Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)
Michelangelo Merisi da Caravaggio nació el 28 de septiembre de 1571 en un pequeño pueblo cerca de Bérgamo, por cuyo nombre obtuvo su nombre que permanece en la historia del arte mundial:Caravaggio. La fecha de nacimiento del gran artista se conoció solo gracias al contrato sobreviviente para su formación, concluido por los padres del futuro artista con el pintor bastante famoso Simone Peterzano en ese momento. El documento, con fecha de 1584, declara que en el momento de su conclusión, Michelangelo Merisi tenía 13 años. Peterzano fue alumno del gran Tiziano y vivió en Milán, donde comenzó la carrera creativa de Caravaggio.
El comienzo del camino creativo
La madre de Miguel Ángel, Lucía Aratori, fue la segunda esposa del arquitecto y decorador Fermo Merisi, que sirvió con Francesco I Sforza, que llevaba el título de Marqués de Caravaggio. En total, la familia tuvo cinco hijos. Los primeros años de la vida de Miguel Ángel transcurrieron en Milán, desde donde la familia huyó a Bérgamo, huyendo de la plaga. Cierto, la epidemia no perdonó al padre y al tío del futuro artista, cuya familia entera quedó al cuidado de su madre, que estaba en gran necesidad.
Entrando en el taller de Simone Peterzano en 1584, Miguel Ángel firma un contrato con el duque de Colonna, heredero del marqués de Caravaggio que murió en 1583. La columna, que decidió comprar todas las obras del joven pintor, nada más entrar en el taller de Peterzano, se convirtió en el fiel patrón de Caravaggio durante toda su vida.
El jefe de la Iglesia Católica, que fue uno de los mayores clientes de pinturas, fue el Papa Sixto V, que favoreció las nuevas tendencias en el arte, que acababa de empezar a surgir en Lombardía. En este momento, el ducado de Milán, bajo el dominio español, se convirtió en el centro de una rigurosa doctrina artística y religiosa. En particular, el arte de Europa e Italia estaba bajo el dominio del manierismo, pero paralelamente estaba el academismo Bolonia-Romano, limitado a la imitación de los grandes pintores venecianos y romanos. En Lombardía, por otra parte, los artistas comenzaron a alejarse del manierismo y se enfocaron en un reflejo realista de la vida. Esta tendencia tuvo una gran influencia en la formación del estilo creativo de Michelangelo Merisi.
Desafortunadamente, sabemos poco sobre las actividades del taller de Milán Simone Peterzano durante el período en que Caravaggio llegó allí. Giovanni Paolo Lomazzo escribió en 1584 que Peterzano se regocijó en gran demanda, que disfrutó constantemente de sus obras, hecho "elegante y fácilmente". Si miras sus frescos en la iglesia de Garegnano cerca de Milán, o en sus lienzos como "Venus" o "Cupido y dos sátiros" (Colección Corsini, Nueva York), se puede ver una clara influencia del manierismo, mezclado con el nuevo realismo lombardo.
En las primeras obras de Caravaggio, se puede ver claramente la influencia del estilo Peterzano, aunque la continuidad con respecto a las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento, como Tiziano, Giorgione, Giovanni Bellini o Leonardo da Vinci, también es evidente. El trabajo de este último, a saber, "Madonna in the Rocks", Caravaggio, por supuesto, visto en la iglesia de San Francesco Grande, Milán. También, de vuelta en Bérgamo, el artista admiró la pintura de Lorenzo Lotto, que destacó por su especial tensión emocional.
La historiadora del arte Mina Gregory demuestra de manera convincente que el joven artista estudió cuidadosamente las obras de Andrea Mantegna, que demuestra claramente el único fresco pintado por Caravaggio, indudablemente pintado bajo la influencia del estilo pictórico de este magnífico maestro de la perspectiva. Caravaggio también estuvo en Mantua, donde examinó las obras monumentales de Giulio Romane.
Mientras tanto, en Milan, se formó una verdadera escuela, que cayó bajo la influencia de la manera pintoresca de los hermanos Campi. En eso, jóvenes artistas desarrollaron los temas de sus obras, centrándose principalmente en la vida real, de la que se inspiraron. La pintura de este grupo creativo incorporó todas las innovaciones en las bellas artes de esa época.
Para descubrir el efecto del claroscuro, Caravaggio pudo haber sido ayudado por el trabajo del maestro del Alto Renacimiento Giovanni Girolamo Savoldo, a quien admiraba el joven pintor. Luego creó un retrato de la famosa artista Sofonisba Anguissola, quien estaba familiarizado con el gran Miguel Ángel en su juventud. Sofonisba creó escenas de género tomadas de la vida cotidiana. Podemos ver en uno de sus dibujos, creado por carbón y tiza, una imagen de su pequeño hijo, cuyo cáncer fue mordido por un dedo. Fue este dibujo el que impulsó al joven Caravaggio a la trama de su primer cuadro, que pintó inmediatamente después de llegar a Roma.
Desafortunadamente, sólo podemos hablar hipotéticamente de la formación creativa de Caravaggio. Según el historiador del arte Berenson, Giorgione fue fundamental para el desarrollo del estilo de Caravaggio. La influencia de la escuela lombarda también se lee con claridad. Roberto Longy escribe:“Durante mucho tiempo en Milán, se veneraba a un grupo de artistas venidos de Lombardía que creaban arte simple y democrático… En sus pinturas había mucho sentimiento humano, luz interior y ningún éxtasis religioso en absoluto; decisión colorista, Los efectos en blanco y negro se coordinaron entre sí y se verificaron con la naturaleza. Era un arte realista que buscaba retratar simple y verdaderamente la naturaleza y el hombre. "
Peterzano, quien fue un maestro muy progresista para su tiempo, También jugó un papel importante en la formación del estilo artístico de Caravaggio. Entrenando, se centró en la técnica de la pintura, sin el cual es imposible alcanzar las alturas de la excelencia.
Apenas llegando a los 18 años, Caravaggio, lleno de anhelo de trabajar de forma independiente, se mudó a Roma. Se desconoce la ruta de su viaje, sólo podemos suponer que en el camino vio muchas de las obras de grandes maestros. En Roma, el prelado Pandolfo Pucci da cobijo a un joven. Las primeras obras de Caravaggio tienen una trama simple:"Un niño mordido por un lagarto" (1594, Galería Nacional, Londres), "Un joven con una canasta de frutas" (1593, Galería Borghese, Roma), “Un niño limpiando una pera” (1593).
El primer autorretrato de Caravaggio se considera el cuadro "Músicos" (1595, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), en el que el artista se retrata a sí mismo junto a otros dos jóvenes músicos y Cupido de fondo. Muchos historiadores del arte consideran la imagen de Amur una especie de símbolo homoerótico, indicando la inclinación de Caravaggio por la homosexualidad. Pronto, el pintor se enferma gravemente, pero milagrosamente se recupera y, casi inmediatamente, pinta el cuadro "Little Sick Bacchus" (1953, Galería Borghese, Roma), que es su segundo autorretrato.
Caravaggio cuenta con el patrocinio del poderoso Cardenal del Monte, para quien el artista crea una serie de pinturas religiosas. En el cuadro "Magdalena penitente" (1595-1597, Galería Doria Pamphili, Roma) vemos la primera imagen femenina creada por el artista. En el mismo período, el pintor crea su segundo "Baco" (1596, Galería de los Uffizi, Florencia), esta vez lleno de salud. Pronto, Caravaggio provoca su primera, pero lejos del último, Choque con la justicia.
