Leonardo da Vinci (1452-1519)
La personalidad y obra de Leonardo da Vinci siempre ha sido de gran interés. Leonardo era una figura demasiado extraordinaria para su época. Se imprimen libros y artículos, Se estrenan largometrajes y documentales. Los historiadores del arte recurren a científicos y místicos, en un intento por encontrar la solución al misterio del genio del gran maestro. Incluso hay una dirección separada en la ciencia, explorando la herencia del pintor. Se abren museos en honor a Leonardo da Vinci, Las exposiciones temáticas se llevan a cabo constantemente en todo el mundo. rompiendo todos los récords de asistencia, y Mona Lisa mira fijamente a las multitudes de turistas durante días y días desde el vidrio blindado. Leyendas y hechos históricos reales, Los logros científicos y la ficción están estrechamente entrelazados en torno al nombre de un genio.
Pinturas y dibujos de Leonardo da Vinci
El destino del gran maestro
El futuro gran artista y científico nació el 14 de abril de 1452 de una relación extramatrimonial de un notario público adinerado, Señor Pierrot, con una campesina o con la dueña de una taberna del pueblo de Vinci. El niño se llamaba Leonardo. Katerina, ese era el nombre de la madre del artista, crió a su hijo durante los primeros cinco años de su vida, después de lo cual el padre llevó al niño a su casa.
Aunque Pierrot estaba oficialmente casado, no tuvo más hijos que Leonardo. Por lo tanto, la aparición del niño en la casa fue acogida cálida y cordialmente. Lo único de lo que se ha quedado privado el artista, siendo totalmente apoyado por su padre, son los derechos de herencia. Los primeros años de Leonardo transcurrieron serenamente, rodeado por la pintoresca naturaleza montañosa de la Toscana. Llevará su admiración y amor por su tierra natal durante toda su vida, perpetuando su belleza en sus paisajes.
La paz y la tranquilidad de la vida provincial terminó cuando la familia se mudó a Florencia. La vida empezó a jugar empezaron a bulliciar con todos los colores de una auténtica metrópoli de esa época. La ciudad estaba dirigida por representantes del clan Medici, conocidos por su generosidad de filántropos que crearon las condiciones ideales para el desarrollo de las artes en su patrimonio.
Durante su reinado, Florencia se convirtió en la cuna de la revolución cultural y científica conocida como Renacimiento. Una vez aquí el joven Leonardo estaba en el centro mismo de los acontecimientos cuando la ciudad se acercaba a la cima de su apogeo y gloria, la cima de la grandeza, del cual el joven artista se convirtió en parte integral.
Pero la grandeza estaba por delante pero por ahora, el genio del futuro solo necesitaba obtener una educación. Siendo un hijo ilegítimo, no pudo continuar el trabajo de su padre, además de convertirse, por ejemplo, un abogado o un médico. Cuales, en general, no lastimó el destino de Leonardo.
Desde muy temprana edad el joven demostró habilidades artísticas sobresalientes. Pierrot no pudo ignorar esto cuando tomó una decisión sobre el destino de su único hijo. Pronto, su padre envió a Leonardo, de dieciocho años, a estudiar en un taller de pintura avanzado y muy exitoso. El instructor del artista fue el famoso pintor Andrea del Verocchio.
Un escultor y artista talentoso y de mente amplia, Verocchio no predicó puntos de vista estéticos medievales, pero traté de mantenerse al día. Estaba muy interesado en muestras de arte antiguo, que consideró insuperable, en su trabajo buscó revivir las tradiciones de Roma y Grecia. Sin embargo, reconocer y respetar los avances, Verocchio hizo un amplio uso de los logros técnicos y científicos de su tiempo, gracias a lo cual la pintura se acercaba al realismo.
Plano, imágenes esquemáticas de la Edad Media se alejaban, dando paso al deseo de imitar plenamente a la naturaleza en todo. Y para ello era necesario dominar las técnicas de perspectiva lineal y aérea, para comprender las leyes de la luz y la sombra, lo que significó la necesidad de dominar las matemáticas, geometría, dibujo, química, física y óptica. Leonardo estudió con Verocchio los fundamentos de todas las ciencias exactas, mientras domina simultáneamente las técnicas de dibujo, modelado y escultura, habilidades adquiridas para trabajar con yeso, cuero y metal. Su talento se reveló tan rápida y claramente que pronto el joven talento se alejó de su maestro en la habilidad y calidad de la pintura.
Ya a los veinte años en 1472, Leonardo se convirtió en miembro del honorable gremio de artistas florentinos. E incluso la falta de su propio taller, que adquirió solo unos años después, no le impidió emprender su propio camino como maestro independiente. A pesar de las obvias habilidades de ingeniería y el notable talento para las ciencias exactas, la sociedad veía en el artista sólo un artesano que aún no tenía gran prestigio. Los ideales de libertad y creatividad aún estaban lejos.
El destino del artista del siglo XV dependía por completo de mecenas influyentes. Así que a lo largo de su vida Leonardo tuvo que buscar un lugar de servicio entre los poderosos, y el cumplimiento de las órdenes seculares y eclesiásticas individuales se basó en el principio de un simple acuerdo comercial.
