Claude Monet (1840-1926)
El 14 de noviembre 1840 en París, un hijo llamado Oscar Claude Monet nació en la familia del dueño de la tienda de comestibles. Solo cinco años después, toda la familia del futuro artista se mudó a Normandía, a Le Havre. A partir de los 14 años Monet comenzó a ganar dinero y fama dibujando caricaturas.
Cuadros de Claude Monet
Aquí, en Le Havre, un joven conoció a un paisajista y al original Eugene Boudin, que trabajó de una manera muy extraña para esa época:creó sus pinturas no en el estudio, pero directamente al aire libre.
Monet se dio cuenta rápidamente de las ventajas del método Boudin:la inmediatez y la vivacidad de la transferencia de la naturaleza sobre el lienzo. Desde entonces, es decir, desde aproximadamente 1856, el artista también comenzó a escribir al aire libre. Incluso entonces, Claude Monet decidió por sí mismo que dedicaría su vida a la pintura, a pesar de que su padre tenía su propia opinión al respecto.
Habiendo decidido su misión, Monet se mudó a París, donde en 1859 ingresó en la Academia Suiza. Allí conoce al realista Gustave Courbet, el gran romántico Eugene Delacroix y la impresionista Camille Pissarro. Cierto, después de solo un año de entrenamiento, el artista fue enviado a Argelia para el servicio militar, pero regresó a Le Havre antes de lo previsto por motivos de salud, y desde allí se mudó de inmediato a París.
Experimentos creativos y pasión por los efectos de iluminación.
Destino para Monet fue la entrada en el estudio del entonces famoso pintor Charles Gdeir, en 1862. Fue allí donde conoció a sus futuros amigos:Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frederic Bazil, con quien iniciaría el movimiento impresionista. La búsqueda de nuevas formas en el arte se ha convertido en el objetivo y el principal entretenimiento de toda la empresa.
Tres años despues, Monet escribió la pintura "Desayuno en la hierba", cuya inspiración fue la escandalosa obra de Edouard Manet bajo el mismo nombre. Sin embargo, Monet no iba a sorprender al público con la imagen de personajes desnudos reales, como hizo Manet. El joven artista solo buscaba su estilo. Ya en este momento, comenzó a descuidar la línea y modeló todas las formas utilizando manchas de color. El pintor, todavía en Normandía adicto a la escritura en la naturaleza, estaba más interesado en los efectos de la luz natural. El trabajo en el borde del bosque le dio al joven artista la oportunidad de observar cómo los rayos del sol atraviesan el follaje y caen sobre varias superficies. cuyo color cambia inmediatamente, gracias a estos reflejos y deslumbramientos del follaje.
Monet usó a su amante Camille Donsier como modelo para personajes femeninos en el trabajo, y los personajes masculinos de la imagen fueron escritos por Frederic Bazil. Esta compañía, que se prepara para el desayuno en el regazo de la naturaleza, solo está ocupado con su conversación y no tiene contacto con el espectador. El artista aparece aquí, como un observador inadvertido, caballeros y damas no posan para él. Solo podemos admirar los pliegues de los vestidos de damas, nos dieron la espalda. El rostro de un joven sentado ubicado en la esquina inferior derecha de la imagen también está alejado del espectador. Monet sigue sus propias leyes, no estructura claramente la composición, como una puesta en escena teatral. Romper la tradición de que la imagen en primer plano de un personaje de espaldas al espectador era simplemente imposible, el artista crea su propia estética relajada, libre de prejuicios. Desafortunadamente, la imagen no se conservó en su totalidad, pero sus bocetos despertaron gran interés en muchos artistas jóvenes. En el Museo del Nombre A.S. de Moscú Pushkin es una de las opciones de trabajo, creado en 1886.
Otro ejemplo de la desviación de la pintura clásica es el cuadro "Damas en el jardín" (1866, Museo de Orsay, París), cuyo diseño, con el corte de vestidos de mujer, No permitiría que me pintaran de ninguna manera académica. Y Monet no tuvo miedo de recortar libremente la imagen, dando la impresión de fragmentación, similar al efecto de una fotografía.
En el lienzo vemos una típica escena de género, cuyo centro semántico se desplaza hacia el borde izquierdo. La desviación de la tradición aquí se expresa en el hecho de que las damas que descansan a la sombra de los árboles se convierten en parte integral del paisaje floreciente, sirviendo como su decoración, como hermosas flores. Las figuras femeninas parecen fundirse con el paisaje, sus vestidos se adaptan al fondo de las sombras proyectadas por los troncos de los árboles.
