Las "catedrales del arte" de Florine Stettheimer celebran y critican los santuarios seculares de Nueva York. Aquí hay tres cosas que quizás no sepas al respecto

Cuando Florine Stettheimer murió en 1944, a la edad de 72, el artista de Nueva York, poeta, y salonnière, todavía estaba dando los toques finales a Las Catedrales del Arte, el último de una serie de cuatro pinturas monumentales dedicadas a la cultura de Nueva York, social, y templos económicos. Idénticos en escala, cada pintura mide cinco pies de alto por poco más de cuatro pies de ancho.

Las series, que incluye Las catedrales de Broadway (1929), Para Las catedrales de la Quinta Avenida (1931) , Y Las catedrales de Wall Street (1939), fue un homenaje consciente a los lugares de culto en la ciudad que había llamado hogar durante toda su vida adulta. Para la artista profundamente privada, Para Las Catedrales del Arte es posiblemente la más personal de las obras.

Aunque no fue adorada críticamente en su vida, Stettheimer estaba completamente inmerso en el medio cultural de la ciudad y contó a Marcel Duchamp, Alfred Stieglitz, y Georgia O’Keeffe entre sus amigos más queridos y huéspedes frecuentes de la casa (Duchamp organizó una retrospectiva póstuma de 1946 del trabajo de Stettheimer en el MoMA, el primero del museo dedicado a una mujer).

Pintado en la quintaesencia de Stettheimer, e intencionalmente, paleta femenina de blancos, rosas, y rojos, Las Catedrales del Arte es un retrato fantástico de tres de los principales museos de la ciudad:el Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte, y el Museo Whitney de Arte Americano, y abundan las representaciones de críticos de arte de la vida real, distribuidores, e incluso la propia artista, en la parte inferior izquierda, parece dar la bienvenida a los espectadores a la espectacular escena. Uno de los lienzos más famosos de Stettheimer, Las catedrales del arte Caprichoso, incluso hada, La atmósfera es un barniz para el comentario social incisivo del artista y las perspectivas contemporáneas informadas.

Aquí hay tres hechos sobre Las Catedrales del Arte Eso podría hacerte ver la pintura de una manera completamente nueva.

La pintura es un quién es quién en el mundo del arte de Nueva York

En su vida El trabajo de Stettheimer se entendió en gran medida como ornamental, insular en materia, y, en el mejor de los casos, cultivar una tradición simbolista estadounidense. En las últimas décadas, sin embargo, los historiadores han subrayado lo satírico, incluso inspirado socialmente, mensajes codificados en su estilo falso-naif (Stettheimer era algo así como un florecimiento artístico tardío y trabajó en una tradición académica antes de encontrar su estilo de pintura característico cuando tenía 40 años).

Las pinturas de "Catedrales" son únicas para Stettheimer porque el tema no es abiertamente personal. Por lo general, su tema se centró en el mundo íntimo de sus amigos y familiares, incluidas sus hermanas Ettie y Carrie. "El carácter social de estas obras es de un tipo muy privado, "Escribió la historiadora del arte Linda Nochlin." Los modelos son los habitantes privilegiados de un mundo más exclusivo, el mundo de los entretenimientos de los Stettheimers, veladas, y picnics ".

Las Catedrales del Arte Presentó una oportunidad única para que Stettheimer ubicara a las figuras del mundo del arte que conocía en la vida real en el fantástico conglomerado del Met (centro), MoMA (izquierda, con referencias a pinturas de Picasso y Henri Rousseau), y el Whitney (derecha), presentado en un escenario aparentemente continuo.

Abundan las figuras famosas en la obra. El crítico de arte Henry McBride aparece en la foto hacia el frente de la pintura con banderas de "alto" y "adelante" en la mano, una referencia a sus poderes críticos. Alfred Stieglitz se para hacia el centro del lienzo en un elegante capa negra que señala su papel de esteta. Se muestra al fotógrafo George Platt Lynes fotografiando a un bebé, Stettheimer se refirió como "Baby Art". Los directores del museo están repartidos por todas partes:Alfred Barr del MoMA aparece sentado en una silla estilo Corbusier a la izquierda y el entonces director del Met, Francis Henry Taylor, camina de la mano con un bebé hacia el famoso objetos de la colección del museo, como si estuviera de gira.