Pero, ¿por qué el joven artista eligió Roma? Los biógrafos de Caravaggio coinciden en que la elección de la capital cultural de Italia, y por tanto el mundo entero, se debió a las extraordinarias ambiciones de Caravaggio, que soñaba con convertirse en el mejor artista de todos los tiempos. ¿Es porque violó la ley muchas veces porque creía que a él, más dotado de Dios que a quienes lo rodeaban, se le permitía todo?
Roma en ese momento realmente floreció. La construcción de la Basílica de San Pedro, que en esos años era la estructura arquitectónica más grande del mundo, acaba de completar. Se erigieron grandes basílicas, como San Giovanni Laterano, Santa María la Mayor, se abrió el puerto de Ripetta en el Tíber, que verdaderamente se convirtió en la puerta de entrada al mundo. El Papa Sixto V invitó a todos los pintores talentosos de la península a venir a Roma, Y muchos, incluidos los lombardos, siguió este llamamiento. Todo esto tenía la intención de transmitir al mundo entero el triunfo del cristianismo.
Me gusta mucho de la vida de Caravaggio, no sabemos la fecha exacta de su llegada a Roma. Quizás fue 1591 o 1592. Hay muchas evidencias de que el artista llegó a la Ciudad Eterna bajo el Papa Clemente VIII.
El joven artista que llegó a Roma probablemente llevaba consigo varios lienzos pintados en Milán. Pero estas obras con su interpretación realista de los personajes y tramas, difícilmente podría despertar el interés del público local, cuyos gustos determinaron entonces el manierismo y el clasicismo. Gran amor en Roma disfrutó de copias de las obras de Miguel Ángel y Rafael. Es significativo que los pintores que eran muy populares en ese momento, como Agnesti, Siolante, Taddeo Zuccaro, Salviate, Rafaelino da Reggio, Cesars Nebbia o Giuseppe Cerzi, dejó solo un pequeño rastro en la historia mundial del arte.
El historiador del arte Callab escribe:“Los artistas jóvenes que llegaron a Roma a finales del siglo XVI, no solo tuvieron que limitarse a una dócil imitación de pinturas de viejos maestros, pero también heredan su idealismo, timidez artística, y miedo a abandonar una forma de representación superficial vacía. En pintura estos artistas se contentaron sólo con el parecido externo. "Para sobrevivir de alguna manera, se vieron obligados a someterse a los gustos del público y dedicarse únicamente a decorar la vida. Un ejemplo es el trabajo de Annibale Carracci, que vino a Roma desde Bolonia. Se le encargó la decoración de la galería del Palazzo Farnese. Ya en el proceso de trabajar en la implementación de su plan creativo, encontró grandes dificultades y desconfianza hacia los clientes y el público.
Lo mismo pasó con Caravaggio. Se acurrucó en los barrios pobres de la ciudad, en el mismo lugar que muchos otros inmigrantes de Lombardía, los mismos artistas en paro, escultores y canteros que intentaron sobrevivir anticipándose a los pedidos. Pronto, el pintor logró entrar al servicio de Lorenzo Siciliano, en el estudio del cual conoció a sus compatriotas, los hermanos Longo.
Durante este período, Caravaggio y sus camaradas pasaban sus días de trabajo, explorar el campo y divertirse. Los investigadores buscaron en vano las obras del artista de este período. Quizás escribió algo para sí mismo, pero, obviamente, estas pinturas no encontraron compradores.
Y todavía, Caravaggio sonrió ante la suerte en la persona de un filántropo adinerado, un hombre de buen gusto artístico, pero de dudosa reputación, prelado de la corte papal, Monseñor Pandolfo Pucci. Era hermano de un cardenal, OMS, por cierto, También se hizo cargo del “tímido” Benvenuto Cellini.
El prelado quedó fascinado por la destreza, talento del joven artista y su inquebrantable, carácter explosivo. Pucci invitó a Caravaggio a su casa, asegurando su existencia. El artista, por su parte, en agradecimiento por la bondad del prelado, tenía que hacer el trabajo por él de copiar las mejores pinturas piadosas de la iglesia. Monseñor Pucci envió todas sus obras al Monasterio Capuchino de Recanati, en el que nació y pasó los primeros años de su vida. No nos ha llegado ni una sola obra de esta serie.
Estilo y temas
Con mucho tiempo libre y total libertad creativa, Caravaggio pudo elegir cualquier trama para sus obras y reflexionar sobre ellas durante mucho tiempo. Ahora sabemos con certeza que el cuadro del artista "Un niño mordido por un lagarto" (alrededor de 1954, la galería Nacional, Londres y segunda opción, la Fundación Longy en Florencia) fue creada durante su estancia con Monseñor Pucci. La imagen era una especie de reminiscencia del conocido dibujo al carboncillo de Sofonisba Anguissola. El joven en el lienzo está representado en el momento en que el lagarto lo muerde, y temeroso aparta la mano. Por primera vez en la pintura, se arrebató y registró un momento de movimiento.
Según Berenson, en esta obra de Caravaggio hay una "necesidad universal de innovación, "un deseo de destruir las convenciones. Quizás aquí también se esconde una alegoría:los hombros desnudos del niño y una flor detrás de la oreja, indican que el joven pertenece a las clases bajas romanas:el mundo de las prostitutas y los ladrones, que Caravaggio asoció con el dolor físico y el sufrimiento que necesariamente acompaña al amor. A lo largo de la carrera del artista, las imágenes del sufrimiento físico estaban indisolublemente ligadas al sufrimiento espiritual y mental.
Caravaggio también escribió su famoso "Laudista" durante su estancia con Pucci. Ahora la foto está en el Hermitage, En San Petersburgo. La imagen de un músico es muy típica de los modelos elegidos por el artista. Hay otra versión del lienzo, está almacenado en el Museo Metropolitano de Arte, en Nueva York. En él vemos al mismo chico jugando, pero no vemos flores ni frutos a su lado.
Es asombrosa la minuciosidad con la que el artista escribe instrumentos musicales. La cara soñadora del laudista, la languidez en su mirada, todo sugiere que el joven se deja llevar por la imaginación a su profundo mundo interior. Puede leer una inscripción intrigante en la partitura en la imagen del Hermitage:"Voi sapete chio vato" ("Sabes que te amo"). Me pregunto quién envió este reconocimiento. En la imagen "Músicos", el primer plano también muestra una partitura desplegada para la audiencia, que está sostenido por un cantante semidesnudo. Pero aquí la inscripción hecha por su mano, hasta ahora nadie ha sabido leer.
El hecho de que todas las obras de este período, Caravaggio se inspiró solo en hombres jóvenes (las imágenes femeninas están ausentes), también sugiere la orientación poco convencional del artista. La primera imagen femenina de su obra fue el cuadro "Magdalena penitente", pintado alrededor de 1596.
No se sabe por qué Caravaggio abandonó la casa de monseñor Pucci. Quizás el prelado tenía una disposición muy pesada. El artista vuelve a aparecer en las calles romanas, privados de un medio de vida. Afortunadamente, el viejo amigo del pintor, que trabajó con él en el taller de Lorenzo Siciliano - el artista Antiveduto Gramatica, albergó a Caravaggio sin hogar y empobrecido. La gramática disfrutó de cierto éxito con el público, por lo que se le proporcionó pedidos regulares.
