Paul Cezanne (1839-1906)
El famoso pintor francés Paul Cezanne fue un pionero del postimpresionismo. Viviendo y trabajando con los más famosos maestros del impresionismo, estando al comienzo de su viaje bajo su influencia, Cézanne, en busca de su propio estilo, fue más lejos que sus colegas. Habiendo aprendido el arte de transmitir los estados milagrosos de la naturaleza, el artista ahondó en la búsqueda de los fundamentos formativos de todo lo que le rodeaba y trató de aprender la lógica interna de las cosas. El enfoque innovador del pintor no le permitió durante su vida recibir un merecido éxito y fama. Solo el tiempo puso todo en su lugar.
Juventud lanzando
El futuro artista nació el 19 de enero de 1839 en una pequeña ciudad del sur de Francia:Aix. Paul era el primogénito de la familia del banquero Louis - Auguste Cezanne. El padre, que se inició con la producción y venta de sombreros, y luego abrió su propio banco, era un hombre muy poderoso, toda la familia obedeció estrictamente su voluntad. La madre del artista, Anna Elizabeth dio a luz a dos hijas más, María y Rosa, pero ella adoraba a su primer hijo, Pablo, y siempre traté de apoyarlo. El propio pintor idolatraba toda su vida y le tenía miedo a su padre.
Desde la infancia, tener ganas de dibujar, Paul Cezanne de cinco años pintó las paredes de la casa con carbón, incluso entonces creando imágenes muy creíbles. Pero solo su madre estaba orgullosa de sus éxitos, su padre soñaba con ver a su sucesor en el hijo. Por voluntad de su padre, Paul en 1849 ingresa a una de las mejores escuelas de la ciudad:St. Joseph's School, de donde, en 1852 pasó al sexto grado del prestigioso Bourbon Closed College.
En la Universidad, el futuro artista famoso Paul Cezanne conoce al futuro escritor famoso - Emil Zola. Su amistad, en el final, Jugó un papel importante en el destino del pintor. Y luego, en su juventud, fue Zola quien descubrió a Paul el mundo mágico de los libros y la poesía. Los amigos a menudo se alejaban de Aix, lleno de sueños sobre un hermoso futuro y puro amor.
En 1855, Paul, de dieciséis años, se graduó de la universidad, se distinguió por escribir poesía en francés y latín, y de ninguna manera realizado como artista. Después de graduarse de la universidad, Cezanne ingresa en la Facultad de Derecho, en lo que su padre insistió categóricamente. Al mismo tiempo, por las tardes, Paul comienza a estudiar en la Escuela de Pintura Joseph Joseph Giber. Para alegría del joven, el padre no vio nada reprensible en este deseo de su hijo.
El museo de la ciudad recién inaugurado, donde se exhibieron pinturas, se convirtió en el lugar favorito del aspirante a artista. Aquí, y en el aula de la escuela Gibert, Paul se sintió verdaderamente feliz, tenía el sueño de convertirse en artista. Pero su padre no quería escuchar sobre tal cambio en el destino de su único hijo, seguía insistiendo en estudiar a los jóvenes de una ley que no le interesaba en absoluto. El alma de la joven Cézanne soñaba con París, donde fue invitado activamente por su amigo de la universidad Emil Zola, que para entonces se había trasladado a la capital francesa y había probado suerte en el trabajo literario. En el final, Paul Cezanne todavía abandonó las clases de derecho y obtuvo el permiso de su padre para irse a París. donde Zola lo instó a comenzar a estudiar pintura seriamente.
En 1861, el joven pintor se trasladó a la capital de Francia y se disponía a ingresar en la Academia de Bellas Artes. Cezanne comienza a asistir a clases en el taller de Lewis, donde conoce a los futuros impresionistas Camille Pissarro y Claude Monet, que estudió dibujo, pero ya tenían su propia visión formada del desarrollo del arte pictórico.
Pissarro creyó inmediatamente en Cezanne y predijo el éxito en el futuro. Pero el joven artista de la provincia se sintió un extraño en el ambiente del taller capitalino. El único amigo que hizo allí fue su compatriota, el enano Achilles Amperera, quien posteriormente escribió con entusiasmo mujeres desnudas. Paul Cezanne estaba muy inseguro de sus habilidades y su talento. A veces, le parecía que todas sus búsquedas carecían de sentido y necesitaba regresar a Ex para convertirse en el sucesor de su padre. Probablemente, el artista estaba atormentado por el remordimiento y la culpa ante el padre, cuyas esperanzas no estuvo a la altura. Estos tormentos mentales y dudas llevaron finalmente al artista a abandonar su cuadro favorito y en el mismo 1861 regresó a su ciudad natal.
