentemente, at first the master portrayed the terminally ill poet as lying down, then rebuilding the composition, for greater expressiveness. Nekrasov appreciated Kramskoy’s talent by presenting him with a copy of his book “Last Songs”, on the title page of which he wrote:“Kramskoy as a keepsake. N. Nekrasov April 3 ".
Kramsky’s work on the images of the outstanding satirist writer M.E. Saltykov-Shchedrin turned out to be even more complex, stretching for several years. One of the two portraits created by the artist was also intended for the Tretyakov collection and was created from 1877 to 1879, undergoing endless alterations. Having completed the picture, Kramskoy writes to Tretyakov that this portrait “came out really very similar”, speaking of his artistic features, the master emphasizes:“The painting… came out Murugha, and imagine - with intent.”
As in the portrait of Tolstoy, the coloring of the work is very deaf, sombrío. Por lo tanto, the artist puts in the spotlight Shchedrin’s face, his high forehead, the mournfully lowered corners of his lips, y, Más importante, the demanding questioning look inherent only to him. An important role in creating the image of a satirical writer is played by hands - closed, with thin interlocked fingers, they are emphasized aristocratic, but not at all gentle.
The unifying idea for the portraits of Leo Tolstoy, N.A. Nekrasov, M.E. Saltykov-Shchedrin, PM. Tretyakova, became the idea of high citizenship. In them, Kramskoy saw the spiritual leaders of the nation, advanced people of their time. This left an imprint on the manner of portraying the portrayed. The artist deliberately “narrowed down” the boundaries of their personality in order to emphasize their social significance. Nada, according to Kramskoy, should have distracted the viewer from the main thing - the spiritual component of the heroes of his portraits, and therefore the color of the paintings is so deaf.
When the artist painted portraits of writers, artistas in his opinion, who did not accumulate the “spiritual charge” of the era so powerfully, he made the pictorial-plastic solution of the work more free, uninhibited, which made the images of people depicted by him lively and direct. To works of this kind can be attributed a portrait of Ivan Ivanovich Shishkin performed by the painter in 1873. This work, like the canvas "Nekrasov in the period of" The Last Songs ", belongs to the category of portraits, pinturas as it combines two principles at once - portrait and landscape.
The image of nature created in this work is not just a natural background for the image of the master of the landscape, but the element in which he lived and worked. The lyrical and at the same time majestic landscape (a clear blue sky with light clouds floating on it, the mysterious silhouette of a forest and tall grass at Shishkin’s feet), not only recreates the appearance of a particular area, but represents a generalized expression of Russian nature, as it was depicted in the 70s years, including I. I. Shishkin himself.
The artist sought to emphasize his indissoluble unity with the outside world. The slender but powerful figure of a landscape painter, his strong-willed open face, outward simplicity and at the same time the undeniable greatness of his appearance, the way he peers calmly and in a businesslike way to endless distances, all this accurately conveys Kramsky’s view of Shishkin as a “man-school” ", " Milestone in the development of the Russian landscape. "
Más tarde, in 1880, Kramskoy will write another portrait of the great singer of Russian nature. In it, the artist will again be amazed at his physical strength, noting that with age, Shishkin’s personality became richer and more complex.
Extraordinary portraiture gift
Among the many portraits of Russian writers and artists painted in the 70s, most of which Kramskoy painted for P.M. Tretyakov, were I.A. Goncharova, ES DECIR. Repin, I.P. Polonsky, P.I. Melnikov-Pechersky, M.M. Antokolsky, S T. Aksakova, F.A. Vasiliev, M.K. Klodt and many others.
Two portraits can be especially distinguished - the writer Dmitry Vasilievich Grigorovich (1876) and the painter Alexander Dmitrievich Litovchenko (1878).