Pero las desgracias perseguían al pobre Caravaggio, enfermó de fiebre romana, que se extendió por toda la península. Un amigo del artista Longo lo llevó al hospital conventual de Santa Maria della Consolation, donde trajeron a quienes no tenían los medios para pagar el tratamiento. Allí, Caravaggio se colocó en el sótano, que fue considerado un corredor de la muerte.
Por accidente, el artista llamó la atención del prior del hospital, Señor español Conteras, un buen amigo de Monseñor Pucci, que pasó y reconoció a Caravaggio. Conteras pidió trasladar al pintor enfermo terminal a otra habitación y ordenó no dejar a sus enfermeras. Esto solo salvó la vida del artista.
Pero los temas de la muerte y la enfermedad, de ahora en adelante, como un eco lejano de la experiencia, se puede ver en muchos de sus lienzos, por ejemplo, en la Asunción de María. En agradecimiento por su salvación, Caravaggio pintó para cuadros de Contares, pero, Desafortunadamente, ellos, como muchas de sus otras obras, no han llegado a nuestros días.
Seis meses en el hospital dolor y miedo, las enfermedades concomitantes dejaron una profunda huella en el alma del artista. Fue entonces cuando Caravaggio crea una de sus obras más famosas, "Baco enfermo". La figura de Baco se muestra en imagen de espejo:un hinchado, El rostro pálido y los ojos apagados indican el grave estado del propio artista tras la enfermedad. En "Sick Bacchus" vemos a un dios que ya no puede disfrutar de las delicias de la vida, disfrútala.
La pintura fue pintada en el taller de uno de los pintores más famosos de Roma, el caballero Cesare d'Arpino, que acogió a Caravaggio en su casa. Cesare d'Arpino no era mucho mayor que el propio Caravaggio, pero ya era conocido como un favorito de la alta sociedad e incluso fue adoptado en la corte papal. Perteneciente a una de las asociaciones artísticas más populares de la capital de Italia, la Academia de los Temerarios (que también incluía a poetas como Batista Laura, futuro papa Urbano XVII y Torquato Tasso), d'Arpino prefería lo divino a lo racional. En agradecimiento por el refugio, Caravaggio tuvo que llevar guirnaldas de hojas y flores para los frescos de Cesare d’Arpino. En esta ocasión, incluso se firmó un contrato. Murales de los contemporáneos de Caravaggio reconocidos como perfectos.
En la casa de Cesare d'Arpino, Caravaggio conoció a muchos de los filántropos ricos de Roma:cardenales, comerciantes, embajadores así como artistas famosos que gozan de una buena reputación:Van Dyck, Jan Brueghel y, posiblemente, Rubens. Entre ellos estaba Valentine, que recientemente había llamado la atención de un joven artista de Francia. Se supone que más tarde Valentin se retiró en secreto del taller de Cesare d’Arpino y vendió varias obras de Caravaggio.
Aproximadamente en ese momento, el pintor creó otra obra maestra propia:"El joven con una canasta de frutas", que el Papa Pablo V. más tarde presentó a su sobrino Shipione Borghese. Ambas pinturas (esta y "Baco enfermo") estuvieron en el taller del caballero Cesare d’Arpino 1607 años. Luego, fueron confiscados por los agentes del Papa Pablo V, que ascendió al trono después del Papa Clemente VIII, en el pago de deudas.
No tener ingresos permanentes, Caravaggio se volvió hacia Valentin en busca de ayuda. y me aconsejó que escribiera pinturas religiosas. En efecto, la demanda de pintura eclesiástica era enorme. Caravaggio aceptó la oferta, recibió pinturas y pinceles, pero al cabo de un tiempo le trajo al agente obra no religiosa en su segundo “Baco”.
En este lienzo vemos al dios antiguo en forma de un joven de piel gruesa que está lleno de salud, con características para muchos de los personajes del artista un poco pesadas durante siglos. La cabeza de Baco está decorada con una tradicional corona de enredaderas, en su mano hay una copa de vino, y sobre la mesa vemos una jarra medio vacía. Pero hay otros matices:hojas ligeramente marchitas en una corona, frutas rancias estropeadas, que hacen pensar a un espectador atento.
El biógrafo Caravaggio Giovanni Ballone escribirá:“Baco con varias ramas de uvas pintadas en diferentes colores está escrito con mucho cuidado, así como con cierta agudeza y sequedad de modales; esta pintura proviene de la época en que Caravaggio intentó vivir de su propio dinero, vendiendo sus pinturas. "En 1916, esta obra fue redescubierta por Roberto Longy, quien lo descubrió en el depósito de la Galería Uffizi.
El extraordinario talento de Caravaggio fue apreciado con un retraso de 300 años. No se sabe con certeza si el cliente aceptó Bacchus o la obra nunca salió a la venta; En todo caso, su implementación no pudo ayudar al maestro a resolver sus problemas materiales. Valentin, que creía en el enorme talento artístico de Caravaggio, persuadió al artista para que aceptara una orden para la ejecución de obras de contenido religioso, pero el terco, a pesar de todo, comenzó a trabajar en un nuevo trabajo:escribió The Fortune Teller.
En el lienzo vemos una escena callejera, o uno de los episodios del teatro popular. ¡Valentine pagó a Caravaggio por sus 30 táleros! Después, la obra fue donada por el príncipe Doria-Pamphili al rey francés Luis XIV y actualmente se encuentra almacenada en el Louvre.
Un examen de rayos X de la obra mostró que bajo la imagen del joven adivino hay una imagen anterior de una manera cercana a Cesare d’Arpino. Quizás Caravaggio simplemente ahorró dinero en el lienzo. La vulgaridad de esta escena conmocionó a los contemporáneos del artista, pero fue ella quien más tarde inspiró a otro pintor:el francés Georges de Latour, para crear una imagen con el mismo nombre y en la misma parcela. Habiendo recibido el dinero, Caravaggio se apresuró de inmediato hacia las aventuras, peleas y peleas, lo que obligó a la policía papal a realizar de nuevo una estricta supervisión de su vida.
¿Qué pasó después? ¿Cómo se las arregló Valentine para persuadir al artista descarriado de que volviera al camino recto? Probablemente, en esta lucha con la disposición rebelde de Caravaggio, usó el nombre de uno de los coleccionistas de arte más ricos de este período:el cardenal Francesco Maria del Monte. Finalmente, el pintor acepta escribir para el cardenal un cuadro sobre un tema religioso, que se convirtió en el primero en su obra.
Cierto, el artista estableció su condición:total libertad para elegir un tema. Caravaggio se negó de inmediato a escribir las escenas tradicionales de la crucifixión y el martirio. Como objeto de la imagen, el artista eligió el tema del éxtasis, en consonancia tanto con su manera pictórica como con su temperamento artístico. Comienza la monumental obra Éxtasis de San Francisco. Caravaggio retoma decididamente la creación del lienzo, instalarse en el sótano de la casa de Valentine para terminar esta difícil tarea para él lo antes posible.
El trabajo iba a ser muy artístico, obra magistral que pudo abrir las puertas de Caravaggio a las colecciones de los grandes amantes del arte romano. Al mismo tiempo, ella lo habría hecho famoso y lo habría ayudado a ganarse el favor de personas ricas y autorizadas. Los investigadores modernos de la obra del artista consideran Éxtasis de San Francisco como la primera obra madura de Caravaggio.
