Sandro Botticelli (1445-1510)
Desafortunadamente, hay muy pocos hechos confiables sobre la vida del más grande artista Alessandro da Marianno Vanni di Amedeo Filippepi, conocido por nosotros con el nombre de Sandro Botticelli. Se sabe que Alessandro nació en Florencia en 1445 en la familia del curtidor Marpano Filippepi y su esposa Emeralda, que ya tenía tres hijos Giovanni, Simone y Antonio. No hay información exacta sobre cómo Alessandro recibió el apodo de "Botticelli" ("barril"), que se convirtió en su segundo nombre. Quizás así lo llamaban sus padres en la familia o uno de sus hermanos mayores. Los magros hechos sobre la infancia del gran artista solo dicen que el cuarto hijo del curtidor creció como un muy observador, curioso, pero chico doloroso.
Aproximadamente a los trece, Sandro comenzó a estudiar joyería bajo el liderazgo de su hermano Antonio, que tenía su propio taller. Arte de la joyería, con su dibujo minucioso y minucioso de todos los detalles de un producto futuro en la etapa de boceto, capturó el corazón del joven y lo ayudó a comprender su verdadera vocación. Entonces, ya a principios de la década de 1460, Botticelli comenzó a visitar el taller de uno de los pintores italianos más famosos de su tiempo, Fra Filippo Lippi (c. 1406-1469).
Fra Filippo tenía una biografía rica e inusual. Durante más de diez años estuvo en la orden de los monjes carmelitas, abandonado por él en 1431. Ya un artista famoso, Lippi, en 1456, encendió una pasión desenfrenada por la joven monja Lucretia Buti. Secuestró a su amada de un convento en Prato para casarse con ella. Solo gracias a la intercesión de la patrona del pintor, Duque Cosme de Medici, los recién casados pudieron vivir con relativa seguridad. Una vida tan inusual dejó una huella notable en el carácter del maestro, se distinguió por su libre pensamiento y su constante deseo de perfección y descubrimientos. Irónicamente, el hijo de Lippi y Lucretia Filippino, con quien Sandro había conocido desde temprana edad, más tarde se convirtió en su alumno.
Giorgio Vasarn, quien participó en la compilación de la biografía de Botticelli, describió así los años de su formación:"Se hizo seguidor de su maestro y lo imitó tanto que fray Filippo lo amó y pronto lo crió a tal punto que nadie podía pensar". Desafortunadamente, esta es la única información sobre este período de la vida del artista.
La obra revolucionaria de Filippo Lippi "La Virgen bajo el velo" (1465, Galería de los Uffizi, Florencia), pintado como imagen de altar para una de las iglesias de Florencia, en el que, por primera vez en la historia del arte renacentista italiano, apareció una joven de Florencia en forma de la Madre de Dios, Asombró al joven Botticelli antes tanto que creó muchos de esos lienzos. Sandro repitió casi por completo esta obra dulce e inspirada en su obra “La Virgen y el Niño con un ángel” (1465-1467, Galería del Hogar Educativo, Florencia). Esta pintura repite completamente la composición de Lippi, reproduciendo con absoluta precisión todos los detalles, hasta la ubicación de los pliegues del velo que cubre la cabeza de la Virgen. Una composición muy similar tiene varias otras obras del artista.
Cabe señalar que al copiar la composición del profesor, el joven artista introdujo nuevas entonaciones en su obra. Su imagen de la Virgen es más reflexiva y pacífica. Para no distraer al espectador de los héroes del lienzo, Botticelli abandonó el complejo paisaje de fondo. Centrarse en la imagen, con una sombra de grandeza divina y un colorido inusualmente lírico, se ha convertido en un rasgo característico de muchas de las primeras obras del artista.
Habiendo comprendido completamente la precisión y sofisticación del dibujo de Lippi, y adoptando su manera de transmitir el estado emocional de los personajes, Sandro dejó su taller en 1467, a la edad de veintidós años. Pero el pintor no terminó su formación en esto. Para expandir y mejorar sus habilidades, el joven pintor visitó el taller de Andrea Verrocchio, el famoso escultor italiano, pintor y joyero, cuyos alumnos incluían a Leonardo da Vinci y Pietro Perugino.
Si aprendió de Lippi Botticelli el virtuoso dominio de la línea, de Verrocchio adoptó el arte de crear una atmósfera especial a través del modelado de luz-aire. Con la ayuda de conocimientos tomados de diferentes profesores, Sandro realizó brillantemente obras como Madonna en el Rosario (hacia 1470, Galería de los Uffizi, Florencia), Madonna en la Logia (hacia 1467, Galería Uffizi, Florencia) y la Virgen con el bebé y dos ángeles ”(1468-1469, Museo de Capodimonte, Nápoles). Todas las imágenes de los lienzos son inusualmente tranquilas y sublimemente sofisticadas. y la composición compositiva de las obras es muy cuidada.