En Aix, Paul comenzó a trabajar en el banco de Cezanne, el mayor, quien estaba increíblemente complacido con el "regreso del hijo pródigo". Pero la alegría de ambos duró poco. Paul no podría vivir mucho sin pintar y pronto, de anhelo, De nuevo comenzó a asistir a la escuela Gibert. Después de pasar un año en casa e interminables conversaciones con su padre, el joven se va de nuevo a París, esta vez, habiendo decidido, por todos los medios, para ir a la escuela en la Academia de Bellas Artes.
Cierto, en preparación para aprobar los exámenes, Cézanne descubrió de repente que era completamente ajeno al arte que tenía la intención de estudiar. La pintura de salón le parecía innecesaria y vacía. Más, Paul nuevamente comenzó a dudar de su propio talento. Trabajó duro pero su insatisfacción consigo mismo solo se intensificó. El resultado fue otro fracaso:el artista nunca pudo ingresar a la escuela de pintura.
En 1863, visitó el salón, donde vio la obra escandalosa de Eduard Manet, rechazado por el público, "Desayuno en la hierba". Este trabajo que hace época, gracias a lo cual se produjo una verdadera revolución en el arte de esa época, también cambió la visión del mundo de Cezanne. Fue lo que presentó al joven artista, como muchos de sus compañeros, a una nueva comprensión del arte.
Fue fatal para Cézanne conocer a Frederick Basil, que sucedió en el mismo año. Basil lo llevó al taller de Gleyre, donde Claude Monet, Vinieron Alfred Sisley y Auguste Renoir. Timidez natural, con al mismo tiempo absurdo de carácter, no permitió que Cézanne se uniera al círculo de futuros impresionistas. Como resultado, el artista siempre se mantuvo apartado, trató de no entrar en discusiones y conversaciones, y no participó en sus reuniones.
En 1864, recibir la negativa del Salón a aceptar su nuevo trabajo, Cézanne abandonó nuevamente las clases de pintura y regresó a Ex. Cierto, sigue escribiendo ahí, incapaz de abandonar las clases de arte. Como resultado, seis meses después, Cézanne vuelve de nuevo a París para ofrecer su trabajo para participar en el Salón, y nuevamente recibe un rechazo. Frustrado, el artista que casi ha perdido la fe en sí mismo, una vez más se va a casa sin nada.
En Axe, Paul se dedica al retrato. Él trabaja duro, pero el próximo año las obras del artista no fueron aceptadas por el Salón. Cézanne estaba completamente desesperada. Decidió que su trabajo nunca sería entendido, pero no quería escribir de otra manera. Llegando nuevamente al Salón y exponiendo sus obras, recibe una ovación burlona, el público se ríe abiertamente del pintor.
Pero algo bueno está sucediendo en el Salón:alguien presenta al artista a Eduard Manet, quien habla calurosamente de la búsqueda creativa de un talento joven. Finalmente, después de recibir una reseña positiva, e incluso de su ídolo, Cezanne gana confianza en la elección correcta de un camino creativo. Volviendo a Ex, el pintor se convierte en una especie de celebridad. Comienzan a reconocerlo en la calle los artistas locales incluso intentan copiar sus obras, pero la curiosidad del público seguía siendo bastante hostil.
Tentación de San Antonio
La obra "La tentación de San Antonio" (1867-1869, Fundación E. Bürle, Zurich) se refiere a las primeras obras de Cezanne. Usando una trama religiosa clásica, el artista representa cuerpos femeninos desnudos sobre un fondo de naturaleza. Realmente, la trama era solo una excusa para escribir desnudos abiertamente. San Antonio mismo, OMS, En teoria, se suponía que era el personaje central de la imagen, se le asignó un lugar modesto en el borde izquierdo del lienzo, e incluso ahí, su figura casi se funde con el fondo.