Los primeros diez años de la vida del artista transcurrieron en búsquedas creativas y trabajos en algunos pedidos. Hasta aquí, una vez Leonardo escuchó un rumor de que el duque de Sforza, el gobernante de Milán, necesitaba un escultor de la corte. El joven decidió de inmediato probar suerte.
El hecho es que Milán en ese momento era uno de los mayores centros de producción de armas, y Leonardo estaba inmerso en su último pasatiempo:el desarrollo de dibujos de máquinas y mecanismos originales e ingeniosos. Por lo tanto, la posibilidad de trasladarse a la capital de la ingeniería, estaba muy inspirado. El artista escribió una carta de recomendación al duque de Sforza, en el que se atrevió a ofrecerse no solo como escultor, artista y arquitecto, pero también como ingeniero, afirmando que podía construir barcos, vehículos blindados, catapultas, armas y otro equipo militar. El duque quedó impresionado por la carta de confianza en sí mismo de Leonardo, pero sólo lo satisfizo parcialmente:estaba de humor para que el artista fuera escultor. La primera tarea del nuevo escultor de la corte fue la fabricación de una estatua de bronce de un caballo, diseñado para decorar la cripta familiar de Sforza. Lo curioso es que por diversas circunstancias, durante los diecisiete años que Leonardo pasó en la corte de Milán, el caballo nunca fue echado. Pero el interés de los jóvenes talentos en los asuntos militares, La mecánica y la tecnología en los talleres de armas solo crecieron. Casi todos los inventos de Leonardo se remontan a este período.
A lo largo de su vida, el ingenioso da Vinci ha creado numerosos dibujos de tejido, máquinas de impresión y laminación, hornos metalúrgicos y una máquina para trabajar la madera. Fue el primero en pensar en la idea de un tornillo de helicóptero, rodamientos de bolas, una grúa giratoria, un mecanismo para hincar pilotes, una turbina hidráulica, un dispositivo para medir la velocidad del viento, una escalera telescópica contra incendios, una llave inglesa, y una caja de cambios. Leonardo desarrolló modelos de varios vehículos militares:tanques, catapultas, submarinos. En sus bocetos hay prototipos de un foco de una campana de buceo, una excavadora, una bicicleta, y aletas. Además de sus diseños más famosos, basado en un minucioso estudio de la técnica del vuelo de los pájaros y la estructura del ala del pájaro - un avión muy similar a un ala delta, y un paracaídas.
Desafortunadamente, Leonardo no pudo ver la encarnación de la gran mayoría de sus ideas en la vida. Aún no ha llegado el momento para ellos, no había materias primas y materiales necesarios, cuya creación también fue prevista por el genio del siglo XV. Toda su vida, Leonardo da Vinci tuvo que soportar el hecho de que sus grandiosos diseños se adelantaron demasiado a la época. Solo a finales del siglo XIX, muchos de ellos recibirán su implementación. Y, por supuesto, el maestro no sospechaba que en los siglos XX y XXI, millones de turistas admirarán estos inventos en museos especiales dedicados a su obra.
En 1499, Leonardo se fue de Milán. El motivo fue la toma de la ciudad por las tropas francesas dirigidas por Luis XII, el duque de Sforza, que había perdido el poder, huyó al extranjero. Para el artista comenzó un período difícil en su vida. Por cuatro años, se movía constantemente de un lugar a otro, en ninguna parte por mucho tiempo sin parar. Hasta aquí, en 1503, él, cincuenta, nuevamente tuvo que regresar a Florencia, la ciudad donde una vez trabajó como un simple aprendiz, y ahora, en la cima de la habilidad y la fama, trabajó en la creación de su brillante Mona Lisa.
Cierto, regresó a Milán da Vinci, después de varios años de trabajo en Florencia. Ahora, estaba allí el pintor de la corte de Luis XII, que en ese momento controlaba todo el norte italiano. Periódicamente el artista regresó a Florencia, cumpliendo un pedido en particular. Las ordalías de Leonardo terminaron en 1513 cuando se mudó a Roma para ver al nuevo patrón, Giuliano Medici, el hermano del Papa León X. Durante los próximos tres años, da Vinci se ocupó principalmente de la ciencia, pedidos de desarrollos de ingeniería y experimentos técnicos.
Ya a una edad muy avanzada, Leonardo da Vinci se movió de nuevo, esta vez a Francia, por invitación de Francisco I, quien sucedió a Luis XII en el trono. El resto de la vida del brillante maestro transcurrió en la residencia real, el castillo de Lmboise, Rodeado del más alto honor del lado del monarca. El propio artista, a pesar del entumecimiento de su mano derecha y el empeoramiento constante del estado de salud, continuó haciendo bocetos e involucrando a los estudiantes que lo reemplazaron con una familia que nunca fue creada por el maestro durante su vida.
Don de observador y científico
Desde la primera infancia, Leonardo tenía un talento de observador poco común. Desde la primera infancia hasta el final de su vida, un artista, fascinado por los fenómenos naturales, podría mirar durante horas la llama de una vela, monitorear el comportamiento de los seres vivos, estudiar el movimiento del agua, los ciclos de crecimiento de las plantas y el vuelo de las aves. Un vivo interés en el mundo que lo rodeaba le dio al maestro una gran cantidad de conocimientos invaluables y las claves de muchos secretos de la naturaleza. “La naturaleza lo ha arreglado todo tan perfectamente que en todas partes encuentras algo que puede darte nuevos conocimientos, ”Dijo el maestro.