Las primeras pinturas del artista se distinguen por la ausencia de un complejo modelado en blanco y negro, el protagonismo en ellos se da a un dibujo dotado de un impulso expresivo. Con la ayuda de una sola línea, Botticelli reveló y como si transformara el rostro inmaculadamente limpio y brillante de sus divinas oraciones, enfatizando el refinamiento, nobleza y su pertenencia a otro, mundo más exaltado. Trabajando en estas imágenes, el pintor no buscaba mostrar el mundo real, pero algún ideal, país de ensueño que sólo existía en su imaginación. Ya en las primeras obras independientes de Botticelli apareció fascinante plástico, que determinará para siempre el estilo individual del pintor.
Natación libre
Habiendo dejado a su último maestro en 1469, Botticelli instala su propio taller en la casa de su padre, que estaba ubicado en el distrito de Via Maria Novella de Santa Maria Novella. Durante este período, el artista crea su famoso retablo "Altar de Ambrogio" (también conocido como la "Virgen y el Niño con los Santos María Magdalena, Juan el Bautista, Francis, Catalina de Alejandría, Kozma y Damian ”, 1467-1470, Galería de los Uffizi, Florencia).
La composición del cuadro es muy típica de esa época y es una variación del tema bíblico de “Adoración del bebé”. María con el Bebé en brazos se sienta en el centro del lienzo, alrededor del cual se ubican los santos. El hecho de que los grandes mártires Kozma y Damián se encuentren entre los adoradores del niño Jesús y su madre puede indicar que la pintura podría haber sido encargada por la casa gobernante de los Medici en Florencia en ese momento. cuyos patrones celestiales eran estos santos. Llama la atención que la precisión matemática con la que Botticelli calculó la construcción del color de la imagen, distribuyendo magistralmente el rojo, violeta-azul, Los colores azul y marrón son llamativos. Usando acentos brillantes, el artista destacó las figuras de los personajes principales:Madonna, Bebe Jesus, Kozma y Damian. Al mismo tiempo, el fondo arquitectónico del lienzo parece plano y teatral, debido a la completa falta de perspectiva.
Se sabe con certeza que en 1470 Sandro Botticelli finalmente recibió su, posiblemente, primer pedido oficial. El lienzo que representa una imagen alegórica de "Fuerza" (Galería de los Uffizi, Florencia) iba a entrar en el ciclo de pinturas "Virtudes", diseñado para decorar los respaldos de las sillas de la sala principal del Juzgado de lo Mercantil.
Este pedido jugó un papel importante en la carrera del artista, ya que le permitió entrar en el círculo de pintores florentinos cercanos a la familia Medici. Botticelli lo realizó, centrándose en los gustos de su época. Representó en el lienzo una figura femenina cuya imagen personifica la fuerza moral y, bastante, una especie de consideración melancólica más que de decisión. La alegoría de la "Fuerza" en la interpretación de Botticelli, por extraño que parezca, absolutamente no lleva energía valiente. Es más, su figura con una ligera inclinación de cabeza, enfatizado por el elegante movimiento de sus manos sosteniendo la vara sin poder, crea una sensación de fragilidad interna, e incluso quebrantamiento. Incluso a pesar de que la heroína de la obra se sienta en una cómoda silla, su pose todavía da la impresión de inestabilidad.
En la interpretación de los pliegues, el modelado general de la figura femenina y el minucioso estudio de los elementos decorativos del trono, la influencia de Verrocchio se lee claramente. Pero ya en esta imagen también se manifiestan sus propios "hallazgos artísticos" de un maestro muy joven:un cierto alargamiento de proporciones, delicadeza en la creación del rostro y un movimiento plástico elegante especial.
Como muchos artistas del Renacimiento, Botticelli a menudo traicionaba a sus héroes el parecido retrato directo con personas que conocía:amigos, clientes, y tal vez amantes. Por ejemplo, es difícil no darse cuenta de que la heroína del cuadro "Fuerza", la Virgen María de la imagen del altar "La Virgen y el Niño con dos ángeles", así como Santa Catalina del retablo "Altar de Sant'Ambrogio" son inusualmente similares. Los historiadores del arte sugieren que para todas estas obras, el artista utilizó el mismo modelo real que vivía en Florencia en ese momento.
Habiendo ganado ya cierto reconocimiento entre los contemporáneos, Botticelli en 1472 se unió al gremio de San Lucas, declarándose así mismo como un amo libre. El artista abrió un gran taller en el que reunió a asistentes y aprendices. Filippino Lippi fue uno de sus primeros alumnos.
Entre 1470 y 1472, Botticelli creó la llamada "Virgen de la Eucaristía" (Museo Isabella Stewart Gardner, Bostón). Repitiendo casi por completo la construcción compositiva de "La Virgen y el Niño con dos ángeles, ”El artista se centró en la interpretación simbólica de la trama.