Ni en la persona, ni en la pose de San Antonio se puede leer la lucha interior de la carne y el espíritu humanos. Si el objetivo del artista era retratar a un santo cristiano luchando contra la obsesión pecaminosa, entonces se podría decir que el trabajo de Cezanne fracasó. Pero el pintor no se esforzó en absoluto por esto, solo le interesaban los cuerpos femeninos.
Los agudos contrastes de claroscuro esculpen el volumen con poderosas formas monumentales. La composición piramidal clásica de la parte central de la obra en sí parece ser irrelevante para la trama:las chicas que forman un círculo vicioso con sus figuras no se vuelven en absoluto hacia San Antonio. Existen independientemente de él. Y solo un grupo de figuras hábilmente organizado ubicado en el borde mismo del lienzo:San Antonio y la tentadora, que apareció ante él en una pose exageradamente abierta, corresponde al nombre de la obra. Este par está construido según el principio clásico de simetría. La pose abierta de una mujer que demuestra su cuerpo contrasta con la pose cerrada de Anthony, que huele apresuradamente ropa áspera.
Es de destacar que Cezanne no retrató bellezas, verdaderamente escribe cuerpos femeninos imperfectos. Por cierto, pueden llamarse bellezas con un estiramiento:Cézanne está lejos de idealizar imágenes, escribe simplemente:mujeres. La influencia impresionista se siente en los tonos de color contrastantes y los reflejos del verde circundante en los cuerpos de las mujeres. Sin embargo, Cézanne utiliza excesivamente el hallazgo del impresionismo, casi llevándolo al punto del absurdo, que acerca su obra a la obra de los fauvistas, que aún no han entrado en la escena artística mundial.
Vida personal
Un año después, en 1870, el artista se familiarizó con Hortense Ficket, quien se convirtió en su modelo constante. La guerra que comenzó el mismo año con Prusia, Cézanne, junto a Fique, esperó en Estac (provincia de Provenza). El pintor ocultó cuidadosamente a su familia su conexión con el modelo, de lo contrario, un padre enojado podría dejarlo sin contenido, que apenas alcanzaba para toda la vida. Solo gracias a la escasa ayuda del padre, el artista, que no fue entendido y no aceptado por el público, fue capaz de sobrevivir, por lo tanto, incluso cuando Paul, el hijo de Grotzenia, nació en 1872, este acontecimiento tan importante siguió siendo un misterio para todos los familiares de Cézanne.
Pronto el artista se mudó a Pontoise, donde vivía Camille Pissarro, una de las pocas que creía en el potencial de Cezanne. Apoyar a un amigo fue muy útil. El impresionista Pissarro enseñó que hay que renunciar al ego y escribir lo que ves, trasladar al lienzo el estado real de la naturaleza y no interpretar el mundo que nos rodea.
Aquí, Se le presenta a Cezanne al Dr. Ferdinand Gachet, aficionado a la pintura y apreciado por el "nuevo" arte. Gachet inmediatamente declaró que consideraba a Cézanne un gran artista, y lo convenció de que se mudara a su casa en Auvers. La entusiasta percepción de Gachet de la creatividad de Cézanne inspiró esperanza en el pintor. Nadie se ha interesado nunca por su trabajo y se lo ha tomado en serio. Aquí, el artista sintió el interés genuino de toda la familia Gachet en su obra y comenzó a pintar numerosos paisajes, llevado por el método impresionista de la escritura.
Personalidad brillante
El cuadro "Casa del Colgado" (1873, Museo de Orsay, París), a pesar de su nombre lúgubre, es un paisaje soleado. La construcción compositiva magistral e inusual del lienzo es como un collage y se basa en la combinación de diferentes planos.
El primer plano introduce al espectador en el espacio de la imagen. En él vemos una pendiente arenosa sin complicaciones, con tocones de árboles en la esquina inferior izquierda, colocado aquí como un "punto de partida" para un avance gradual hacia las profundidades. El segundo plano lo ocupa un edificio con techo oscuro y una colina cubierta de césped, detrás de la cual se abre una fea "casa del ahorcado", como si sobresaliera de la colina y es un tercer plano del cuadro. Detrás se puede ver el techo de la casa ubicada justo debajo:el cuarto plano, que muestra edificios con paredes de ladrillo rojo brillante.