El genio de la innovación
La obra “Éxtasis de San Francisco” provocó mucha controversia y discusión. El escritor Dominic Fernandez ve en ella el nacimiento del barroco genuino. La trama de la imagen se desarrolla con el telón de fondo de un bosque nocturno. En el fondo, Caravaggio retrató a pastores sencillos que encendían un fuego. En su luz la figura del santo acompañante dormido, Hermano Leon, emerge claramente. San Francisco revela estigmas en un estado de éxtasis místico.
Nadie antes de Caravaggio representó una escena de éxtasis religioso como esta:un santo yace en los brazos de un ángel, cuya imagen está encarnada en la forma de un joven seductor, recuerda mucho a los modelos favoritos del pintor. La figura de un ángel a pesar de las alas detrás de él, no se eleva, pero por así decirlo, cayendo al suelo. Tratando de encontrar nuevos medios expresivos y expresivos, el artista realza el juego de luces y resuelve toda la composición como una recreación teatral, tratando de esta manera de lograr no solo un efecto artístico significativo, pero también más persuasión.
El éxtasis de San Francisco hizo su trabajo:sentó las bases de la fama de Caravaggio como pintor religioso. Le siguieron otras obras monumentales del artista, como La Conversión de Saulo de la Iglesia de Santa Maria del Pololo. Cardenal del Monte, apreciando la innovación del pintor, invita a Caravaggio al Palazzo Madama.
Francesco Maria del Monte fue el embajador del duque toscano en la corte de Pantifex Maximus. Su residencia estaba ubicada en la Villa Medici. El cardenal era una persona muy culta:sabía hebreo, Griego antiguo y otros idiomas orientales. Era un gran fanático de la música y la pintura, siempre abierto a nuevas ideas. Gracias a esto, Caravaggio le causó una buena impresión, y el cardenal le dio libertad creativa y pleno contenido. Viviendo en el palacio de Madama y percibido como alumno del cardenal, Caravaggio se convirtió en un artista famoso y codiciado. Cierto, no solo lo admiraban, pero también lo odiaba.
Protegido de todas las adversidades, bien provisto, y tal vez hasta enamorado, el artista comenzó a acostumbrarse a una vida tranquila. Cuales, sin embargo, no afectó la agudeza y agudeza de su lenguaje pictórico, que se perfeccionó constantemente. Estaba absorto en la búsqueda de las escenas más dramáticas, y encarnando sus ideas, recurrió a una gran cantidad de contrastes, un juego de luces y sombras, dando a sus pinturas vitalidad y persuasión.
Mientras tanto, se acercaba un cambio de siglos. El manierismo como movimiento artístico cayó gradualmente en decadencia:el Renacimiento se ha convertido en historia. Era el momento del Edicto de Nantes, que puso fin a las guerras religiosas en Europa. Francia e Italia firmaron una alianza:Enrique IV se casó con María Médicis. Miguel Ángel Merisi, que ahora tomó el nombre de Caravaggio, en ese momento tenía 25 años.
Siendo alumno del cardenal, quien felizmente adquirió la mayoría de sus obras, el artista podría entregarse por completo a la inspiración - "la furia del momento". Comenzó a escribir no solo religiosos, pero también pinturas de género. La "Magdalena penitente" de Caravaggio es sorprendentemente real. Por cierto, una modelo de la calle llamada Julia sirvió de modelo para el pintor. Dos años después, creó el cuadro "La Circulación de Magdalena", que se distingue por un estudio aún más minucioso de todos los detalles.
En casa del Cardenal del Monte Caravaggio escribe su famoso bodegón "Fruit Basket". La canasta que se cierne sobre la mesa parece inusualmente material. Junto con frutas frescas y jugosas, el maestro lo “llenó” con frutos demasiado maduros y hojas marchitas. Este lienzo nunca adornó la colección de del Monte, el cardenal solo lo descubrió más tarde en el taller del señor Cesare d’Arpino, a lo que el propio artista se lo dio, como compensación por deudas. Más tarde se olvidaron del bodegón de Caravaggio. Hasta hace poco, la "Cesta de frutas" formaba parte de la escuela de pintura holandesa. Solo el estudio científico de 1919 realizado por Longy demostró la autoría de Caravaggio.
Pronto, el artista dejó el Palazzo Madama y se mudó a la casa del cardenal Maffeo Barberini, que era uno de los clientes de Valentin. Influenciado por los constantes consejos y orientación de su amigo, Caravaggio vuelve a abordar el desarrollo de temas religiosos, sin perder la fe en sus ideas y principios. El artista busca situaciones dramáticas en la historia y en la vida, los fortalece con la teatralidad de las soluciones compositivas, con extraordinarios contrastes de luces y sombras, dando a sus obras un sonido completamente nuevo.
Las obras “Poniendo a Cristo en custodia” (National Gallery, Dublín, Irlanda) y "La donación de Isaac" están dedicados a historias de la historia bíblica. Lo más atractivo de “La donación de Isaac” es una alta interpretación humanista de la imagen de un ángel que se le aparece a Abraham, trayendo una daga sobre su hijo. El ángel le hace un gesto al carnero, que debe colocarse sobre el altar en lugar del niño.
En el cuadro "Santa Catalina de Alejandría", el artista representa al fondo una espantosa rueda de tortura con púas de acero. Caravaggio equilibra magistralmente la composición al correlacionar las partes oscuras y claras. La obra, que durante algún tiempo estuvo en la colección del Monte, fue vendido por sus herederos a la familia Barberini, de la que luego pasó a formar parte de la colección Thyssen-Bornemisza en 1935.
La pintura "Juan el Bautista" pertenece al mismo período, cuya creación se inspiró en las figuras de los jóvenes desnudos de Miguel Ángel de la Capilla Sixtina. También escribe otra María Magdalena, realizado a la manera de los maestros venecianos ("Conversión de Magdalena"). En este lienzo además de Magdalen, apoyado en un gran espejo redondo, vemos otro personaje - Marta, que es presentado por Caravaggio. El modelo de Martha fue Filis Melandrone, que trabajó con el artista y mientras escribía St. Catherine.
El insistente pedido personal del cardenal y la gran demanda de pintura religiosa obligaron al pintor a seguir trabajando en obras de temática bíblica. Todas sus obras posteriores asestaron un golpe aplastante a la dirección fundamental del arte europeo:el manierismo.
Pronto, Caravaggio decide escribir un lienzo sobre uno de los peores momentos de la historia judía descritos en el Antiguo Testamento. Escribe Judith y Holofernes, donde describe el momento en que Judith fue cortada al tirano asirio Holofernes. El modelo de Judith también fue Filis Melandrone. Inicialmente, el artista retrató a Judith con los senos desnudos, pero posteriormente, se vio obligado a "cubrirla" con un ramillete. Un poco lejos de la heroína espera a un sirviente anciano. Ella fácilmente sostiene una servilleta de lino para envolver la cabeza de la víctima en ella. La imagen de la solterona fue creada por Caravaggio bajo la impresión de la "Cabeza del anciano" de Leonardo da Vinci.
La pintura "Descanso en la huida a Egipto" demuestra vívidamente tanto la aceptación como la negación de las tradiciones de la pintura religiosa. El cabello castaño de la Madre de Dios contrasta con los rizos rojo claro del Niño Jesús. Un ángel escrito desde atrás toca el violonchelo; su mirada está fija en la partitura que sostiene Joseph. El artista retrató al esposo de la Virgen María descalzo y con barba gris, se sienta en una bolsa, junto a la cual vemos una botella de vino a medio beber. Sirviendo como telón de fondo, el paisaje enmarca toda la composición. Él y el patrón de flores y hojas están estilísticamente cerca de las pinturas de Giorgione, pero, por supuesto, Caravaggio lo supera por la fuerza de su talento.