Creating a portrait of the author of the then popular Anton-Goremyk novel, the master vigilantly noticed Grigorovich’s usual bariness of posture and a kind of indulgence and complacency in his eyes, characteristic of a person who was not used to delving into the complexity of life around him. A stressed theatrical gesture of a hand with a gold-framed pince-nez between his thin fingers. “This is not a portrait, but just a scene, drama!.. So Grigorovich is sitting in front of you with all his lies, French feuilletonism, boasting and laughter, ” V.V. Stasov enthusiastically wrote to Kramskoy. Although the artist himself, after a few years wrote a letter to the famous publisher A.S. Suvorin, tried to deflect the accusation of obvious tendentiousness, asserting that he did not want to “do anything funny, except for a completely natural passion for the visible characteristic form, without underlining.”As far as this is true, we probably will never know, but one thing is clear:today we are attracted to the portrait of D. V. Grigorovich precisely by the artist’s fascination with the “visible characteristic form”, which was the key to creating a surprisingly vivid and vibrant human image.
This is even more pronounced in a large-format portrait of A. D. Litovchenko. Dressed in a dense dark brown coat, the artist is depicted on a light gray-greenish background. A little “eroding” the moving contour outlining the figure, Kramskoy emphasized the natural ease of his model. The position of Litovchenko is unusually expressive, the right hand of which is laid with his free movement behind his back, and the left hand gracefully holds a cigar with a usual gesture. Fingers are not drawn, only outlined by several precise, dynamic strokes. It was no coincidence that Kramskoy “smeared” the edge of the sleeve framing this arm and made it deliberately fuzzy. So he convincingly conveyed the natural instantness of the gesture, exactly corresponding to the lively, changeable expression of the face of the hero of the portrait, framed by a lush beard. One can only guess about the lip pattern, but black as embers, the eyes of the person portrayed look so piercingly sharp, in the best way expressing all the immediacy of his nature, that the whole image of Litovchenko is perceived "as alive." The artist uses stingy, but extremely expressive details with amazing accuracy:the cap of the conical shape perfectly completes the silhouette of the artist’s figure as a whole, as well as the light yellow gloves that casually peek out from the pocket of Litovchenko’s coat and complete his image.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.Litovchenko’s coat carelessly peeking out of his pocket completes his look.
The portrait of A. D. Litovchenko is without a doubt one of Kramskoi’s greatest creative successes. His image turned out to be so lively and brightly individual thanks to the high pictorial merits of this picture, “by fire, passion and vitality of quick execution, similar to impromptu” (V. Stasov).
Ivan Nikolaevich no longer “draws” with a brush, as it was in many of his paintings, how many he writes, widely, temperamentously, lining up a plastic form with color, anticipating the best portrait canvases by I.E. Repin. Struck by his powerful expression, M.P. Mussorgsky would respond so much about his work:“Going to the portrait of Litovchenko, I rebounded…” he wrote to V.V. Stasov. - What a miracle Kramskoy! This is not a canvas - it is life, Arte, poder, sought in creativity! "
We can see what the artist himself had become by this time, thanks to his 1874 Self-Portrait. A small format picture was clearly written "for myself." Saturated dark red background contributes to the creation of an atmosphere of emphasized concentration in the portrait. Kramskoy, peering into his own face, shows how over the years his composure and perseverance, developed by a difficult life and constant work, have increased. His gaze became much deeper and sadder than in the self-portrait of 1867, in which the master seemed to publicly declare his position as a wrestling artist. Ahora, without retreating a single step from the chosen path, he confesses to himself how enormous spiritual strength this endurance and courage require.
“Until now, only portraits of men have been successful for Mr. Kramskoy, ” wrote one of the seventh mobile observers, “but the current exhibition has shown that a woman’s portrait, which is incomparably more difficult, is equally accessible to him.”
A true remark, especially considering that before Kramskoy such a democratic kind of female portrait, the merit of the development of which belongs entirely to him, did not exist in Russian painting.
The image of the Russian people
Kramskoy often wrote that, living in St. Petersburg, he felt the brunt of the oppressive public atmosphere, he even said that the "Petersburg climate", which he had always tried to resist, "kills Russian art and artists." In this sensation, he had many like-minded people. Let us recall A. Pushkin, who said that the “North is harmful” to him, K. P. Bryullov, OMS, returning from Italy, bathed in the glory of glory, but wrote that he was “moping, ” because he was “afraid of the climate and bondage.”