Siguiendo al artista, el ojo del espectador desde la esquina inferior izquierda del lienzo desciende a lo largo de la ladera, serpenteando entre las paredes de los edificios y el terreno irregular y, por lo tanto, revelando toda la profundidad del espacio. Y cuanto más miras a este espacio, cuanto más complejo parece. Cézanne transmitió el paisaje exactamente como lo vio en especie, sin reconstruirlo desde una perspectiva, por lo que las casas naranjas parecen estar justo en el techo del edificio cercano, y los árboles en expansión en la esquina superior izquierda de la composición están ridículamente apilados justo encima de la "casa colgada".
Fueron tales absurdos compositivos, impensable para el arte clásico, que permitió al artista representar fielmente el mundo tal como lo veía. La pintura "Casa y árbol" (1873-1874, colección privada) en la estructura compositiva se asemeja a un fragmento de una obra anterior:el mismo primer plano inacabado, un edificio de piedra blanca todavía crece directamente de la colina, contra el que hace alarde de un árbol ramificado. El tronco tortuoso del cual, como si cruzara el plano del muro, "extendido" a lo largo de él, como una grieta gigante. Tal motivo da extraños y emocionantes acordes dramáticos a toda la obra, creando la impresión de un secreto que la casa guarda en sí misma, como si estuviera escondido detrás de un tronco y ramas de un árbol.
El lienzo "Casa del Dr. Gachet en Auvers" (1873, Museo de Orsay, París) se distingue por la alternancia del primero, vacío, y segundo, planes demasiado llenos. Entonces Cezanne crea una composición armoniosa. Las casas representadas, que el artista esculpe densamente unos a otros, como si estuviera abarrotado en esta calle provincial. Con una mirada atenta a las líneas de sus paredes, resulta obvio que están lejos de ser iguales. Cezanne no persigue la claridad de las líneas, de lo contrario, los distorsiona deliberadamente, al igual que la luz del sol que ilumina las superficies de manera desigual, dependiendo de su textura y proximidad a otros objetos.
Paul Cezanne escribe solo lo que ve, sin ennoblecer el entorno, como debería hacer el artista "correcto". Ya aquí se manifiesta la atracción del artista por formas monumentales simples, que se convertirá en un sello distintivo del estilo individual del maestro. Bajo el patrocinio de Camille Pissarro, Cézanne, en 1874, participa en la primera exposición de los impresionistas. De nuevo, su trabajo es ridiculizado, sin embargo, su trabajo, "La casa del ahorcado" es comprada por un coleccionista muy grande, que inspira esperanza en el artista, atormentado por malentendidos.
La difícil vida de Cézanne se lee bien en el autorretrato escrito en 1875 (Musee d'Orsay, París). En él vemos a un artista notablemente calvo con una mirada inquisitiva e incrédula. Paul Cezanne buscó intuitivamente su camino en el arte, que caminaba solo, sin conocer ni la aprobación ni la fama. Las obras del maestro seguían siendo incomprensibles, y él mismo sufría por falta de demanda. Solo la obstinación y la rebeldía naturales ayudaron al artista a avanzar, pero el constante ridículo y la soledad a veces le hacían dudar de su propia visión del arte. Esto provocó desconfianza en uno mismo y en los demás, que es visible en la mirada del pintor.
En la obra "Lucha de amor" (Bacanal, 1875, Colección de A. Harriman, Nueva York), el artista recurre a un tema mitológico que permite una imagen libre del trazado en el espacio de cuerpos desnudos entrelazados. El expresivo lienzo da la impresión de un estudio debido a la elaboración subrayada de las propias figuras.
Toda una serie de métodos de composición agrava la impresión un poco abrumadora de una lucha feroz de amantes apasionados y apasionados:los árboles cuelgan amenazadoramente, el horizonte bajo enfatiza el vasto cielo, como presionando a los héroes, incluso las nubes arremolinadas con contornos inusualmente definidos parecen agresivas. La pintura se basa en el principio de la escenografía teatral:acantilados con árboles que crecen en ellos sirven como backstage. La falta de profundidad en el lienzo, solo enfatiza este efecto.
Una reunión importante para Cézanne tuvo lugar en 1875, cuando Auguste Renoir le presentó al ávido coleccionista Viktor Choquet, que compró una de las pinturas del artista. A partir de ese momento comenzó su larga amistad. En 1877, el pintor crea el "Retrato de Victor Choquet sentado" (Galería de Bellas Artes, Colón), en el que vemos a un amigo del artista sentado en un magnífico sillón de la época Luis XVI, en un ambiente hogareño relajado.