El lienzo "Descanso en el camino a Egipto" fue percibido de manera ambigua por el público y recibió una variedad de calificaciones. Sin embargo, el cardenal dio a Caravaggio una nueva orden para pintar el techo de su residencia (actualmente, allí está la villa de Boncompany Ludovisi). El artista completó el pedido a mediados de la década de 1590. Este fresco sigue siendo la única obra conocida de Caravaggio en el campo de la pintura mural. El pintor demuestra la asombrosa habilidad de poseer una perspectiva. Las figuras de Júpiter, Neptuno y Plutón, representado por él en un fresco, Testifique de las extraordinarias habilidades del artista de 26 años. Aunque la obra fue recibida muy favorablemente por los conocedores ilustrados del arte, Valentine esperaba más del artista y ayuda a Caravaggio a concluir un importante contrato para pintar escenas de la vida del apóstol Mateo de la iglesia romana más grande de San Luigi dei Francesi.
Bajo este contrato, el artista creó dos lienzos monumentales:"El martirio del apóstol Mateo" y "La vocación del apóstol Mateo", que todavía adornan la iglesia de San Luigi dei Francesi, ubicadas en el mismo lugar donde fueron identificadas durante la época del artista. Son una clara evidencia de una nueva etapa en la vida y obra de Caravaggio.
Este pintoresco conjunto fue el más grande de todos los realizados en la vida del artista. Y el resultado de su trabajo fue asombroso. Las obras monumentales escritas por él, que se basan en una mirada innovadora a los temas bíblicos, dio lugar a un apasionado debate, tanto entre los clérigos como entre los conocedores del arte. Esto no es sorprendente dado que a principios del siglo XVII las pinturas y los frescos de las iglesias estaban en el centro de atención y suscitaron un gran interés no solo entre el clero, pero también entre todos los amantes de la pintura, así que todo el mundo estaba ansioso por ver nuevas obras de pintores.
La historia de esta orden es bastante inusual. Cardenal Matteo Contarelli, que quiso dedicar la capilla a San Mateo, su patrón celestial, invitó a pintores y escultores a decorar la iglesia. El trabajo aún no estaba terminado en el momento de la muerte del cardenal, y la cuestión de su finalización se discutió más a fondo en numerosos concilios eclesiásticos. Entre los artistas involucrados en la capilla de Contarelli, Girolamo Muziano y el caballero Cesare d’Arpino, que pintó las bóvedas y el techo de la iglesia con escenas de la vida del santo, debe tenerse en cuenta. Iba a pintar al fresco todas las paredes de la capilla, pero por razones desconocidas no pudo seguir funcionando. Su finalización fue confiada a Caravaggio. El contrato de fecha 25 de junio de 1599, que se concluyó con el artista, ha sobrevivido. De acuerdo con él, Caravaggio recibió una recompensa de 400 escudos.
De hecho, no está claro por qué la elección recayó en Caravaggio, y no en otro, más famoso en esos años, Maestros romanos. Probablemente, the mediation of the artist’s all-powerful patrons:Cardinal del Monte and the wealthy Genoese philanthropist and aristocrat Vincenzo Giustiniani played a large role here. Por supuesto, the painter was flattered by the honor shown to him, and immediately set to work. But here one problem became clear:Masses regularly served in the chapel of Contarelli, and therefore it was impossible to establish the forests necessary for creating large-format compositions. Caravaggio offered his way out of the situation - he decided to make large-format oil paintings on canvas of 3.40 x 3.24 meters in oil! None of his contemporaries have yet completed orders of this magnitude. After a little thought, the clergy agreed.
The painter did not meet the deadlines stipulated by the contract and submitted his work several months later. He completed the “Martyrdom of the Apostle Matthew” in time for early 1600. Caravaggio repeatedly changed the composition of the canvas in search of the most successful solution. The painter depicted the scene, which took place in the courtyard of the king of Ethiopia, who ordered the execution of St. Matthew, who preached the gospel there. The executioner, holding his sword at the ready, was already bending over the resisting martyr to kill him. An angel extends to the saint a palm branch - the emblem of martyrdom for faith. In the distance stands a young man with a tender face, involuntarily trying to distance himself from the terrible scene that is taking place. The fleeing boy turns away, his face expresses unspeakable horror. In one of the characters of the canvas, Caravaggio himself can be seen as a witness to this crime - a middle-aged man with a beard and an exhausted expression on his face. This is the artist’s third self-portrait.
The painting “Martyrdom of the Apostle Matthew” conquers, en primer lugar, with realistic authenticity, emotional richness and utmost convincingness of images. Hermann Foss writes:“At a time when Caravaggio began to use the lighting method he invented in developing multi-figure compositions, he felt the need to abandon the linear-planar image means used by Zuccaro and Giuseppino. His competitors did not hesitate to make critical judgments. One of the theorists of Roman mannerism, the artist Zuccaro, spoke as follows:“A lot of noise from nothing! I see nothing here but a copy of the Giorgione style! "
Recognition of talent
The painting “The Calling of the Apostle Matthew”, executed a few months later and set in a chapel next to the composition “Martyrdom”, provided further food for conversation. The artist showed the mystery of “Calling” in the form of a scene from Roman everyday life. Realizing his bold plan, Caravaggio chooses the location of one of the Roman taverns, in which gamblers are usually found. In the original, an episode of the gospel story takes place in a room that meets modern customs. Después de todo, it is about the main tax collector, the chief tax collector who controls the collection of taxes.
In the canvas, light falls from above and illuminates only the right side of the room. The only window is tightly closed and appears walled up. The painter depicted a situation completely unsuitable for performing the sacrament of conversion, sin embargo, it is here that Jesus appears. Entering, he points with his hand to the chosen tax collector, and this gesture is somewhat reminiscent of the movement of the hand of the god of hosts, from the fresco "Creation of the World" by Michelangelo.
Finalmente, Caravaggio becomes famous. He convincingly proved that in painting a harmonious combination of the divine with the everyday is possible. Jesus’ appearance in the tax collection office, shown on his canvas, does not look blasphemous. Cierto, this innovation in church painting caused endless debate. Sin embargo, the executors of the will of Cardinal Contarelli were satisfied and immediately instructed the artist to fulfill the central image for the church altar. The motive of the last image was determined in advance - the Apostle Matthew and the angel. The painter on time presented the work to customers, but it was rejected due to the fact that Caravaggio endowed the image of the saint with the characteristic features of a simple peasant, depicting him bearded, bald, with bare and dirty legs.
Under the pressure of the clergy, Caravaggio presents the second version of the picture, with a completely different interpretation of the plot. In the second version of the work, the painter refuses to demonstrate the emotional closeness between the apostle and something an angel whispering in his ear. The altar image of St. Matthew, created by Caravaggio, can still be seen today in the chapel of the church of San Luigi dei Francesi. The artistic ensemble of three monumental canvases for a long time remained in the darkness of the basement of the chapel of Contarelli in complete oblivion, until he was "revived" from oblivion by Roberto Longa. The first show of these works took place in 1922 at an exhibition organized in Florence.
These sensational paintings brought Caravaggio unprecedented success. He immediately received a new order. Now the artist had to do work on a religious theme for another chapel, standing on the most beautiful square of Rome - Cherazi in the church of Santa Maria del Popolo. The chapel, located to the left of the altar, was bought by the Cherazi family for the family tomb.