“He pulls me out of Petersburg, ” Kramskoy wrote, “it makes me sick!” Where is pulling, why sick?.. Where is peace? Sí, and that would be nothing if rich and unimaginably huge material did not lie outside the cities, allí, in the depths of marshes, forests and impassable roads. What kind of faces, what kind of figures! Sí, the waters of Baden-Baden help the other, Paris and France to the other, and the third… suma, yes freedom! ” Responding vividly to the emerging “going to the people”, the artist wrote that “sitting in the center… you begin to lose the nerve of a wide free life; too far outskirts, and the people are something that can give! Ay Dios mío, what a huge spring! Have only ears to hear, and eyes to see… It pulls me out, that’s how it pulls! ” It was among the people of Kramskoy who saw the main force of life, discovering in it a new source of creative inspiration.
The images of peasants in the works of I. N. Kramskoy are very diverse. This is the "Contemplator" (1876, Kiev Museum of Russian Art), a philosopher, a seeker of eternal truth, and a beekeeper living a life unified with nature ("Pasechnik", 1872), and "Little Man with a Hook" (1872, Tallinn Art Museum) - lived a long, joyless century, a clogged old peasant. There are other images, such as the hero of the painting “Village Warden” (“Miller”, 1873), or the mighty, stern man on the canvas of 1874 “The Head of the Peasant” (Penza Art Gallery of K. A. Savitsky).
But the most significant work on a folk theme was the picture of 1874 "Woodland". Regarding her, Kramskoy writes to P. M. Tretyakov:“… my sketch in a shot hat, according to the plan, should depict one of those types (they are in the Russian people) that understand much of the social and political system of folk life with their mind, and who deeply settled discontent bordering on hatred. Of these people, in difficult times Stenka Razina and Pugacheva gain their gangs, and in ordinary times - they act alone, where and how they will, but never put up. The type is unsympathetic, Sé, but I also know that there are many, I saw them. "
In the late period of creativity, the artist also turned to the peasant theme. In 1882, a "study of a Russian peasant" was created - a portrait of Mina Moiseyev. In 1883, the painting “The Peasant with a Bridle” (Kiev Museum of Russian Art). In these two works, the master created two diametrically opposite images, written, sin embargo, from the same model.
Late period of creativity
Despite the political defeat of democratic thought in Russia in the 70-80s of the 19th century, which was literally crushed by the regime, Russian democratic art was experiencing an unprecedented high rise. Significant changes were taking place in the life of the Partnership of Traveling Art Exhibitions; the work of such titans of Russian fine art as I. E. Repin and V. I. Surikov came to the fore. Ivan Nikolaevich Kramskoy continued to work hard and hard. Despite the high authority that the artist had among his contemporaries, it became increasingly difficult for him to work. Evidence of this is the unfinished picture "Laughter" for many years, the very idea of which no longer corresponded to the needs of the community. Como resultado, Kramskoy had only portraits left.
Durante este período, el artista, with his inherent skill and psychologism, paints portraits of I. I. Shishkin, the outstanding figure in Russian medicine S. P. Botkin and artist V. V. Samoilov. Es más, Kramskoy not only looked worthy next to younger portrait painters, such as I. E. Repin and N. A. Yaroshenko, but continued to play the role of a “teacher” for them. And their paintings, Sucesivamente, carried a reflection of Kramskoy’s art.
Sin embargo, the artist understood that he needed to grow somewhere, to look for new ways for his work. He is trying his hand at a ceremonial portrait, looking for new lighting and color solutions, panting at the same time, under the weight of constant orders. Hurrying to provide families as best as possible and realizing that his strength was running out, Kramskoy darted between time-consuming creative searches and fast work, which sometimes did not lead to the best result. The artist, who was highly respected and even honored, was hard on these failures.
The requirements that life itself presented to art changed, por lo tanto, and the art system had to change. In 1883, a young artist K. A. Korovin, a student of A. K. Savrasov and V. D. Polenov, wrote a sketch “Chorus Girl” at the Moscow School of Music and Arts, taking for him an unusual motif and very bold painting techniques. Even Polenov, familiar with the work of the French impressionists, was struck by this bold experiment of the artist, deciding that he was far ahead of his time. Sin embargo, soon a close friend of Korovin, V. A. Serov will write his “Girl with Peaches” (1887), turning the portrait of twelve-year-old Vera - the daughter of the famous Moscow industrialist S. I. Mamontov, into a radiant image of youth.