En las paredes hay obras de arte visibles que forman parte de la colección Choquet. Cierto, no están incluidos en el "marco" en su conjunto, pero se dan en fragmentos o solo se indican con marcos dorados. El artista no busca reproducir cuidadosamente la decoración de la habitación o transmitir con precisión fotográfica las características del héroe. Crea una imagen generalizada de un coleccionista como una persona atenta y reflexiva que puede apreciar intuitivamente el valor artístico de una obra. La alta figura de Viktor Shoke se ve algo cómica en una vieja silla baja, el borde superior del lienzo le corta las canas, y las patas del modelo y las patas de la silla están pintadas casi cerca del borde inferior del lienzo. Esto da la impresión de que el coleccionista está muy dentro del marco asignado de la imagen.
Uno de los muchos retratos de Hortense - "Madame Cezanne en la silla roja" (1877, Museo de Bellas Artes, Bostón), cuales, de paso, aún no se ha convertido en la esposa oficial del artista, es inusualmente espectacular en su combinación de colores. La tapicería roja de la silla contrasta con los colores verde oliva y azul de la ropa de Hortense y la pared detrás de ella. y también distingue perfectamente la figura de la heroína. La obra deja una impresión monumental debido a la máxima proximidad de la joven al espectador. El borde superior del lienzo corta parte de su peinado, y la parte inferior, el dobladillo de su falda. El compañero de vida de Cézanne mira hacia un lado, y sus manos con dedos cruzados construyen una barrera psicológica entre la modelo y el espectador.
Vemos una transmisión muy generalizada de las características locales en el paisaje "Montañas en la Provenza francesa" (1878, Museo Nacional de Gales, Cardiff). Cézanne desmonta mentalmente los objetos en las formas individuales que los componen, y luego construye su propia realidad a partir de ellos. Esta técnica seguirá siendo un rasgo característico de los constructivistas.
Aún más "constructivas" son las obras de "Casas en Provenza cerca de Estacus" (1879, Galería Nacional, Washington), "Monte Santa Victoria" (1886, Galería Nacional, Washington) y "House in Provence" (1885, Museo de Arte Herron, Indianápolis). Piedras sierras, Las paredes de las viviendas aparecen ante nosotros en forma de formas generalizadas, pasando por el prisma de la visión analítica de Cézanne, que les quita todo lo superfluo, dejando solo la esencia. Todos los contornos de montañas y campos en el lienzo "Montañas en Provenza" (1886-1890, Galería de arte Tate, Londres) se enfatizan correctos y geométricos.
El artista está trabajando activamente, pero el Salón aún rechaza sus obras. Cézanne es nuevamente ridiculizada en la tercera exposición impresionista. Cierto, hay un conocedor del arte del artista, comprando regularmente su trabajo:un joven funcionario que trabaja en el intercambio, llamado Paul Gauguin.
Habiendo pasado una carrera sólida, Paul Cezanne nunca se convirtió en un impresionista. Su fascinación por la transmisión impresionista de la imagen de la naturaleza y el ambiente de luz y aire fue reemplazada por una comprensión de la necesidad de un ordenamiento especulativo de la realidad circundante. No le bastaba al artista ver y reproducir, necesitaba ver y transmitir la estructura oculta del mundo.
Altibajos de la vida
En 1886, una serie de hechos ocurrieron en la vida personal del pintor. Primeramente, Cézanne, casi en contra de su voluntad (ya que le apasionaba mucho la joven sirvienta de la casa de su padre), estaba casado con Hortense, OMS, ante la insistencia de sus familiares, se mudó a la finca Cezanne en Provenza. En este momento, el hijo del artista Paul ya tenía catorce años. En segundo lugar, un amigo de su juventud, Cézanne, un conocido escritor Emil Zola, publica la novela "Creatividad", en el que el artista hizo un prototipo del personaje principal. La novela demostró perfectamente la actitud de Zola hacia el mismo Cézanne y su arte, acabar con la vida del héroe por suicidio. El pintor tomó este gesto como un fuerte anuncio de que un viejo amigo no cree en el artista ni en su arte, y así terminó la amistad entre los dos genios de la época, un gran escritor y un gran artista. En tercer lugar, Murió el tiránico padre del pintor, dejándole un legado sólido.