It was 1601, Caravaggio finally had students, one of whom, Giovanni, even moved to his teacher, in the basement of the Palazzo del Monte. The artist, meanwhile, was completing the Assumption of Mary painting for the chapel of Cherubini in the church of Santa Maria della Scala in Trastevere, commissioned by the mendicant Carmelite monks with the direct mediation of Marquis Giustiniani.
The canvas "Assumption of Mary" was to become the largest in the altar of the chapel. The composition of the picture shows us the dying Mary. Her room is poor, the whole wretched environment consists of a towering bed, a chair and a washing vessel. The deathbed is covered by a large red curtain that hangs directly from the ceiling beam. Longy notes:“The picture tells us what the death of a woman from the common people looks like… The pain of everyone standing by the bed is impressive and receives unlimited power of influence thanks to a stream of light that fights shadows, falling from the left and illuminating the flickering flaming colors from the inside. The sorrow and shock of those present, expressively emphasized by the lighting, seem infinitely huge, inexhaustible. "
Not surprisingly, the Carmelite monks rejected the picture. It was not without rumors. Did the artist not invite a woman of easy virtue as a model for the main character? Caravaggio depicted the body of the deceased Maria in such a way that everything indicated a severe illness. Even the foreground image of a bowl of vinegar water, designed to wash the dead, was itself blasphemy and alerted the church. It should be recalled that a year earlier in Rome, Giordano Bruno, who rejected religious dogmatism, was burnt at the stake of the Inquisition.
The Assumption of Mary product did not find a buyer for a long time, until the Mantuan Duke of Vincenzo Gonzaga purchased it for his own collection on the advice of Rubens. Rubens was delighted with the courage and power of Caravaggio’s painting, his skill in transmitting light and shadow. The Assumption of Mary work, like most of the duke’s collection, was sold to Charles I in England in 1628. For some time after the death of the king, the painting belonged to a Paris banker, then it was acquired by Louis XIV.
Durante este período, Caravaggio again begins to meet with his friends from poor neighborhoods, and does not at all try to conclude a profitable contract with the church of Santa Maria del Popolo, which Valentine is very worried about. Sin embargo, the painter agrees to write a monumental painting for the wealthy banker Marquis Giustiniani - “Crowning with a crown of thorns”. The original version of the picture, which was long considered a copy, was identified only in 1974, it is in the Prato Art Gallery.
In addition to her, the master, for an incredibly short time, writes another large-sized work - “The Position in the Coffin”, which is now in the Vatican. In this work, his extraordinary vision of light and shadow and his talent for working with “revived” colors were surprisingly manifested. The painting was Caravaggio’s only work on a religious theme, without delay and positively received by customers from the church of Santa Maria in Vallicella, speaking on behalf of Monsignor Vitrici. Más tarde, Rubens made a copy of this work, slightly changing the composition.
Pronto, an important contract with the church of Santa Maria del Popolo for 400 scudos, with the direct assistance of Valentine, was concluded. This money allowed Caravaggio to pay off debts and gain some independence. Initially, according to the contract, the artist was supposed to write paired works of small format, executed on cypress boards, sin embargo, in the end, Caravaggio painted them on canvas with oil paints. The plots were proposed by Senor Cherazi:“The Crucifixion of the Apostle Peter” and “The Conversion of Saul”. Most likely, the painter enthusiastically fulfilled this order, which was classical in every respect.
Sin embargo, the clergy strongly rejected the first version of the paintings created by the artist, which gave rise to the creation of their second versions. The original version of the painting “The Crucifixion of the Apostle Peter” is in the Hermitage, in St. Petersburg, while the first version of the “Conversion of Saul” is lost. The second version of The Crucifixion was created with such utter realism and so convincing that the Carmelite monks accepted it with fear. Caravaggio portrays executioners who are trying to raise a large cross with the saints nailed to it. The artist painted the apostle Peter with a sitter, who posed for him for the painting "Rest on the Flight into Egypt" and paintings located in San Luigi Lei Francesi. The "Crucifixion of the Apostle Peter" was accepted by customers, although with some discontent.
The painting “The Appeal of Saul” was twice rejected by the monks before it was placed in the chapel of Cherazi. The fact was that such an interpretation of the biblical plot, as in the painting “Assumption of Mary, ” was an unthinkable provocation. It is enough to note that almost the entire space of the canvas is reserved for the image of the horse. One of the prelates of the church of Santa Maria del Popolo stubbornly disputed this artistic decision with Caravaggio himself. A church servant recorded this conversation for the story:“Why is the horse in the middle, and does the Apostle Saul lie on the ground?” - “So it is necessary!” - “Should this horse replace God?” - “No, but it stands in the light of God.”
Berneson notes that "… Caravaggio anticipates something from the sculptors of our time…". Roberto Longi believes that both canvases from the church of Santa Maria del Popolo are vivid proof of the artistic genius of the master. “Caravaggio’s experiments in the field of painting finally allowed him to apply the reduction of deep shadows, and this, por supuesto, increased the impact of his tragic and courageous realism… Caravaggio completely changes the traditional iconography. Perhaps this is the most revolutionary picture in the history of religious art, which helped to make an important turning point in the colossal spiritual development of society, ”he writes. Anthony Blunt is more concise, but argues that it was this painting by Caravaggio that inspired Georges de Latour to create the painting "St. Joseph the Carpenter."
Due to being late with the execution of the order, Caravaggio was fined 100 scudos. Works from Santa Maria, as well as paintings from San Luigi, were gradually forgotten. One of the reasons for this was the too high placement of paintings in the premises of the church. Both the "Conversion of Saul" and the "Crucifixion of the Apostle Peter" were located in partial shade under the ceiling, so that it was almost impossible to make out. Only in the 20th century did their rebirth take place.
The artist was very sensitive to criticism. Absorbed in indignation and resentment, he plunges headlong into a wild life. For months, Valentine had not heard anything about him. And Caravaggio wandered around the outskirts of Rome with a young groom named Benedetto and his friend Lionello Spada. Sin embargo, Valentine still managed to get on his trail. Having sought out the painter, he suggested that he create a series of paintings on famous mythological subjects. So the paintings “Narcissus” and “Cupid the Victor” (1603) were born.
The canvases put up for sale provoked extremely hostile criticism from art dealers, who considered them indecent. Perhaps the model for the figure of Amur, depicted by the painter as a very earthly, playful child, was the groom Benedicto. Armed with arrows, the little boy, unashamedly, taunts the symbols of love, Arte, power and power. The work has a meaningful inscription:Amor vinciti omnia ("Love conquers all"). Además, there were rumors that Amur the Conqueror was created as a parody of Michelangelo’s famous Victory statue in the Vecchio Palace in Florence. Others saw in it a hint of the image of St. Bartholomew from the fresco "The Last Judgment" of the Sistine Chapel. Por supuesto, Caravaggio laid bare the homosexual theme in the work of his great predecessor.
Spoiled reputation
The period from 1602 to 1606 was filled not only with creativity, but also with adventurous adventures, constant clashes with the servants of the law, and the payment of countless fines. Por ejemplo, a certain Girolamo Spampa painter wounded with a sword for offensive reviews of his works. A little later, he was accused of composing and publishing defamatory verses about the painter and his future biographer Ballon. This happened just when the artist finished the work of Ascension for the Roman Church del Gesu. Luego, for the composition of the sensational libelous libel (which was not forgiven in Rome), the painter was sent to Torre di Nona prison, even there managing to behave in a bad way. The statements of Caravaggio, replete with insolence, lies and slander, did not contribute in any way to the indulgence of the judges.