La Virgen con el Bebé en brazos se alza sobre el telón de fondo de un paisaje visible detrás de los elementos arquitectónicos. Juan el Bautista se para frente a ellos, sosteniendo en sus manos un plato con mazorcas de maíz y uvas, sirviendo como símbolos del sacrificio expiatorio de Cristo. La presencia en la imagen de estos elementos le dio un nombre. Aunque el simbolismo religioso, extremadamente común en el arte de esa época, es bastante común en obras de los siglos XV-XVI, no era típico de las obras de Botticelli, así como los fondos de paisaje en el fondo de sus pinturas. Quizás estos elementos se inspiraron en las primeras pinturas de Leonardo da Vinci.
El lienzo "San Sebastián" (1473, Museo del Estado, Berlín) fue creado por Botticelli para la iglesia de Santa Maria Maggiore. El trabajo se realiza de acuerdo con las tradiciones clásicas y, por lo tanto, es recibido positivamente por los florentinos. El año siguiente, en el día de San Sebastián, la imagen fue presentada al público en general en la columna de la iglesia para la que fue creada, un hecho que dice que el artista ganó cierta fama en su ciudad natal. Existe evidencia de que en 1474 el pintor fue invitado a Pisa para realizar murales en el cementerio de Camposanto, ubicado junto a la Catedral de Pisa. No se sabe por qué pero Botticelli no cumplió con sus obligaciones y regresó a Florencia.
Mecenas majestuosos
Un papel decisivo en la suerte del gran pintor lo jugó una de sus mejores obras “Adoración de los magos” (1473, Galería de los Uffizi, Florencia), encargado por el banquero Giovanni (Gaspra) di Zanobi Lamy. Un trabajo verdaderamente hermoso estaba destinado a decorar la capilla Lamy, ubicado en la iglesia del Sitio de Maria Novella. El cliente era una persona muy influyente en Florencia y tenía cálidas relaciones amistosas con los representantes de la familia Medici. No es difícil notar que entre los héroes de la escena religiosa representada por el pintor, hay retratos explícitos de miembros de este apellido. Resulta que el banquero presentó a Botticelli a la corte de los Medici, para que el artista incluyera en la composición de la trama bíblica un retrato grupal de representantes de la élite florentina.
El lugar central en la composición, de acuerdo con todos los cánones aceptados, está ocupada por la sagrada familia - la Virgen María, Jesús y José. Están rodeados por varias filas de representantes de las tres generaciones de los Medici, cerca de Lorenzo el Magnífico y del propio Botticelli, que vino a inclinarse ante el bebé. Todos los personajes del lienzo están algo idealizados y son, bastante, un indicio de una persona específica, en lugar de su copia de retrato. Sin embargo, esto fue suficiente para los contemporáneos del artista.
Por ejemplo, en la figura de un anciano, tocar respetuosamente las piernas del bebé, los contemporáneos reconocieron fácilmente al difunto Cosimo Medici. El primer biógrafo de Botticelli, Vasari, escribe sobre esto:“Y vemos una expresividad especial en el anciano, OMS, besando los pies de nuestro Señor y derritiéndose de ternura, muestra perfectamente que logró el objetivo de su largo viaje. La figura de este rey es un retrato a tiempo completo de Cosme el Viejo de Medici, el más animado y el más parecido de todos los que han sobrevivido hasta el día de hoy. "Junto al anciano, vemos a los magos arrodillados ante Jesús - estos son los difuntos hijos de Cosimo - Giovanni y Pierrot. Y en el lado izquierdo de la imagen está el nieto de Cosimo Lorenzo Medici. Lorenzo está rodeado de sus mejores amigos:el filósofo Pico della Mirandola, señalando con la mano a la sagrada familia y al poeta Lngelo Polppsapo, que inclinó la cabeza sobre el hombro de Lorenzo.
En el centro del grupo, ubicado en el lado derecho del lienzo, vemos al hermano menor de Lorenzo, quien era su co-gobernante - Giuliano, vestido con un manto oscuro. Detrás de él hay un anciano muy probablemente un filósofo Giovanni Argiropulo, justo encima del filósofo hay un anciano vestido de azul, señalando a sí mismo con un dedo:este es el cliente del trabajo, la lámpara del banquero. El propio Botticelli está en primer plano de la imagen, envuelto en un manto ocre dorado.
Este trabajo le ganó al pintor no solo la fama, sino también la buena voluntad de los representantes de una de las familias más nobles e influyentes de Florencia, involucrándolo así en turbulentos acontecimientos históricos. Cuando, el 26 de abril 1478, durante una misa solemne en la Catedral de Florencia, un nativo de la familia Nazzi hizo un intento de asesinato casi exitoso contra los hermanos Medici. Como resultado, Giuliano murió y Lorenzo, aunque se mantuvo vivo, se vio obligado a huir urgentemente de la ciudad.