Durante su vida, Leonardo hizo transiciones a través de los pasos alpinos más altos para explorar la naturaleza de los fenómenos atmosféricos, viajó a través de lagos y ríos de montaña para estudiar las propiedades del agua. A lo largo de su vida, Leonardo llevaba consigo un cuaderno en el que anotaba todo lo que llamaba su atención. Dio especial importancia a la óptica, creyendo que el ojo del pintor es una herramienta directa del conocimiento científico.
Negarse a seguir el camino recorrido por los contemporáneos, Leonardo buscó sus propias respuestas a las cuestiones de armonía y proporcionalidad de todas las cosas (el mundo que lo rodeaba y el hombre mismo) que le preocupaban. El artista se dio cuenta de que si quiere capturar a la persona misma y al mundo que lo rodea en sus obras sin distorsionar su esencia, debe estudiar la naturaleza de ambos lo más profundamente posible. Comenzando con la observación de fenómenos y formas visibles, paulatinamente profundizó en los procesos y mecanismos que los rigen.
El conocimiento matemático ayudó al pintor a comprender que cualquier objeto u objeto es un todo, que inevitablemente consta de muchas partes, cuya proporcionalidad y ubicación adecuada da lugar a lo que se llama armonía. Un descubrimiento increíble del pintor fue que los conceptos de "naturaleza", La "belleza" y la "armonía" están indisolublemente ligadas a una ley específica, después de lo cual se forman absolutamente todas las formas de la naturaleza, partiendo de las estrellas más lejanas del cielo, y terminando con pétalos de flores. Leonardo se dio cuenta de que esta ley se puede expresar en el lenguaje de los números, y usándolo para crear obras hermosas y armoniosas en la pintura, escultura, arquitectura y cualquier otro campo.
De hecho, Leonardo pudo descubrir el principio por el cual el mismo Creador del Génesis creó este mundo. El artista llamó a su descubrimiento "Dorado, o Proporción Divina ". Esta ley ya era conocida por los filósofos y creadores del mundo antiguo, en Grecia y Egipto, donde fue ampliamente utilizado en una amplia variedad de formas de arte. El pintor caminó por el camino de la práctica, y prefirió obtener todo su conocimiento de su propia experiencia de interacción con la naturaleza y el mundo.
Leonardo no escatimó en compartir sus descubrimientos y logros con el mundo. Durante su vida, trabajó con el matemático Luke Pocholi para crear el libro "Divine Proportion", y después de la muerte del maestro vio la luz del tratado de la Sección Áurea, basado enteramente en sus descubrimientos. Ambos libros están escritos sobre arte en el lenguaje de las matemáticas, geometría y física. Además de estas ciencias, el artista en diferentes momentos estuvo seriamente interesado en el estudio de la química, astronomía, botánica, geología, geodesia, óptica y anatomía. Y todo en orden en el final, para resolver las tareas que se propuso en el arte. Fue a través de la pintura que Leonardo consideraba la forma más intelectual de creatividad, buscó expresar la armonía y la belleza del espacio circundante.
Vida sobre lienzo
Mirando la herencia creativa del gran pintor, se puede ver claramente cómo la profundidad de la penetración de Leonardo en los cimientos de los fundamentos del conocimiento científico sobre el mundo llenó de vida sus pinturas, haciéndolos cada vez más verdaderos. Parece que con las personas representadas por el maestro, puedes tener una conversación fácilmente, objetos pintados por él, gira en tus manos, y adentrarte en el paisaje y perderte. En las imágenes de Leonardo, misterioso y sorprendentemente realista al mismo tiempo, la profundidad y la espiritualidad son evidentes.
Para entender lo que Leonardo consideraba un real, creación viva, puedes hacer una analogía con la fotografía. Fotografía, De hecho, es solo una copia espejo, evidencia documental de vida, un reflejo del mundo creado, incapaz de alcanzar su perfección. Desde este punto de vista, el fotógrafo es una encarnación moderna de aquello de quien Leonardo dijo:“Un pintor, dibujando sin sentido, guiado solo por la práctica y el juicio del ojo, es como un espejo ordinario que imita todos los objetos que se le oponen, sin saber nada de ellos ". Un verdadero artista, según el maestro, mientras estudia la naturaleza y la recrea en un lienzo, debe superarlo, "él mismo inventó innumerables formas de hierba y animales, árboles y paisajes ".
El siguiente paso en la maestría y el don único del hombre, según Leonardo, es fantasía. “Donde la naturaleza ya ha terminado de producir su especie, el hombre mismo comienza a crear innumerables tipos de cosas nuevas con la ayuda de la naturaleza ". El desarrollo de la imaginación es lo primero y más básico que debe hacer un artista, según da Vinci, eso es sobre lo que escribe en las páginas de sus manuscritos. En labios de Leonardo suena a Verdad con mayúscula, porque él mismo lo ha demostrado repetidamente con toda su vida y herencia creativa, incluyendo tantas conjeturas e inventos ingeniosos.