If it were not for the intercession of two, or even three cardinals and the Marquis Giustiniani, Caravaggio would inevitably have received a long prison term, given the many previous convictions. But the artist repented, promised not to commit any more unseemly acts, and even asked for forgiveness from Ballon, after which he was released. So he had the opportunity to finish the work "David with the Head of Goliath." In it, the artist freed himself from the influence of mannerism and gave a completely new interpretation of space and light. Three years later, Caravaggio wrote another version of this canvas. Soon he signed a contract for the creation of the monumental work "Madonna di Loreto", for the chapel of Cavaletti in the Roman church of Sant Agostino. The artist set to work, but this work did not bring him happiness. Despite the warningsCaravaggio invites him to pose for a prostitute from Piazza Navona named Helen.
The former notary public, Mariano Pascvalone, openly expressed his indignation at this fact. This or something else caused a strong conflict between the painter and the notary, which ended up with the bloodied Pascvalone appearing in the courtyard and explaining that he was beaten up by the artist Caravaggio in front of the palace of the Spanish ambassador. The scandalous and criminally punished incident forced Caravaggio to urgently leave Rome.
He travels to Genoa in 1604 and receives the patronage of the Duke Marzio Colonna, who was his protector since his studies in Milan. Allí, Caravaggio receives an offer from Prince Marcantonio Doria, who wished that the artist painted his residence in frescoes. But the painter refuses a lucrative contract. Now in the gallery of the Palazzo Bianchi is Caravaggio’s work “The Man” (Ecce Homo, 1606), cuales, perhaps, was written precisely at this artist’s visit to Genoa. Cierto, this is not proven.
Repentinamente, the notary Mariano Pascvalone withdraws his complaint against Caravaggio and the artist returns to Rome. There he ends the Madonna di Loreto. On this incredibly popular painting Virgin Mary is depicted “floating in the sky” inside the space of the altar. The artist decides to present her in a simple peasant guise at the moment when she meets two barefoot, dirty pilgrims with touching meekness and reverence. The face of the Madonna is filled with infinite modesty, and the Baby Jesus, whom she holds in her hands, looks at the elders with a mixed sense of curiosity and anxiety. The interpretation of the pilgrim images is especially impressive in the work.
La imagen, como siempre, caused a lot of controversy and endless discussions, during which the painter appeared both new fans and new irreconcilable enemies. The priests of the church of Sant Agostino could not decide to accept the work and, por lo tanto, pay for the contract of Caravaggio. A letter from one clergyman is preserved in the state archive of the city of Modena, where he describes the artist’s problems with justice and his trial in the judicial curia.
Soon a new incident occurred, cuales, por supuesto, only exacerbated the situation of the painter. At a fun meal in Albergo del Moro, the boy-waiter indiscreetly and casually served Caravaggio, and he threw a plate of artichokes into it. This led to a brawl and the troublemaker was arrested. The artist again appeared in the court yard, which he left only thanks to his patrons. Trying to somehow rehabilitate himself and justify himself, Caravaggio takes an order for two canvases:"St. Francis with a Skull" and "Writing Jerome", intended for the church of Capuchin monks.
Around the same period, the work “Christ in the Olive Grove”, destroyed in 1945 during the bombing of Berlin, dates back. We can only see copies of it now. During the same years, Longo dates “John the Baptist” from the Borghese Gallery and another version of the painting “Christ at Emmaus”, which is now in the Pinacoteca di Brera in Milan.
This period was the most fruitful for all the time Caravaggio was in Rome. In the second version of the painting “Christ at Emmaus”, the artist achieves supreme mastery in the compositional construction of the picture, in which the figures of five biblical characters fill almost the entire space of the canvas.
The patronage of the Duke of Colonna helped make Caravaggio’s orders increasingly numerous. Ahora, his creative genius could be fully revealed, and the award to the artist was not long in coming. Despite the painter’s notoriety, Cardinal Shipione Borghese’s nephew received permission from Pope Paul V himself to entrust Caravaggio with the execution of the image of the Madonna for St. Peter’s Basilica.
Absolutely all the Roman painters of that time dreamed of working in this largest cathedral in the world. According to the terms of the contract, it was necessary to decorate the most important altar of the Palafrenieri chapel, one of the most notable families of Italy, which included Pope Paul V. The commission of the cardinals from the church council specifically Caravaggio was an excellent opportunity for the artist to completely restore the damaged reputation and establish his position as one of the best painters of Rome, and all of Italy.
Pero, como siempre, Caravaggio’s obstinacy ruined everything. Despite the advice and warnings, the artist again invites street model Helen as a model. He fulfills the order unusually quickly - all work on the canvas was completed in just three days, after which it was presented to the public.
It was an indescribable collapse of all the ambitions and hopes of the painter. Never before had Caravaggio been able to advance so much in a realistic interpretation of the gospel story and the vitality of the images. As might be expected, most of the public considered the work monstrously vulgar. The Madonna Palafrenieri was categorically rejected by the clergy, and the doors that could open the artist the path to fame and fortune were closed forever. “We do not see anything in this picture except vulgarity, sacrilege, lack of divinity and beauty, ” wrote one of the secretaries of the Cardinals Council. Luego, like his rivals:cavalier Cesare d’Arpino, Pomerancho, Passignano and Giovanni Ballone and others, actively climbed to the top of fame - the Academy of Saint Luke herself, on the way being awarded the honor of receiving a knight’s cross, Caravaggio forever lost the opportunity to be recognized by high society and papal authority.
The painter again goes into all seriouss and soon again finds himself in Torre di Nona prison. Now we are talking about a more serious crime. One of the papal guards was found dead, watching the artist at night - someone broke his head with a stone. The painter tried to prove his innocence:he assured that the stone accidentally fell off the roof just at the moment when this man passed there. But the court rejected this version, and Caravaggio was imprisoned.
The artist was shackled and interrogated for a long time, he was even sentenced to beating with sticks. Perhaps this suffering Caravaggio then reflected on the canvas "Flagellation of Christ", which he will write later in Naples. Friends feared for his life and saw his salvation only in flight.
Caravaggio’s escape from prison was a success, but now he has been blacklisted by the papal police. Neither the artist himself, nor his friends, had any idea how to get rid of the persecution. But the most regrettable is the fact that the artist did not want to learn from his mistakes.
In the harbor of Ripetta on the banks of the Tiber River, Caravaggio again resumed his adventures and fights, periodically hiding in the Palazzo Colonna. May 29, 1606, during a ball game on the Field of Mars, the artist accused Ranuccio Tomassoni of deceiving his partner. This led to a fight. Weapons were launched, como resultado, Tomassoni fell dead. The painter was also wounded, but managed to escape.
After this scandal, his friends were detained, and he himself was sentenced to death. En ese tiempo, such a sentence meant that every law enforcement officer, anywhere and anytime, upon detection of a fugitive, could execute the sentence.
Caravaggio cried out for help to his patrons, but they were already tired of the endless requests of the artist, who did not want to behave prudently. Weak and sick, the painter had to hide again. He wanted to take refuge in the lands of the Column or in Lacy located outside the Roman limits.
At the age of 35, the painter enters the last period of his life. Rome never promised him wealth, sin embargo, but provided him with the means of subsistence sufficient for the development of his genius. Caravaggio never returned to the Eternal City. Although every minute he hoped for a return, hiding in a secret shelter. The fugitive, poisoned by illness, hatred and the threat of death, begins to write his masterpieces at an incredible, “inhuman” pace. His latest works are filled with passion, grandeur and strength.