Más tarde, cuando Lorenz Medici recuperó por completo su puesto, primero ordenó la detención y ejecución de absolutamente todos los miembros de la familia de la Nación, sin hacer excepción con nadie. Luego, los Medici ordenaron a Botticelli pintar retratos de las paredes ejecutadas de su palacio, como advertencia a quienes se atrevan a inmiscuirse en la vida de los representantes de su familia. A pesar de la extrañeza de la orden, ayudó a fortalecer la reputación del pintor, quien así recibió un arreglo especial del propio Lorenzo. Estos increíbles murales no han llegado a nuestros días.
Durante los próximos años, Botticelli participó exclusivamente en las numerosas órdenes de sus nuevos mecenas. La mayor parte del trabajo del maestro estaba destinado a decorar la lujosa villa de los Medici en Castello. Las dos obras más famosas del artista:"Primavera" (1478, Galería de los Uffizi, Florencia) y "El nacimiento de Venus" (1484, Galería de los Uffizi, Florence) pertenecen a este período tranquilo y fértil de la vida de Sandro.
Trabajando en la creación de su "Primavera", el artista se inspiró en "Fasti", el calendario poético de Ovidio. La compleja construcción compositiva de la obra se compone de varios grupos dispuestos por separado, interconectados solo por el movimiento interno. Al mismo tiempo, gracias precisamente a estos detalles, así como el ritmo del lienzo, cuales, como música invisible, impregna la obra, la imagen se vuelve una y completa.
En el lado derecho de la imagen, Botticelli localizó un malvavisco alado. Golpeado por la extraordinaria belleza de la ninfa Cloris, el dios del viento está tratando de cautivarla para casarse con ella por la fuerza. Pero, habiéndose arrepentido de sus hechos, Zephyr convierte a su amada en Flora, que vemos en el mismo grupo de héroes. El pintor capta el momento mismo del inicio de la Transformación:la figura de Cloris parece fundirse en su próxima encarnación. El hecho de que las ropas de estas dos figuras femeninas estén magistralmente pintadas por el maestro revolotean en diferentes direcciones, sugiere que estas dos imágenes aún no están conectadas y están, como si fuera, en diferentes espacios del ser.
La hermosa joven Flora da un paso adelante con facilidad, literalmente bañando todo el espacio circundante con delicadas flores, simbolizando la llegada de la primavera. En el centro de la composición hay una elegante figura de Venus sobre un fondo de vegetación oscura. Su vestido está hecho de la mejor tela, cosido con hilos de oro. El hecho de que ella sea la diosa del amor, enfatiza el lujoso manto escarlata simbólico que complementa su atuendo.
La imagen de Venus en el lienzo es interpretada por Botticelli, como las imágenes de la Virgen María creadas por él anteriormente. El rostro de la diosa griega expresa tristeza, modestia y timidez, y su cabeza misma, ligeramente inclinado a la derecha, está cubierto con un velo de gas muy fino que solo enfatiza estas cualidades.
El Cupido alado de ojos dorados se eleva sobre Venus, apuntando desde su arco a un grupo de gracias divinamente hermosas que bailan en el lado izquierdo del lienzo. Una venda de seda blanca como la nieve, atado a los ojos de un pequeño travieso, está diseñado para evitar que haga un disparo preciso. Gracias a este conmovedor personaje, Botticelli dirige nuestra atención a un grupo de tres ninfas (cuyo significado simbólico se lee de derecha a izquierda, como la belleza, Castidad y placer), dando vueltas lentamente en una danza redonda. Sus cuerpos esbeltos han enfatizado proporciones alargadas, y movimientos elegantes y suaves forman una estructura claramente construida, movimiento circular rítmico. Giros y curvas fáciles de figuras de tres gracias, La elegante conexión de sus manos y pies transmite el ritmo de avance del baile.
Los posibles modelos para las figuras de las niñas son las bellezas Simonetta Vespucci y Katerina Sforza, el último de los cuales se representa como Belleza. Creando imágenes de bellezas del bosque, el pintor muestra ingenio en la imagen de sus peinados. En una de las gracias el cabello está recogido en un moño, en el otro fluye sobre los hombros con ondas de luz, y en el tercero, su lomo está cubierto con una corriente de oro libre.
En el borde izquierdo de la imagen, junto a los concesionarios, es el mensajero de los dioses Mercurio. Su mirada, apuntado al cielo, dirige la atención del espectador a una nube de tormenta que amenaza este bendito paraíso. Con un gesto ligero pero confiado, el joven no le permite penetrar en el maravilloso jardín, en el que las ramas densamente entretejidas de los naranjos refuerzan el ritmo único de toda la obra, que Botticelli está excepcionalmente hábilmente construido.