El deseo incontenible de conocimiento de Leonardo ha tocado casi todos los ámbitos de la actividad humana. Durante su vida, el maestro pudo demostrar su valía como músico, poeta y escritor, ingeniero y mecánico, escultor, arquitecto y urbanista, biólogo, físico y químico, conocedor de anatomía y medicina, geólogo y cartógrafo. El genio da Vinci encontró su aplicación incluso en la creación de recetas culinarias, el desarrollo de la ropa, la recopilación de juegos para el entretenimiento palaciego y el diseño de jardines.
Leonardo podía presumir no solo de un conocimiento inusualmente versátil y una amplia gama de habilidades, pero también una apariencia casi perfecta. Según los contemporáneos, era alto hombre guapo, bien formado y dotado de una gran fuerza física. Leonardo cantó perfectamente, era un narrador brillante e ingenioso, bailaba y tocaba la lira, tenía modales exquisitos, Era cortés y simplemente fascinaba a la gente con su sola presencia.
Quizás fue precisamente esta naturaleza extraordinaria en casi todos los ámbitos de la vida lo que provocó una actitud tan cautelosa de la mayoría conservadora hacia él, aceptar con aprensión las ideas innovadoras. Por su genialidad y pensamiento innovador, repetidamente fue tildado de hereje e incluso acusado de servir al diablo. Aparentemente este es el destino de todos los genios que vienen a nuestro mundo para romper los cimientos y hacer avanzar a la humanidad.
De palabra y de hecho, negando la experiencia de generaciones pasadas, El gran pintor dijo que "la imagen del pintor será poco perfecta si toma como inspiración los cuadros de otros". Esto se aplica a todas las demás áreas del conocimiento. Leonardo prestó gran atención a la experiencia como principal fuente de ideas sobre el hombre y el mundo. “La sabiduría es hija de la experiencia, "Dijo el artista, no se puede adquirir con solo estudiar libros, porque quienes las escriben son solo intermediarios entre las personas y la naturaleza.
Cada persona es un hijo de la naturaleza y la corona de la creación. Tiene incontables posibilidades de conocer el mundo, indisolublemente ligado a cada célula de su cuerpo. A través de la exploración del mundo Leonardo se conocía a sí mismo. La pregunta que atormenta a muchos historiadores del arte es ¿qué le interesó más a Da Vinci:la pintura o la cognición? ¿Quién fue al final? ¿Un artista? científico o filósofo? La respuesta es esencialmente simple, como un verdadero creador, Leonardo da Vinci combinó armoniosamente todos estos conceptos en uno. Después de todo, puedes aprender a dibujar, poder tener un pincel y pinturas, pero esto no te convertirá en un artista, porque la creatividad real es un estado especial de sentimientos y actitud hacia el mundo. Nuestro mundo corresponderá, conviértete en una musa, descubrir sus secretos y dejar que sólo amándolo de verdad penetre en la esencia misma de las cosas y los fenómenos. De la forma en que vivió Leonardo, de todo lo que hizo, era obvio que era una persona apasionadamente enamorada.
Imágenes de la Virgen
La obra "La Anunciación" (1472-1475, Lumbrera, Paris) fue escrito por un joven pintor al comienzo de su carrera. La pintura que representa la Anunciación estaba destinada a uno de los monasterios no lejos de Florencia. Ella generó mucha polémica entre los investigadores del gran Leonardo. Las dudas se refieren en particular al hecho de que la obra es una obra completamente independiente del artista. Debo decir, tales disputas en torno a la autoría no son infrecuentes en muchas obras de Leonardo.
Realizado sobre un panel de madera de impresionantes dimensiones - 98 x 217 cm, la obra muestra el momento en que el Arcángel Gabriel, que descendió del cielo, le dice a María que dará a luz un hijo, a quien Jesús llamará. Se cree tradicionalmente que María en ese momento estaba leyendo el pasaje mismo de las profecías de Isaías, que menciona un cumplimiento futuro. La escena no se representa accidentalmente con el telón de fondo de un jardín de primavera:las flores en la mano del arcángel y bajo sus pies simbolizan la pureza de la Virgen María. Y el jardín en sí rodeado por un muro bajo, tradicionalmente nos remite a la imagen impecable de la Madre de Dios, separada del mundo exterior por su integridad.
Un hecho interesante está asociado con las alas de Gabriel. Se distingue claramente en la imagen que se terminaron más tarde:un artista desconocido los alargó en un estilo de pintura muy crudo. Las alas originales que describió Leonardo permanecieron discernibles:son mucho más cortas y, probablemente, fueron esbozadas por el artista a partir de las alas de un pájaro real.
En este trabajo, si miras con atención, puedes encontrar varios errores cometidos por Leonardo, que todavía era inexperto, en la construcción de una perspectiva. El más obvio de los cuales es la mano derecha de María, visualmente ubicada más cerca del espectador que toda su figura. Todavía no hay suavidad en las cortinas de la ropa; se ven demasiado pesados y congelados, como si estuviera hecho de piedra. Aquí hay que tener en cuenta que esto es lo que le enseñó Leonardo a su mentor Verocchio. Esta angulosidad y nitidez es característica de casi todas las obras de artistas de esa época. Pero en el futuro en camino de encontrar su propio realismo pintoresco, Leonardo se desarrollará y liderará a todos los demás artistas.