Dos años después, Cezanne crea un maravilloso retrato doble de su hijo Paul, vestido con un traje de Arlequín, y su amigo, vestida con un traje de Pierrot. La pintura "Pierrot y Arlequín" (1888, A. Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, Moscú) representa una escena del festival de carnaval de Maslenitsa, que tiene lugar justo antes de la publicación (en relación con el cual el segundo nombre de la pintura es "Mardigra", eso es la "semana de los panqueques"). En el lienzo el padre admira abiertamente a su hijo. Vemos al hermoso y magníficamente arrogante Paul, quien sale de las alas, mirando al espectador. Sobre este trasfondo, el Pierrot desprendido, inclinado en una posición bastante ridícula, parece una página complaciente.
A petición de Hortense, en 1888 los Cezanne se trasladaron a París. Un año después, el cuadro del pintor "El Colgado", debido a la proyección del coleccionista Viktor Shoke, fue presentado en la Exposición Mundial. Pero la obra pasó desapercibida para el público, ya que se colocó demasiado alto.
Una vez más, las obras de Cezanne no se vieron y no quiso ver, y su talento volvió a quedar sin reconocimiento. El pintor ya tenía sesenta y tantos, Los problemas de salud lo obligaron a cambiar constantemente de lugar de residencia. pero continuó pintando e incluso realizó su sueño de juventud:creó su propia obra en el espíritu de la obra "Card Players" de Louis Lenin, que le causó una gran impresión incluso en su juventud.
La pintura "Jugadores de cartas" (1892, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) es una obra de género que representa a tres jóvenes en su pasatiempo favorito. La figura del observador en el fondo está cortada en los hombros por el borde superior de la imagen, gracias a ella, en el plan compositivo, el lienzo parece incompleto. Esforzándose por una expresión clara y concisa de la idea, Cezanne escribió varias versiones de este trabajo. La versión final del lienzo del mismo nombre, creado aproximadamente al mismo tiempo, sorprende con la plenitud, concisión y simetría, con el fin de superar la influencia excesiva de los cuales, Cézanne corta la espalda del jugador derecho.
Los centros compositivos y semánticos de la imagen coinciden:son las manos de dos hombres sentados que parecen enmarcar una orgullosa botella de vino. La obra está desprovista del género estricto inherente a la versión anterior. No hay nada superfluo todo es muy estricto y extremadamente expresivo. Los jugadores están completamente absortos en su búsqueda, el tiempo parece haberse detenido para ellos, el mundo entero se concentra en dos figuras inclinadas una hacia la otra. Aquí y ahora, en el diseño de las cartas, se concluye lo más importante, el juego para ellos se convierte en una especie de obra sagrada, gracias a lo cual la imagen misma adquiere un cierto significado sagrado. Quizás la botella de vino sobre el mantel rojo tenga el tradicional significado simbólico de sangre y expiación.
El retrato "El chico del chaleco rojo" (1888-1890, Museo de Arte Moderno, Nueva York) es particularmente expresiva gracias al magistral uso del color. La solemne combinación de colores rojo y blanco se ve reforzada por la abundancia de negro, lo que hace que el perfil del héroe del lienzo sea extremadamente claro y contrastante. Cezanne no evita el negro, como muchos impresionistas, pero, de lo contrario, lo introduce en la imagen como un elemento formador de formas. El cabello del joven se fusiona con el fondo de las cortinas negras, esta tecnica, el maestro como si "inculcara" el modelo en el espacio del lienzo, al mismo tiempo dándole un cierto sonido trágico. La imagen de la persona retratada es completa y completa, incluso a pesar del hecho de que la imagen no contiene detalles, ni una designación de tiempo o lugar, ni un indicio del tipo de actividad del joven de chaleco rojo.
Composiciones temáticas y paisajes
Todas las naturalezas muertas de Paul Cezanne son reconocibles:con el conjunto mínimo de objetos más simple (varias frutas, jarrones de porcelana, platos y vasos), cortinas deliberadamente descuidadas con torceduras y numerosos pliegues arrojados sobre la mesa dan a la composición una expresividad decorativa y única.
La pintura "Naturaleza muerta con azucarero" (hacia 1888-1890, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) es una de las obras más famosas de Cezanne. Aquí el pintor rechaza una perspectiva lineal; no vemos un punto de fuga común en el lienzo.