In an effort to capture the essence of new trends, Kramskoy writes his “Unknown” (1883) - one of his most mysterious paintings. Here is how the art historian N. G. Mashkovtsev describes the painting:“A young woman is depicted in a stroller against the background of the Anichkov Palace, painted in rusty red. This color is softened by winter fog, as well as the contours of architecture. With a greater clarity, the female figure comes to the fore. She is dressed with all the luxury of fashion. She sat back in the crew, upholstered in dark yellow leather. In her face is the pride of a woman conscious of her charm. In no portrait did Kramskoy pay so much attention to accessories - velvet, silk, piel. The dark glove, tightly covering the hand, like a second skin, thin and translucent, through which a living body is felt, is written with some special warmth. Who is she, this captivating woman, it remains unknown. "
Many believe that Kramskoy portrayed Anna Karenina as a symbol of the new position of a woman in society, such as it should become. This version has both supporters and opponents, but it would be more correct to assume that the artist I.N. Kramskoy, and the writer L.G. Tolstoy, creating their female images, invested in them something more than a portrait of a specific woman, a saber, their idea of the ideal of a modern woman. Like Tolstoy, Kramskoy, defending the human dignity of a woman, he set himself the task of trying to realize his idea of the moral and aesthetic category of beauty through the visible, “objective”, attractiveness of the model.
In 1884, the artist completed his painting "Inconsolable grief", conceived back in the late 70s. The plot of the canvas is inspired by the personal grief of the master - the death at an early age of his two younger sons. Through this work, which has an unusual number of sketches and sketches (showing how important it was for Kramskoy) for the artist, he transferred his own grief and grief to his wife, Sophia Nikolaevna. Investing in the picture a lot of personal, deeply hidden, the painter at the same time sought to maximize and deepen its content. Precisely and sparingly selected elements bring us into the atmosphere of the house, into which great grief came, transmitido, sin embargo, very restrained, without melodramatic excesses, only the reddish glow of the funeral candles flickering behind the curtains suggests its cause.
The compositional and semantic center of the canvas is the image of a woman full of drama. Her strained straight figure, the mournful gaze of those who do not see eyes, the scarf brought to her lips, testifying to the barely restrained sobs, reveal the whole depth of her suffering. Such a psychological expressiveness of the image did not easily go to the artist. “I sincerely sympathized with maternal grief, ” Kramskoy wrote to P. M. Tretyakov. “I was looking for a long clean form and finally settled on this form…” It was the strict form, achieved without unnecessary theatricality, that allowed him to create the image of a strong-willed person, and the monumental structure of the canvas helped convey feelings and emotions, like a personality drama that the master is trying to raise to the level of a large social phenomenon.
It should be noted that in contrast to the portraits of the 70s, in which the feelings of the heroes of Kramskoy were more likely marked by the seal of high citizenship, the characters of later works live in a much more closed world of personal experiences.
Kramsky’s letters to his friends tell us how difficult the last period of his life was for him. In 1883 he writes P.M. To Tretyakov:“… I confess that circumstances are beyond my character and will. I am broken by life and have far from done what I wanted and what I should have… ". At the same time, a letter was written to the artist P. O. Kovalevsky:“I have been working in darkness for a long time. Near me there is already nobody who, like a voice of conscience or the trumpet of the archangel, would notify a person:“Where is he going? Is it a real road or lost? ” There is nothing more to expect from me; I myself have already stopped waiting for myself. "
Sin embargo, the master worked until his last day. For five hours a day, he conducted portrait sessions, constantly crying out in pain, but almost noticing this, he was so carried away by his creative process. So it was on the last day of the painter. Feeling a surge of vigor in the morning, he painted a portrait of Dr. Rauchfus. Repentinamente, his gaze stopped and he fell right on his palette. It was March 24, 1887.
“I don’t remember the more cordial and touching the funeral!.. Peace be upon you, a mighty Russian man who has gotten out of the insignificance and dirt of the backwoods, ” wrote I. E. Repin subsequently about the wires to the last journey of his old friend.
In the same 1887, a large posthumous exhibition of the works of the great Russian master was organized, accompanied by the publication of a detailed illustrated catalog. Un año después, a book was published dedicated to the life and work of Ivan Nikolaevich Kramskoy.