En la pintura "Madonna Litta" (hacia 1480, el ermitano, San Petersburgo), Leonardo logró crear una imagen femenina increíblemente expresiva utilizando casi el único gesto. En el lienzo vemos un lleno de consideración, una madre tierna y pacificada, admirando a su hijo, concentrando en esta mirada toda la plenitud de sentimientos. Sin una inclinación de cabeza tan especial, tan característico de muchas obras del maestro, que estudió durante horas creando docenas de dibujos preparatorios, gran parte de la impresión de amor maternal ilimitado habría desaparecido. Solo las sombras en las comisuras de los labios de María insinúan la posibilidad de una sonrisa, pero cuánta ternura le da esto a todo el rostro. En tamaño, el trabajo es muy pequeño, solo 42 x 33 cm, lo más probable es que estuviera destinado a la adoración en el hogar. En efecto, en Italia del siglo XV, las pintorescas imágenes de la Virgen y el Niño eran bastante populares, a menudo eran ordenados por ciudadanos ricos. Presumiblemente, “Madonna Litta” fue escrita originalmente por un maestro para los gobernantes de Milán. Luego, cambiando varios propietarios, se mudó a una colección familiar privada. El nombre moderno de la obra proviene del nombre del Conde Litta, que era dueño de una galería de arte familiar en Milán. En 1865, fue él quien lo vendió al Hermitage junto con varios otros cuadros.
En la diestra del niño Jesús, se esconde un polluelo casi invisible a primera vista, sirviendo en la tradición cristiana como símbolo del Hijo de Dios y su infancia. Hay disputas en torno al lienzo, causado por contornos demasiado claros de la imagen y alguna postura antinatural del niño, lo que lleva a muchos investigadores a suponer que uno de los estudiantes de Leonardo participó activamente en la creación de la imagen.
La primera pintura, en el que se reveló el talento del maestro, era la pintura "Madonna en la gruta" (hacia 1483, Museo Louvre, París). La composición fue ordenada para el altar de la capilla en la iglesia milanesa de San Francisco y se suponía que sería la parte central del tríptico. El pedido se dividió entre tres maestros. Uno de ellos creó paneles laterales con la imagen de ángeles para la imagen del altar, el otro - encuadre tallado del trabajo terminado de madera.
El clero firmó un contrato muy detallado con Leonardo. Estipulaba los detalles más pequeños de la imagen, hasta el estilo y la técnica de realizar todos los elementos e incluso el color de la ropa, del cual el artista no debe desviarse ni un paso. Entonces, nació una obra que narra el encuentro del niño Jesús y Juan el Bautista. La acción tiene lugar en la parte trasera de la gruta, en el que madre e hijo se refugian de los perseguidores enviados por el rey Herodes, que vio en el Hijo de Dios una amenaza directa a su poder. El bautista corre hacia Jesús, juntó las manos en oración, OMS, Sucesivamente, lo bendice con un gesto de la mano. Testigo silencioso de la Santa Cena es el ángel Uriel, mirando hacia el espectador. De aquí en adelante, será llamado para proteger a John. Las cuatro figuras están dispuestas con tanta habilidad en la imagen que parecen formar un todo único. Quiero llamar “musical” a toda la composición con tanta ternura, armonía y suavidad en sus caracteres, unidos por gestos y miradas.
Este trabajo que le fue entregado al artista es muy difícil. El plazo estaba estrictamente estipulado en el contrato, pero, como solía pasar con el pintor, no pudo mantenerse dentro de ella, lo que implicó procedimientos legales. Después de una larga demanda, Leonardo tuvo que escribir otra versión de esta composición, que ahora se almacena en la Galería Nacional de Londres, lo conocemos como "Madonna in the Rocks".
El famoso fresco del monasterio de Milán
Dentro de los muros del monasterio milanés de Santa Maria della Grazie, más precisamente en su refectorio, Se conserva una de las mayores obras maestras de la pintura y el principal tesoro nacional de Italia. El legendario fresco "La Última Cena" (1495-1498) ocupa un espacio de 4,6 x 8,8 m, y describe un momento dramático cuando, rodeado de discípulos, Cristo pronuncia la triste profecía:"Uno de vosotros me traicionará".
El pintor, que siempre se sintió atraído por el estudio de las pasiones humanas, quería capturar a la gente común, no personajes históricos, en las imágenes de los apóstoles. Cada uno de ellos responde a su manera al evento. Leonardo se propuso su tarea con el mayor realismo para transmitir la atmósfera psicológica de la noche, para transmitirnos los diversos personajes de sus participantes, exponiendo su mundo psíquico y experiencias conflictivas con la precisión de un psicólogo. En la variedad de rostros de los héroes del cuadro y sus gestos, hay un lugar para casi todas las emociones, desde la sorpresa hasta la ira furiosa, de la confusión a la tristeza, desde la simple incredulidad hasta la profunda conmoción. El futuro traidor Judas, quienes tradicionalmente todos los artistas habían sido previamente separados del grupo general, se sienta en este trabajo junto con los demás, distinguiéndose claramente con una expresión lúgubre y una sombra, como si envolviera toda su figura. Dado el principio de la proporción áurea que descubrió, Leonardo verificó la ubicación de cada estudiante con precisión matemática. Los doce apóstoles se dividen en cuatro grupos casi simétricos, destacando la figura de Cristo en el centro. Otros detalles de la imagen están diseñados para no distraer la atención de los personajes. Entonces, la mesa se ha hecho intencionadamente demasiado pequeña, y la habitación en sí, en el que tiene lugar la comida, es simple y simple.