Vemos una mesa rectangular con cortinas blancas colocadas casualmente sobre ella, forrado con platos de porcelana y frutas, desde dos puntos de vista a la vez:desde arriba y desde delante, que es imposible para el arte tradicional, cuales, desde el Renacimiento, trabajó en la correcta transferencia de lienzo tridimensional en el espacio plano bidimensional.
Paul Cezanne construye su naturaleza muerta en contra de la principal ley de la pintura:la perspectiva. Debido a la construcción incorrecta del espacio y la distorsión de la perspectiva, resulta imposible determinar la distancia de la pared a la mesa, oa las patas de madera tallada que se ven al fondo, aparentemente, el jardinero. La relación entre los planos paralelos y perpendiculares de las paredes, mesa, El piso y los cajones también se vuelven implícitos. El espacio privado de profundidad y perspectiva, construido con relativa observancia de la geometría, hace una naturaleza muerta similar a la pintura religiosa, cuyo estilo fue creado y aprobado antes de la perspectiva, ya menudo lo ignoraba.
Cezanne crea su propio sistema de coordenadas en el que cada objeto gana autosuficiencia y en sí mismo puede ser un "modelo" para el artista. "Extra", a primera vista, la sección de las patas del jardinero se introdujo por una razón:esta parte en particular, primeramente, "Sostiene" toda la composición en la esquina superior derecha del lienzo y, en segundo lugar, sirve como un poderoso acento colorista en el fondo de color frío general de la parte superior de la imagen, sus tonos marrones resuenan armoniosamente con un tablero marrón y tonos cálidos de fruta madura. No es casualidad que el artista componga libremente objetos en el plano de la mesa sin unirlos en grupos, si quitamos mentalmente alguno de ellos, la integridad de la composición no se romperá.
Los mismos rasgos también son característicos de Naturaleza muerta con manzanas y naranjas (1895, Museo de Orsay, París), Naturaleza muerta con cortinas (1899, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) y Naturaleza muerta con berenjenas (1893-1894, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). En el primer trabajo, el papel de las telas que forman el espacio con sus pintorescos pliegues es especialmente evidente. Son telas lujosas que llenan toda la superficie del lienzo. Hacen innecesaria la perspectiva, en ausencia del sistema de coordenadas habitual, el espacio pierde tridimensionalidad. Un caótico a primera vista, Montón de pliegues esconde los muebles y locales. No está claro en qué están los objetos. Gracias a este efecto, crea la impresión de una decoratividad enfatizada, e incluso teatralidad, interpretación plana aún más mejorada del espacio.
En esta naturaleza muerta el maestro trabaja de manera extremadamente expresiva con el color. Telas orientales brillantes que recuerdan a las cortinas exóticas del gran romántico de los cuadros de Eugene Delacroix, un ídolo para Cézanne, crea el telón de fondo para un lanzamiento descuidado, jarrón de porcelana y tela blanca jaspeada. La atención del espectador se ve primero atraída por este deslumbrante, lugar de diseño complejo, así que eso, disfrutando de la magistral transferencia de la tela, luego concéntrate en las frutas brillantes, como si brillara sobre un fondo blanco. Es el color blanco que organiza hábilmente toda la composición. No permite que el ojo se pierda en la flor festiva y deambule por el lienzo, introduciendo rigor en la decisión colorista y “recogiendo” la composición al centro.
Con la ayuda del color, la unidad de la composición se consigue en Naturaleza muerta con berenjena. Gracias a la gama fría azul-lila, el lienzo se ve sorprendentemente sin costuras, mientras que tiene un contraste brillante en forma de manzanas de color rojo anaranjado. La tonalidad general del trabajo se suaviza, como una disposición aleatoria de objetos en una naturaleza muerta. Si no fuera por el color, los jarrones de cerámica, el plato y la botella demasiado cerca uno del otro, habrían parecido un montón absurdo de cosas al azar.
Una de las evidencias de depresión interna para los artistas puede ser la naturaleza muerta con calaveras (1898-1900, Colección privada). Obras similares aparecieron en el arte mundial de los holandeses y pertenecían a las obras de "vanitas" ("vanidad de vanidades"), simbolizando la fugacidad de todo lo terrenal. Los restos mortales plegados se dan de cerca y ocupan la mayor parte de la superficie del lienzo. La ausencia de otros objetos en la imagen y cuencas oculares vacías, capturar los ojos del espectador, dar lugar a asociaciones blasfemas con el retrato, y no con naturaleza muerta.