El artista mostró sumo cuidado y precisión en la imagen de las diversas variedades de plantas representadas en la imagen. Estudió con bastante atención todo lo que crecía en la primavera en las cercanías de Florencia. Entonces, los investigadores "identificaron" en el lienzo más de cincuenta especies de hierbas y flores. Solo en una corona en la cabeza de Flora y su collar de acianos, margaritas eléboro, lilas del valle, hojas de mirto, bígaros, nomeolvides, flores de granada, semillas de amapola, ranúnculos, violetas las flores y las bayas de las fresas son claramente visibles.
Este hecho muestra que Botticelli pensó cuidadosamente no solo las complejas decisiones rítmicas de las composiciones de sus obras, pero también todos sus detalles, hasta la sutil consideración lógica de la ubicación de todos los actores, sujeto a estricta regularidad.
Otra obra maestra del maestro - "El nacimiento de Venus", está escrito de una manera ligeramente diferente. La pintura, que es una de las obras de arte más famosas del mundo, como la primavera, Tiene un prototipo poético que sirvió de inspiración al artista. Los hitos literarios de la pintura son los textos de Homero, los “Stans” de Poliziano y las obras de Virgilio.
A diferencia de "Primavera", en la pintura "El nacimiento de Venus" no vemos un rincón limitado del Jardín del Edén, como escondido del mundo por una densa vegetación, sino el espacio abierto del cielo y el mar. Botticelli representó el período de la madrugada, cuando la bruma de la noche recién dispersa presentó la hermosa Venus al mundo. La diosa de la belleza, recién nacido de la espuma del mar, se encuentra en una enorme concha de mar, conducido a la orilla por un golpe de céfiros. La aparición de la Belleza en la tierra es triunfante:las rosas vuelan bajo sus pies, y la diosa Oro se apresura a encontrarla, llevando a una joven belleza un precioso manto, con delicadas flores bordadas.
La estructura compositiva de la imagen es bastante simple y clara. Venus misma sirve como la encarnación de la belleza ideal, sus rasgos golpean con impecabilidad y armonía. Como muchas imágenes femeninas de Botticelli, la sombra de la tristeza yace en el rostro de Venus, solo enfatizado por los mechones de cabello dorado desarrollados por el viento. Toda la pose de la diosa se asemeja a la famosa estatua antigua de Venus Pudik (del latín - "modesta, casto, tímido"), también conocida como Venus de Medici.
La composición de la composición está dominada por un sutil ritmo lineal que imparte movimiento a todas las formas representadas, dándoles volumen y creando la ilusión de espacio y profundidad. Transparente, color frío y claro, que está dominado por combinaciones de colores pálidos (tonos verde pálido del mar, cabello dorado de Venus, ropa azul de malvaviscos, un vestido blanco y una capa carmesí oscura de una ninfa que la encuentra), dan a la obra una especial armonía y expresividad. Este trabajo, como la primavera, se ha convertido en una de las pinturas más famosas del pintor.
Reconocimiento Vaticano
27 de octubre 1480, Botticelli, junto con los artistas Cosimo Rosselli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio, y otros hacen un viaje a Roma, donde fueron invitados por el Papa Sixto IV, para decorar los frescos de la "Gran Capilla", más tarde llamada La Sixtina.
En este momento, la gloria del artista era ya tan grande que Sixto IV lo puso a la cabeza de otros pintores involucrados en la obra. Dado que los contemporáneos apreciaron sobre todo las demás obras precisamente las composiciones interpretadas por el artista "El castigo de los levitas en ascenso", "Tres tentaciones de Cristo" y "La juventud de Moisés", esto estaba justificado. Los frescos del maestro complementaron a la perfección uno de los conjuntos monumentales más grandes y solemnes del siglo XV. Las obras son sorprendentes en su acción trepidante, dinamismo y emoción de las imágenes.
El magnífico fresco "La juventud de Moisés" (1480-1482, Capilla Sixtina, Roma) es una de las obras más monumentales del maestro y cuenta la historia del personaje del Antiguo Testamento Moisés, cuya misión era la expulsión de los judíos de Egipto. Botticelli representó varias escenas de la vida del héroe bíblico, que ocurrió en diferentes momentos e incluido por el artista en una composición. Este enfoque de la construcción de la pintura indica la atracción del pintor por los famosos ejemplos anteriores de arte monumental. Los acontecimientos de la obra se desarrollan de derecha a izquierda:aquí Moisés mata al egipcio; luego, huyendo de la venganza del faraón, viene al país de Madián, donde ayuda a alimentar las ovejas a las hijas de José; luego, Moisés se quita las sandalias para ir a la zarza ardiente, de donde el Señor lo llamó, poniéndole sobre él la misión de salvación de la cautividad de su pueblo. El último episodio muestra el éxodo de los hijos de Israel de Egipto. A pesar de la aparentemente excesiva congestión de la composición, cada una de las escenas se distingue fácilmente de la serie general. Todas las imágenes se interpretan de forma muy condicional y con gran imaginación del artista. Al espectador se le presenta un mundo antiguo bastante idealizado en el que muchos héroes están vestidos con trajes modernos de Botticelli. Todas las imágenes de los personajes se enfatizan en armonía y belleza.