Balancing on the brink
Having fled from Rome in May 1606, Caravaggio, who had the glory of one of the best painters of the Eternal City, did not expect pardon, so he preferred to move away from the papal detectives. Without hesitation, he headed to Naples - a large, densely populated city, literally glowing with new ideas, artistic movements and revolutionary spirit.
Here, the artist almost immediately receives an order from a wealthy Ragus merchant. Caravaggio creates a large altar image “Madonna with the rosary” for the altar of the Dominican church, which has a second name - “Madonna del Rosario”. This canvas marked the beginning of a new stage in his work.
The finished work caused a conflict between the artist and the Dominican monks, who recognized themselves in the characters depicted on the canvas. This contradicted the traditional concept of religious painting. The painter uses sharp contrasts of chiaroscuro for emphasized volumetric, very material transmission of forms, while the pictorial techniques themselves indicate the artist’s return to his early style of writing.
Como resultado, the painting was bought by the painter Louis Finsonius from Bruges. He sent her to Antwerp, where the art association, which included Rubens, Van Balen and Jan Brueghel, acquired it for the Dominican Cathedral for 1800 guilders. In 1781, Joseph II, king of Austria-Hungary, bought it from the monks, having come in complete admiration.
The new order, soon received by Caravaggio, was also not appreciated by the customer. This time, the artist was supposed to write a canvas for the church of Pio Monte della Misericordia. The customer was the head of the city curia. The painter was instructed to create the monumental trans-altar image “Seven Works of Mercy”.
The master decides to combine seven episodes described in the Gospel of Matthew in one canvas. The painting, like the Madonna del Rosario, is distinguished by a Neapolitan style, which was especially pronounced in the character of the characters and the composition. Rich and poor, plebeians and nobles are united in one night scene. A simple woman from the people at the door of the prison breastfeeds the old man:“for I was hungry, and you gave me something to eat” (“Gospel of Matthew”). Nearby, a thin gentleman takes a sword to cut off a piece of cloth from his cloak and cover him with a beggar. The owner of an overnight stay gives a thirsty person a drink, and the latter, like Samson, uses a donkey’s jaw instead of a bowl. Another character in the picture meets the emaciated wanderer and sacrifices his traveling clothing to him. And the last act of mercy captured by Caravaggio is the burial of the deceased.The deceased is carried out from around the corner of the house, a wall hides part of his body.
Opinions of both contemporaries of the artist and critics of our century differ. Someone considers the picture grotesque, someone sees in it the “last flash” of the genius of Caravaggio. But one thing is obvious, this is an unusually highly artistic, masterful work, which had an undeniable influence on Rembrandt, Velazquez and Franz Hals. Ribera directly borrowed from Caravaggio the figures of the wanderer and the host of the inn, for his painting “Five Senses”.
For an eight-month stay in Naples, the artist created two versions of the painting “The Flagellation of Christ”, which became the artistic embodiment of the torture experienced by Caravaggio in Rome. Mina Gregory writes of the first version:"Darkness emphasizes the inner strength of Christ." The scientist Roberto Longi considers this work one of the most amazing in Caravaggio:"Cruelty, ruthlessness, atrocities and infinite fear of God are in conflict with each other."
On both versions of the picture we see the same faces of the tormentors, which suggests the personal vengeance of the artist to the guards of the prison in which he was imprisoned. For several months, the persecuted criminal Caravaggio became the most fruitfully working and famous artist of Naples. Sin embargo, he suddenly leaves the city and heads for Malta.
The reasons for this are unknown. Perhaps Caravaggio found out about papal spies, or maybe decided to become an honorary knight of the Order of Malta. In July 1607, the artist sailed on a ship to La Valletta, the capital of the Knights of St. John of Jerusalem, the noble defenders of the Christian faith from Maghreb pirates and Islam. The Maltese period of Caravaggio’s work was remarkable for its unprecedented fertility. The painter spent less than six months on the island, but all this time, he wrote at an incredible pace, creating a number of works on genre and religious themes. The paintings of this period were very different from everything created by Caravaggio earlier. So much so that for a long time, these canvases were attributed to other authors.
As soon as he arrived in Malta, the artist received an offer to write Jerome for one of the chapels of the Cathedral of San Giovanni dei Cavalieri. The work was incredibly liked by the great master of the order - Alofude Vinyakur. He immediately offers Caravaggio to create the monumental painting “The Beheading of the Head of John the Baptist”.
The canvas "The Beheading of the Head of John the Baptist" has received widespread recognition. Artists from all over Europe specially came to see him. The picture is dominated by light and empty space, the viewer almost physically feels the last convulsions of the body of a decapitated martyr, spread out on the floor with his hands chained behind his back. The executioner seemed to have just raised his sword. Salome holds the cup to receive the head of John. An old woman resembling Magda from Caravaggio’s work “Christ at Emmaus” clutched her head in utter despair. Two prisoners are watching through what is happening in their cell. Pietro Ambrodzhiani writes:"The idea itself is born that the artist conveyed his personal memories in this picture." On the original frame of the work is the coat of arms of Alof de Vignacour.
The painting “The Beheading of the Head of John the Baptist” was the only work signed by Caravaggio. The artist’s autograph can be seen in the bloody trail from the head of the martyr. Perhaps this painter equates himself to the victim. The letter “F” in front of his name means “fra” (“brother”), which means that Caravaggio was already included in the Order of Malta at the end of the painting.
The Grand Master instructs Caravaggio to paint his portrait. The artist willingly began work on "Portrait of Alof de Vignacour". But the painter’s restless disposition did not give him rest. He could not resist making a note of sarcasm, scandal and life itself in a solemn and pathos canvas.
Next to the terrifying look of a knight in archaic armament, Caravaggio portrays a beautiful page carrying a train of his master. The work, revolutionary in terms of its influence, really shocked the church environment. The image of a knight vowing celibacy and his attractive page with a provocative look was incredibly famous.
From this picture he made drawings in his Delacroix albums. Manet also turned to this work while working on the painting “The Child with the Ball” (Metropolitan Museum of Art, Nueva York). Louis XIV bought the “Portrait of Alof de Vignacour” in 1670 for 14, 000 livres. Por supuesto, the picture became the occasion for another scandal.
Al mismo tiempo, Caravaggio creates his “Sleeping Cupid”, the artistic image of which resembles a child in the “Madonna Palafrenieri”, but this time it is written more modestly:the penumbra hides its floor. These two works again brought to the painter the wrath of those in power. Pronto, the convert “Honorary Knight” was captured, beaten and imprisoned by Sant’Angelo.
The indictment has not been preserved in the archives of the order, but there is other evidence that the "brother of Michelangelo" was convicted in an attempt to seduce the young son of the minister or inspector of the order. The fact that the sentence disappeared may indicate that the clergy tried to hide it. Righteous knights were overcome by anger. In a different version, the artist became a victim of a conspiracy of the brothers of the order, outraged by his “inappropriate” work “Sleeping Cupid”. All this taken together was the reason for the exclusion of the painter from the order “as a spoiled and dishonoring brother”.
Caravaggio managed to escape from prison and move to the island of Sicily. For some time, the painter remained in Syracuse, where he created the painting "Burial of Saint Lucia" for the local church. This was his first order in Sicily.
And here, Caravaggio’s artistic