Trabajando en La Última Cena, Leonardo realizó un experimento con pinturas. Pero, Desafortunadamente, inventó la composición del suelo y la pintura, para lo cual combinó aceite y témpera, era completamente inestable. La consecuencia de esto fue que solo veinte años después de escribir, la obra comenzó a deteriorarse rápida e irreversiblemente. El establo, que fue arreglado por el ejército de Napoleón en la habitación donde estaba ubicado el fresco, exacerbado el problema ya existente. Como resultado, En este monumental lienzo se han realizado trabajos de restauración casi desde el inicio de su historia hasta nuestros días, solo gracias a lo cual todavía es posible conservarlo.
Habiendo comenzado su larga vida, Ciu Leonardo da Vinci no creó más de veinte pinturas, algunos de los cuales quedaron sin terminar. Tal fertilidad, sorprendente en ese momento, no alivió a los clientes, pero la parsimonia con la que el maestro solía trabajar en sus cuadros se convirtió por completo en sinónimo. Recuerdos del monje del monasterio de Santa Maria delle Grazie, quien observó la obra del pintor en el famoso fresco "La Última Cena". Así es como describió la jornada laboral de Leonardo:a primera hora de la mañana, el artista subió a los bosques erigidos alrededor de la pintura, y no pudo desprenderse de su cepillo hasta altas horas de la noche, olvidándose por completo de la comida y el descanso. Pero en otra ocasión pasó horas, dias, mirando de cerca su creación, sin aplicar una sola mancha. Desafortunadamente, a pesar de todos los esfuerzos del maestro, debido a un experimento y materiales fallidos, el fresco del monasterio de Milán se convirtió en una de las decepciones más poderosas del artista.
La misteriosa Mona Lisa
Para eso, la pintura "Mona Lisa" ocupó un lugar muy importante en su vida. Desde el momento de escribir el famoso lienzo hasta el final de su vida, Leonardo será inseparable de él, como con su tesoro más preciado. ¿Cuál es el secreto de esa gran impresión que deja este cuadro de tamaño reducido (sólo 77x53 cm), Millones de espectadores se preguntan desde hace siglos quién lo ha visto al menos una vez.
Es extremadamente sorprendente que en las grabaciones de Leonardo da Vinci no haya una sola mención a este retrato. No hay informacion ni quien lo comisionó para trabajar en el lienzo, ni quien le sirvió de modelo, ni cómo fue el proceso de su creación. El artista, que ha estado grabando toda su vida toda su vida, ni una sola vez ha mencionado a un búho como la creación más grande.
No hay absolutamente ninguna prueba documental, pero las mentes inquisitivas de los especialistas han avanzado extraordinariamente en sus conjeturas. En Diferentes Momentos, la duquesa Matui Isabella d'Este, cuyos retratos Leonardo trabajó en ese momento, luego cierta amante florentina llamada Pacifica Brandano, que era la amante del noble patrón Giuliano Medici, se convirtieron en candidatos a la heroína del lienzo. Varios investigadores afirman que no existía ningún modelo, y Leonardo creó la imagen colectiva perfecta de una mujer. Otros están seguros de que recreó de memoria los rasgos de su madre. Otros más argumentan que se trata de un joven con atuendo de mujer, un ex alumno, y posiblemente un amante del pintor mismo - Jnan Giacomo Kaproti, que ha estado con Leonardo durante los últimos 26 años (por cierto, fue el artista quien le legó el cuadro). Bien, el último, de las versiones más populares, nos dice que Mona Lisa es un autorretrato del propio Leonardo da Vinci.
Absolutamente todas las suposiciones no tienen ninguna evidencia real. También hay una versión oficial. Afirma que la pintura representa a la esposa del rico comerciante florentino Francesco del Giocondo, Lisa Gerardini. Tampoco se conoce la fecha exacta de creación de la imagen, se cree que el trabajo en la Mona Lisa tuvo lugar entre 1503 y 1513. Presumiblemente, la futura "Mona Lisa", y luego solo Lisa Gerardini, planteó cuando tenía unos veinticuatro años. El prefijo "mona", de nuevo, presumiblemente, no es más que la abreviatura de la palabra "madonna", que en italiano significa "dama, amante."
La imagen revivida
Durante todo el Renacimiento, el hombre fue proclamado corona de la naturaleza, su creación más perfecta. Como resultado, y en pintura, que buscaba imitar a la naturaleza en todo, la capacidad de representar a una persona se convierte en un verdadero indicador de la habilidad del artista. Es más, Era importante transmitir no solo los rasgos característicos de la apariencia externa del modelo. El más importante fue la capacidad de revelar la personalidad del retrato. Aquí comienzan las preguntas y las búsquedas, cómo mostrar lo invisible, ¿Cómo transmitir en la imagen el temperamento y las cualidades espirituales ocultas inherentes a los personajes?