El fresco "El castigo de los levitas" (1481-1482, Capilla Sixtina, Roma) consta de varias escenas. A la izquierda están los levitas, que pretenden apedrear a Moisés, luego hay una escena de fumar el incensario del sumo sacerdote Aarón, la llama de la cual, con un movimiento de la batuta de Moisés, quema a los rebeldes. La composición la cierra un grupo de apóstatas, que la tierra misma absorbe. Se suponía que el contenido semántico del fresco contribuiría al establecimiento de la autoridad papal. Como muestra de respeto al cliente, el artista a menudo representaba un roble en los frescos, el símbolo heráldico de Sixto IV y la combinación de colores de su escudo de armas, azul y amarillo. Todas las escenas bíblicas se desarrollan con el telón de fondo de magníficos paisajes.
La obra "Las tres tentaciones de Cristo" (1481-1482, Capilla Sixtina, Roma), también creado por Botticelli para la capilla romana, describe episodios del Evangelio (Mateo:4, Lucas:4), hablando de la tentación de Jesús por el diablo. En la primera trama, ubicado en la esquina superior izquierda, ofrece a Cristo para convertir las piedras en pan, recibiendo la respuesta:"El hombre no vivirá solo de pan"; la parte central de la composición los representa de pie en el techo del templo, donde el Tentador persuade al Hijo del Señor para que se precipite; la tercera trama, ubicado en la esquina superior izquierda, representa una escena en la que el diablo le pide a Jesús que se incline ante él.
Las escenas en sí fueron creadas por Botticelli de tamaño pequeño, y todo el primer plano de la obra está ocupado por el ritual de la limpieza del leproso. En este trabajo, como en La adoración de los magos, el artista representa a sus contemporáneos, OMS, en su plan, son testigos de la purificación en curso. Se cree que en la esquina inferior izquierda de la composición se representa un autorretrato de Botticelli y un retrato de su alumno y amigo Filippino Lippi. En el lado opuesto está el sobrino del Papa Sixto IV, Girolamo Riario, envuelto en un manto rojo.
Como biógrafo del pintor, Vasari, Botticelli escribió:trabajando en los murales de la capilla, “Ganó la mayor fama y gloria, y del Papa obtenga una cantidad decente de dinero, que inmediatamente despilfarro y despilfarro mientras estuvo en Roma, porque vivió su vida como de costumbre descuidada. En el otoño de 1482, todos los frescos estaban terminados, y los pintores que trabajaron en ellos dejaron Roma y se fueron a su Florencia natal. "
Éxito y fama
El taller de Botticelli, que ya había alcanzado la mayor fama, se desbordó con una gran cantidad de pedidos en la década de 1480, que el artista no tenía forma de manejar por su cuenta, por lo tanto, toda la parte principal del trabajo fue realizada por sus alumnos, que imitaba a la perfección el estilo pintoresco del artista. Durante este período de gracia, Botticelli recibe un nuevo pedido de su mecenas Lorenzo di Pierre Francesco Medici.
La obra "Pallas y el Centauro" (1482, Galería de los Uffizi, Florencia) fue para demostrar al mundo entero y a sus descendientes cuán fuerte y poderosa era la dinastía Medici y cuán sabiamente gobernaba Florencia. A petición de Lorenzo el Magnífico, la obra se realizó como una alegoría de la "edad de oro" de Florencia, desde la época de los Medici.
Botticelli, por su propia voluntad, expandió aún más el alcance de la trama, añadiéndole la idea de la lucha entre el bien y el mal. La composición de la imagen se basa en el contraste, contrastando la hermosa imagen de la diosa con el feo Centauro. El vestido de Pallas está ricamente decorado con emblemas de la casa Medici. La diosa está representada contra el telón de fondo de un hermoso paisaje con un cielo claro y profundo sobre su cabeza. Detrás del Centauro vemos edificios antiguos en ruinas que simbolizan la ignorancia y el caos.
Se cree que la inspiración para la creación de este lienzo sirvió como las ideas del filósofo Marsilio Ficino:"La bestia en nosotros es el instinto, la persona en nosotros es la razón ". Esta suposición agrega otra posible interpretación de la obra:Botticelli divide visualmente a una persona en dos principios:el divino, conectado con la esfera del espíritu, altas aspiraciones y razón, y el animal, que representa exclusivamente las necesidades del cuerpo físico. Desde el punto de vista de tal interpretación de la trama, el gesto de Pallas se convierte en la personificación de su poder sobre los instintos naturales. Un dato interesante es que el rostro del Centauro refleja un profundo sufrimiento, una expresión característica de la imagen de los santos en las pinturas de Botticelli.