Aunque Cézanne era el principal heredero de su padre, sus parientes vendieron su propiedad favorita en Aix sin su conocimiento. También, las pertenencias personales de Cezanne, El viejo, e incluso los muebles que el artista recordaba de su infancia, fueron destruidos.
Frustrado por la pérdida de su hogar natal, el pintor decide adquirir una mansión con el sombrío nombre Black Castle. A pesar de que esta intención nunca se hizo realidad, Cézanne dedica varios de sus paisajes a este lugar - "Bosque en las Cuevas Rocosas sobre el Castillo Negro" (1900-1904, Galería Nacional, Londres), así como "Mill on the River" (1900-1906, Galería de arte de Marlborough, Londres). En ellos, el artista, como antes, descompone todas las formas en partes componentes, pero va más allá, en general, el estilo de las obras no se acerca más al postimpresionismo, pero ya a la abstracción.
El monte Victoria se ha convertido en un destino favorito de Paul Cezanne para crear sus paisajes. Admiró su magnífica belleza en su juventud. En el último período de la creatividad, el maestro pintó repetidamente vistas de esta montaña, transmitiendo su belleza en diferentes condiciones atmosféricas y con diferente iluminación.
Al final de su vida, Cezanne concibió una composición de múltiples figuras de gran formato de bañistas desnudos en el seno de la naturaleza. El artista ha soñado durante mucho tiempo con escribir este lienzo y hay varias de sus opciones creadas en diferentes momentos. Debido a la timidez natural y la falta de fondos, Cezanne nunca utilizó los servicios de modelos. Por lo tanto, para crear su propia composición de varios cuerpos femeninos desnudos, Incluso le pidió a uno de sus amigos que le tomara fotografías del desnudo femenino. Quizás esto explique cierta angularidad de todas las figuras creadas por el artista sin depender de la naturaleza.
El pintor trabajó mucho y duro en el cuadro "Grandes bañistas" (hacia 1906, el museo de arte, Filadelfia), considerando cuidadosamente el diseño de los desnudos en el espacio, reconciliando meticulosamente el ritmo de las líneas corporales y los brazos extendidos, cuales, junto con troncos de árboles inclinados, forman un semicírculo armonioso. La obra se convertiría en una obra maestra, una especie de apogeo de la creatividad de Cézanne. El artista esperaba encontrarse a sí mismo a través de la armonía de la "redondez del pecho femenino y los hombros de las colinas". Desafortunadamente, Nunca sabremos qué tipo de artista le gustaría ver al artista al final, desde que la muerte interrumpió su trabajo.
La fama mundial llega demasiado tarde
Paul Cezanne era un solitario siguió su camino invicto, casi incomprendido y ridiculizado por muchos. The artist did not want a simple reproduction of nature, he sought to know its inner essence and convey this fundamental structure on the plane of the canvas. The master’s work anticipated the art of cubism and abstraction, depicting reality refracted by the consciousness of a particular person. Cezanne discovered the world "new art", completely constructed in his mind, and therefore deeply original and individual.
Only at the end of life, recognition gradually began to come to the artist. In the late 1880s, a Parisian art dealer Ambroise Vollard became interested in the work of Cezanne. At first he studied the work of the master, looked closely at them, was interested in the opinions of other artists. After much deliberation, Vollard decides to track down Cezanne to organize his first solo exhibition.
The exhibition, which opened in 1895, covered all periods of the painter’s work, showing the evolution of his creative vision and revealing to everyone the unknown Cezanne. Those who came to support the artist Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir and Camille Pissarro were amazed. Monet and Degas immediately bought several works of an old friend, and the Parisian public was already ready to accept the art of Cezanne.
After the first exhibition, the second followed. Vollard, although inexpensively, but stably bought the artist’s work. Two of his paintings were acquired by the National Gallery of Berlin. Pero, only in 1900, the painter finally won recognition at home, in Aix, putting an end to bullying and ridicule.
Gradualmente, thanks to his participation in the Paris International Exhibition, and other events dedicated to art, Cezanne became famous throughout the world, the name of the artist turned into a legend. Sin embargo, Desafortunadamente, this well-deserved recognition came to the painter very late. 22 de octubre 1906 Paul Cezanne died. Only after the death of the artist, his paintings truly found their audience.