Leonardo, por supuesto, tenía su propia respuesta a estas preguntas. El artista aconseja escribir héroes con gestos que reflejen su estado de ánimo. "Si las figuras no hacen ciertos gestos, y aquellos que expresarían su alma por los miembros del cuerpo, entonces estas figuras están dos veces muertas:en su mayoría están muertas porque la pintura en sí no vive, pero es solo una expresión de objetos vivos sin vida, si la vitalidad del movimiento (gesto) no los une, luego resultan estar muertos una vez más, ”El maestro consideró.
Al mismo tiempo, no es necesario recurrir a ángulos complejos y movimientos intrincados, el pintor mismo nunca lo hizo. Leonardo pudo alcanzar las alturas de la maestría en la creación de la saturación y profundidad de la imagen con una ausencia casi completa de movimiento externo. El rostro de Mona Lisa está iluminado por una sutil sonrisa que le da una expresión especial. En una mujer mirando desde un retrato, todo es simple natural y al mismo tiempo muy misterioso. Ella piensa en algo o recuerda algo. Leonardo creó, sin exagerar, un rostro completamente vivo de una persona viva. Se las arregló para no dibujar sino recrear su modelo en lienzo, revelando una imagen tan viva e inspirada que casi da miedo. It seems that not the viewer is looking at the Mona Lisa, but she herself looks at him with a deep, meaningful look. Many argue that, being in the same room with the picture, it seems that the look of "Mona Lisa" is always directed at the viewer, wherever he moves. Some also claim that Gioconda’s face changes, depending on how you look at her. It turns out that this is not a picture, but the real presence of a heroine created by the greatest genius of Leonardo da Vinci.
Unrivaled craftsmanship
How did the painter manage to create such an amazing effect? How to make your own life a layer of paints on a flat surface of a wooden panel? What kind of magic did Leonardo use, using only a brush and a palette, so that millions of viewers believed in the “Mona Lisa”, as in real?!
Art historians have carefully studied the picture. If we talk about the technique of its execution, then it should be noted that the work is made of almost transparent, unusually thin layers of applied color that cover the original drawing. When the previous coating dried, the master imposed the following, and so, muchos, many times, showing enviable patience and virtuosity.
The result of such painstaking work, this unusually multi-layered painting, was such a smooth transition of some colors to others that the original contour lines of the picture seemed to be dissolved. And it is precisely this lack of boundaries between light and shadow that gently merge with each other and create a sense of living volume. Another incredible achievement of Leonardo was an unprecedented picture of the thickness of air unprecedented for painting at that time. The artist fills the space of the picture with a barely noticeable haze, thanks to which depth appears in the work.
This effect of haze, diffused soft light, Leonardo called the Italian term "sphumato". The brush strokes of the artist were so small that neither an x-ray nor a microscope made it possible to detect any traces of his work or to determine the number of layers of paint applied. For hundreds of years, many artists have tried to repeat Leonardo’s technique, but none of them succeeded. Hasta ahora, "Mona Lisa" is considered unsurpassed in terms of painting techniques.
And all this despite the fact that we have the opportunity to see a rather altered picture. The masterpiece of the great Leonardo has been for many years, during this time some changes have occurred, in particular in the color palette of the canvas. The first biographer of the painter Giorgio Vasari, who lived in the 16th century, in his descriptions of the work admires raspberry shades in the colors of the palette used to write the face of Lisa Gerardini. Hoy dia, nothing like this can be seen in the picture.
The color ratio in the picture was also affected by the varnish coatings, which after Leonardo were applied to the surface of the masterpiece to ensure its better preservation, and they also created a cloudy effect. Now we are looking at the image of a lady who seems to shine through the thickness of sea water. The composition of the painting also underwent changes – two columns were completely lost, which were previously located on the sides of the main figure. But these architectural elements completely changed the perception of the composition, because thanks to them it was immediately clear that the heroine of the picture was sitting on the balcony of the track, and was not at all suspended in space, as it sometimes seems.
Laws of harmony
When creating a masterpiece, Leonardo naturally used the law of the "golden ratio" he discovered. All elements of the picture are located in a strictly defined way. They follow the law of divine, harmonious proportion. The figure of the Mona Lisa is correlated with the rule of the "golden triangle" with mathematical precision, perfectly matching all parts of the regular star pentagon. From the point of view of the viewer, which distinguishes surrounding objects in form, this is very important, although not recognized by the person himself.
Very often, intuitively, we find attractive and are attracted to those forms that obey the law of proportion. Ancient sages and masters knew this, and modern scientists have proved experimentally. This law is valid not only for painting, but also for psychology, industrial design. The creation of forms and images for modern advertising is based on the law of harmony, we just don’t know about it and don’t think about it.
The magic of true art
You can write a lot about the magic and incredibility of Leonardo’s masterpiece, but words are just words, to understand what “Mona Lisa” is, you need to see it. Just by looking into her eyes, you can feel everything that art critics, critics and ordinary people write about her.