La obra "Venus y Marte" (1482-1483, Galería Nacional, Londres), es otra obra polifacética del maestro. El nido de avispas con insectos dando vueltas a su alrededor, representado en la esquina superior derecha de la composición, indica que la pintura fue encargada por un representante de la casa Vespucci, del cual es el símbolo heráldico del género. Un posible motivo para escribir este lienzo fue la boda de uno de los miembros de la casa. Todo el primer plan, alargado horizontalmente, está ocupado por las figuras de Venus, reclinado en el pensamiento, y el relajado, Marte durmiente. Justo detrás de ellos con las armas del formidable dios de la guerra hay pequeños sátiros.
En Florencia, la segunda mitad del siglo XV, la astrología se generalizó, para que los personajes representados en el lienzo se puedan interpretar como una imagen alegórica de los planetas, y no solo los dioses olímpicos. El color de la obra se distingue por una majestuosa moderación, y el lienzo mismo respira paz. La construcción compositiva es ligera y muy equilibrada.
En 1485, Botticelli creó otra obra asombrosa:"El Altar de Bardi" (Museo Estatal, Berlina). La imagen del altar, cuyo nombre completo suena como "Madonna y Juan el Bautista y Juan el Evangelista", fue pintado por orden de Giovanni Agnolo Bardi y estaba destinado a la capilla de su familia en la iglesia de Santo Spirito.
La canonicidad estricta se distingue por la construcción compositiva de esta obra del maestro. En el centro de la imagen, en el trono adornado, la Reina del Cielo se sienta, con el bebé en brazos, a ambos lados están los santos:Juan el Bautista y Juan el Teólogo. Todas las figuras están ubicadas en el fondo de una glorieta de jardín con tres arcos, que compara las imágenes con estatuas antiguas.
El Altar de Bardi es muy diferente a otros, trabajos anteriores de Botticelli. Todas las líneas están afinadas y claras, incluso algo rígido, lo cual se nota claramente en el "adorno" formado por el follaje. La imagen de la Virgen, que el artista representó anteriormente de manera muy majestuosa y solemne, está lleno de entonaciones completamente nuevas. Aquí, vemos ante todo a una madre, lleno de ansiedad y tristeza, anticipándose al difícil destino de su hijo. Especialmente frágiles son los rasgos faciales y las manos alargadas de María, enfatizando su imagen sobrenatural. Los símbolos teológicos que insinúan la encarnación de Cristo juegan un papel importante en el trabajo:lirios, Olivos, palmas y laureles.
Tales composiciones atraen cada vez más al artista, a partir de la década de 1480. Son las imágenes del altar las que él mismo estudia con más detenimiento, eligiéndolos entre los muchos pedidos entrantes. Las obras más destacadas de este período son El Altar de San Bernabé (otro nombre es Madonna en el Trono con los Santos Catalina de Alejandría, Agustín, Bárbara, Juan el Bautista, Ignacio y el arcángel Miguel, circa 1487, Galería de los Uffizi, Florencia), Virgen con granada ”(hacia 1487, Galería de los Uffizi, Florencia) y "Madonna Magnificat" (otro nombre es "La Majestad de la Madonna", circa 1483-1485, Galería de los Uffizi, Florencia).
Gracias a estos y otros trabajos, la fama de Botticelli tronó en toda Italia. Hay un caso conocido en el que el duque de Milán preguntó quién es el mejor pintor de Florencia, y escuché una respuesta definitiva:Botticelli, "who can perfectly write both on the wall and on the board, and whose paintings are extraordinary in strength and perfect proportions."
The portrait, although it was not a favorite genre of the painter, still occupied a significant place in his work. In the images of his contemporaries, Botticelli strove to adhere to the prevailing traditions of the Florentine profile portrait, although he sometimes allowed himself to bring into the work some of the achievements of the Dutch masters. Not all the works now attributed to the painter can be considered his own work. Most likely, some of them were written by his students. The earliest portrait attributed to the brush of the great Botticelli is the “Portrait of a Young Man” (1470, Palatine Gallery, Florence). Depicted on it is a very young Florentine, with big eyes arrogantly looking at the viewer, wearing a red jacket and a traditional dark cherry color cappuccino. A young man stands against a transparent blue sky.
Around 1474, Botticelli wrote the mysterious Portrait of an Unknown Person with the Cosimo Medici Elder Medal (Uffizi Gallery, Florence). The work has a number of features. Entonces, a young man pictured against a magnificent spring landscape, with both hands presses a medal to his chest with a portrait of Cosimo Medici engraved on it. Botticelli somewhat idealized the image of the model, softening its features, while emphasizing its characteristic features - a clear contour of the face contour and a clear direct look. Intense black and red colors, in the costume of the person portrayed, create an unusually strong color chord. The surrounding landscape brings in emotional overtones. The whole intonation of the work gives out tension - obvious unnaturalness in turning the head, a sad look, an uncertain gesture of hands and a sharp color contrast of the hero’s background and clothes.