Mujeres, generalmente central en los mundos pintados de Stettheimer, existen principalmente en la periferia de esta escena. Stettheimer se describe a sí misma, bastante joven considerando que ella tenía 70 años en ese momento, etiquetado en el lienzo como un commere , O madrina, de la escena. Pero ella aparece como un observador externo, residiendo en un espacio con dosel. Del mismo modo, La directora de Whitney, Juliana Force, parece aislada, luciendo algo resuelto junto a una estatua dorada de Gertrude Vanderbilt Whitney, en la parte posterior derecha de la pintura.

Como es típico en el trabajo de Stettheimer, una disposición en forma de rompecabezas de pistas y códigos puede interpretarse en busca de posibles significados. Mientras que ella estampa el nombre de Picasso en la pared del museo, ella agrega la suya también, pero está escrito al revés, una pista que insinúa su propia oscuridad, y el tipo de detalle que contradice la aparente frivolidad de la obra.

La pintura fue pensada como un retablo secular

La serie "Catedrales" de Stettheimer estaba destinada a representar los llamados "lugares de culto" de la ciudad de Nueva York:arte, Finanzas, y la sociedad. Al crear estas obras, Stettheimer buscó inspiración compositiva en el arte religioso, particularmente retablos trípticos.

"La serie está diseñada para parecerse a un retablo de varias partes, no solo en términos de su escala y dimensión (cada obra mide más de 50 pulgadas de ancho y 60 pulgadas de alto) sino también en su pantalla ideal, "Escribió el historiador de arte H. Alexander Rich en el ensayo" Redescubriendo a Florine Stettheimer (otra vez) ". En esta lectura, también, podemos imaginar las representaciones de Stettheimer de ella y su amigo Robert Locher como presentador y commère (padrino y madrina), como los santos que nos dan la bienvenida a la escena, pero ellos mismos existiendo fuera de él.

"Las dos figuras [actúan] como santos patrones o intercesores entre el mundo del arte y su audiencia. Catedrales de Arte , luego, no solo es un tributo al arte, sino también a las instituciones artísticas de Nueva York y a las personas que las dirigen, "Escribió Nochlin.

Con estas referencias religiosas en mente, el marco arqueado de la estructura del museo puede interpretarse como una especie de mandorla, que rodea los acontecimientos sagrados del museo, mientras que "Baby Art" en el centro es un sustituto del niño Jesús en un belén, con el flash de las cámaras, una represalia contemporánea de la luz divina.

El teatro informó a fondo su enfoque de la pintura

Las discusiones críticas del trabajo de Stettheimer a menudo señalan con razón la influencia del diseño teatral, especialmente en su fuerte sentido de la puesta en escena y el encuadre. Había pasado gran parte de su juventud en Europa con sus hermanas y su madre, y una visita al pionero Ballet Russes de Sergei Diaghilev tuvo un impacto duradero en su pintura. (Stettheimer también diseñó el decorado para la ópera de Gertrude Stein de 1933 Cuatro santos en tres hechos. )

Stettheimer también fue un poeta devoto, y se dice a menudo que su escritura está influenciada por las filosofías del filósofo francés Henri Bergson. Bergson argumentó en contra de las nociones fijas de tiempo y memoria a favor de las ideas de simultaneidad, movimiento, y el cambio, influencias evidentes no solo en la poesía de Stettheimer, sino también en su pintura.

"Al duplicar figuras dentro de la escena y combinar varios días en uno, Stettheimer se basó en su comprensión del tiempo bergsoniano, "Escribió el historiador del arte David Tatham." Los argumentos de Bergson distinguían entre duración con su heterogeneidad, eventos superpuestos y lineales, tiempo mensurable. En la experiencia humana, La duración abarcó tanto el pasado recordado como el presente consciente, y como concepto, era ajeno al momento congelado en el arte pictórico ".

En Catedrales de Arte podemos ver este empleo de la simultaneidad a través de su caprichosa combinación de espacios y eventos, sino también en su descripción de "Baby Art, ”Que aparece tanto en el primer plano del cuadro como en el fondo, dirigida por el director del Met, Francis Henry Taylor.