Desafortunadamente, photographs and reproductions erase life from the face of the Mona Lisa, and the magic of her image disappears without a trace. Photography gives only a general idea of the work, it is only a hindrance for those who want to enjoy communicating with living creations. Photography is only a mediator, like any reasoning about a masterpiece of numerous art historians. Not a single book will tell you about what the stationary Gioconda will personally tell you. As the great creator of the picture himself said:"Who can go to the source, should not go to the jug." No knowledge will help to feel, in communication with true, living works of art you need only your own mental sensitivity. In a meeting with "Mona Lisa" everyone will have to look for a clue to her secret. It’s proven that in different people it evokes a variety of feelings and associations, someone revives personal memories, someone suggests. Some Sure that it is sad, others that pensive, the third it seems crafty, and even sinister to someone. Bien, someone will decide that she does not smile at all, and all her mystical mystery is fiction.
Reflection of the great Leonardo
A popular fact is that when Leonardo’s self-portrait is applied to the image of Mona Lisa, the upper part of the face will almost completely coincide with a scientific point of view. Art historians say that as the Creator put his soul into man, the painter puts a part of himself in his creation. Feeling how incredibly strongly he is literally connected with each of his own works, Leonardo da Vinci repeatedly argued that “the created figures very often resemble their masters. This happens because our judgment is what moves our hand in creating all the outlines of this figure. "
Looking at a work of art, the observer not only sees what is depicted on it. The most important thing that happens is that he comes into contact with the inner world of the painter and recognizes himself. Quizás, por lo tanto, the restrained, almost ephemeral smile of Gioconda has been exciting the hearts and minds of people with its incomprehensibility for so much time? It senses all the wisdom of knowledge of the true nature of surrounding objects, accumulated by Leonardo da Vinci. Quizás, through his beloved brainchild, the artist himself looks at us with a slight grin. It seems that all the experience of the world, embodied in the form of a woman, is collected in this small portrait. To penetrate into the secret of the Mona Lisa is the same as to comprehend the genius of its creator.
And in Rome, and in Milan, and in his last refuge, the French Amboise, Leonardo never parted with this canvas. And after his death, he bequeathed "Mona Lisa" to his assistant and student, who soon sold the painting to the ardent admirer and last patron of the master, the French king Francis I.
Entire generations of monarchs admired the painting at Versailles, until Louis XV ordered to move it to the vault of the palace. After the French Revolution, Napoleon moved the masterpiece to his private bedroom in the Tuileries Palace. Más tarde, "Mona Lisa" came to the museums of Napoleon in the Louvre. Where she was abducted from on August 21, 1911. The kidnapper was an Italian who immeasurably revered the works of a great master, named Vincenzo. He dreamed of returning the canvas to the artist’s homeland and for almost three years hid a masterpiece in his own house. All this time, until his return to the Louvre, the Mona Lisa did not leave the covers of magazines and newspapers around the world. Entonces, already at the beginning of the 20th century, “Mona Lisa” became the most recognizable work in the history of world art, and debates and discussions about it continue to this day.
Look at yourself
Renaissance artists used to place the image of themselves somewhere in the depths of the paintings on which they worked. Perhaps Leonardo was no exception and portrayed himself in the role of a young shepherd in the preparatory drawing for the painting “Adoration of the Magi”. Among other things, it is believed that he often captured his features in order to study the proportions of the human face. Sin embargo, all this is only speculation, which has no indisputable evidence. The only portrait of the artist whose authenticity is beyond doubt is “Self-portrait” (Royal Library, Turin), painted around 1515, measuring 33 x 21 cm, which is now printed in every illustrated publication dedicated to the life and work of Leonardo da Vinci.
One of the artists of the 16th century, Giovannp Lomazzo described him this way:"His head was covered with such long hair, and his brows were so thick and his beard so impressive that he seemed to be a true personification of the noblest scholarship that the ancient Prometheus and Druid Hermes used to be."
The master created his “Self-portrait” when he was already about sixty years old. Leonardo spent his whole life studying the world around him, nature and people, and now that his creative and life path was drawing to an end, the moment came to look at himself. The artist did this not just as they look in the mirror, but looked at himself from the perspective of an artist who can penetrate the deep essence of things and with confident movements of his hand capture what he sees and knows on a flat surface of a sheet.
This self-portrait, better than anything else, exposes the master not only to others, pero, en primer lugar, a él mismo. Leonardo sketched a few lines with a piece of red sanguine, but it seems he could not be more honest. Only youth is the time for narcissism, maturity is no longer needed. Before us appears a man with the gaze of a sage, his features are harsh and at the same time calm. His image does not look like a weary old man, but rather a genius with incredible inner strength, whose soul is still full of passion. Leonardo is serious, focused, and as if full of determination. This quick drawing was able to convey the finished image, to which there is nothing more to add. The fate of the picture for a long time was not known. It was discovered only at the end of the 19th century, when the Italian monarch Karl Albert of Savoy bought it from an unknown collector and transferred it to the Royal Library of Turin for storage.
The great Leonardo da Vinci died on May 2, 1519. Centuries later, the master remains a symbol of the unlimited aspirations of the human mind, a creator, a genius and a seer, endowed with almost superhuman abilities. All attempts to penetrate the secrets that the artist left as a legacy to people are akin to the desire to understand the essence of art itself, as the highest manifestation of man.
Zhuravleva Tatyana