Compositionally, the construction of works has been changing since the second half of the 1470s. The painter no longer uses the landscape background, and the entire surrounding space is greatly simplified, while the figure of the model, usually located in three quarters or a profile, occupies almost the entire space of the picture. Female portraits are clearly idealized, por ejemplo, “Portrait of Simoneta Vespucci” (circa 1480, State Museum, Berlin), and the models are mainly located in profile. The four surviving versions of Portrait of Giuliano Medici (National Gallery of Washington, Carrera Academy in Bergamo, Armchair Collection in Milan and the State Museum in Berlin) are distinguished by a very peculiar style of writing. It is not known for certain whether at least one of these works belongs to the brush of Botticelli himself.The compositional construction of all versions of the portrait of Giuliano is almost identical. The model is always located almost in profile against a light background. A thin, smooth line is the main means of expression.
Most of the portraits owned by Botticelli, was characterized by a special melancholy intonation. The identities of most of the young men depicted by the master remained unknown to us. A pesar de que, the painter preferred to paint people whom he knew well or admired for their spiritual qualities. In portraits executed in the years 1482-1490, the artist’s desire for a more realistic interpretation of the image is manifested. Portraits of the master’s brush become more psychological, innovations also appear in compositional construction, por ejemplo, in the painting “Portrait of a Young Man” (circa 1483, National Gallery, London), the model is located in front of the portraitist.
Giro brusco
The turbulent political events in Florence in the early 1490s significantly influenced the life of Sandro Botticelli. In 1492, Lorenzo the Magnificent died. Piero Medici, who inherited power from his father, turned out to be a mediocre ruler, who brought the entire Medici home into exile from his hometown due to a number of gross political mistakes. Como resultado, a fierce fighter for faith and asceticism came to power, the Dominican monk Girolamo Savonarola.
Savonarola has long opposed the tyranny of the Medici family, accusing him of corruption and excessive love of luxury and debauchery. Even the Pope came from a fierce champion of faith, the fiery sermons of the monk resonated in the souls of many citizens, which later brought Savonarola to power. I must say that the people really voluntarily followed the monk, apparently tired of the luxurious lifestyle of their rulers, even in the heart of Botticelli, the Dominican was able to raise doubts about the loyalty of the chosen creative path. There was no one to support the painter, his students and friends were also impressed by the new ruler, and his beloved brother Giovanni died. Como resultado, the artist took a wait-and-see position, not joining either side of the conflict between Savonarola and the Medici.
The militant monk arranged a real "day of judgment" for Florence. On February 7, 1497, a fire was kindled in Signoria Square, in which the townspeople, impressed by the Dominican sermon, burned musical instruments, joyas, luxurious women’s dresses, paintings that did not meet Christian morality, as well as those condemned by Savonarola as the embodiment of sin. This day became fatal for the history of art - many young artists, including students of Botticelli himself, brought and threw their works into the “purifying flame”. The painter did not directly participate in the act of repentance of "sinners", perhaps because his weakened legs no longer allowed him to walk independently.
The reign of Savonarola was not very long, on May 23, 1498, the people of Florence burned the slandered monk with the same fanaticism with which he burned magnificent works of art a year earlier. Oddly enough, on Botticelli, the execution of the Dominican made an even greater impression than his sermons. The painter began to be tormented by guilt and bouts of hopelessness, his soul rushed to the dream of religious renewal. Como resultado, doubts and pain in the soul of the artist made him unsociable. The fame of the master began to fade, orders became less and less.
In the late period of his work, Botticelli creates several paintings either commissioned by the devotees of Savonarola, or painted under the influence of his sermons. The latter include two altar images “Mourning of Christ” (1495, Museum of Poldi Pezzoli, Milan and 1500, Old Pinacoteca, Munich). The works stand out for the artist’s new interpretation of Christian drama - as intolerable human grief. All the characters depicted in these two works are gripped by endless grief over an innocent victim. By order of the “piagnoni” (literally “crybaby”) - adherents of Savonarola, the painter writes “The Last Communion of St. Isronim” (circa 1498, Metropolitan Museum of Art, New York) for Francesco del Puglieze; and "St. Augustine" (1490-1495, Uffizi Gallery, Florence), for Giacomo and Giovannidi Bernardo.These rare orders allowed the artist to somehow stay afloat.
In 1502, the master’s health was finally undermined. En este momento, according to the slander of ill-wishers and envious people, a lawsuit was instituted against Botticelli on charges of his sodom sin. The most likely reason for such suspicion was that the painter had never entered into a legal marriage in his entire life. These events further complicated the life of the master, and eight years later, at the age of sixty-five, the great Sandro Botticelli passed away. He is buried in the cemetery at the Florentine church of Onis.