A la pintora no le interesa tanto transmitir la individualidad de las mujeres jóvenes, sus atuendos o actividades, sino transmitiendo el juego de luces y armonía en la relación entre la naturaleza y el hombre. Puede juzgar lo insignificantes que eran para el artista las propias damas por el hecho obvio de que las cuatro jóvenes fueron escritas a partir del mismo modelo:la propia Camilla. El artista trató de velar esto mostrándonos el rostro de una sola dama sentada en la hierba. La figura de la izquierda se muestra de perfil, la dama a su lado se cubre la cara con un ramo, y la cuarta heroína, que se acerca a los arbustos en flor, está completamente alejado del espectador.
En el mismo año, Se pintó una de las pinturas más famosas de Claude Monet de la década de 1860:"Una mujer con un vestido verde" (1866, Kunsthayle, Bremen, Alemania). En el lienzo volvemos a ver a Camilla Donsier. El pintor trabaja de manera realista, usa un fondo oscuro, en el que el rostro de una joven, bañado por el sol, se destaca brillantemente.
El marcado contraste de las áreas iluminadas y sombreadas se asemeja al claroscuro de Caravaggio. La imagen lírica y a la vez muy íntima, no está destinado a una visión general:el maestro despliega a Camila de espaldas casi al observador, la propia modelo no busca poses espectaculares, dejándonos sólo la oportunidad de examinar el dobladillo de su vestido y el abrigo de piel que lo cubría. La obra fue recibida positivamente tanto por la crítica como por los espectadores, que le dio fama al joven Monet.
Un año después, Monet pintó un cuadro con un tema muy similar. Uno tiene la impresión de que una mujer con una túnica blanca clara en el cuadro "La dama en el jardín" (1867, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) es necesaria para la artista solo como pretexto para materializar la animación de la naturaleza con el fin de darle un estado habitable. La dama nuevamente casi le dio la espalda al espectador, y al artista solo le interesa la belleza del paisaje del mediodía con sus colores brillantes y largas sombras.
El centro de la composición es un macizo de flores redondo con flores rojas, sobre el que se encuentra un árbol. La mujer representada OMS, En teoria, es el centro semántico de la obra, se coloca junto al borde mismo de la imagen. La dama sirve como el punto más a la izquierda desde donde comienza la diagonal compositiva de la obra, apoyado además por un árbol en el macizo de flores y otro árbol representado a la derecha. El ritmo de la composición lo marcan las verticales de la figura femenina y ambos árboles, así como las estrechas sombras que proyectan sobre el verde de la hierba.
En 1867, Camille Donsier, dio a luz al hijo del artista Jean, y poco después se convirtió en su esposa. En el mismo año, se pintó el cuadro “Jean Monet en la cuna” (colección privada). Aquí, a diferencia de muchas pinturas del autor, el centro de la composición está claramente marcado; es una cuna decorada con un dosel que cuelga sobre la cabecera de la cama. Vemos a una madre cerca de la cuna; esto hace que la imagen parezca escenas de género populares en la pintura holandesa. Sin embargo, El hombro derecho y la espalda de Camilla están cortados por el borde de la imagen, indicando el significado de otro personaje de la obra:un hijo cubierto con una manta.
El género de la naturaleza muerta no era el favorito de Monet, pero, sin embargo, se dirigía a él de vez en cuando. La pintura "Naturaleza muerta con frutas y uvas" (1867, colección privada) se distingue por un estilo de escritura más suave que las obras de paisaje del maestro. Un fondo oscuro opaco es bastante raro en los lienzos de Monet, pero en eso, maduro, incluso las frutas ligeramente maduras se ven especialmente animadas y creíbles. En este trabajo, el artista, como siempre, está más interesado en la naturaleza y los efectos de la luz.
Pero las flores el artista que los amó apasionadamente, Prefería pintar en la naturaleza. La imagen de flores cortadas fue una rara excepción, un ejemplo de ello es el cuadro "Flores y frutos" (1869, Museo Paul Getty, Los Angeles, California). Aquí, el maestro usó inicialmente un fondo oscuro, pero posteriormente lo abandonó. Habiendo construido una naturaleza muerta, Monet corta fácilmente la mitad de una canasta de mimbre, frutas en la mesa y pétalos de girasol, que también viola todos los cánones de la pintura académica, cuya vocación siempre fue considerada la imagen del objeto desde su mejor cara.
Al comienzo de su carrera, Claude Monet sufrió graves dificultades financieras, lo que casi lo lleva al suicidio. En la década de 1860, la precaria situación económica del artista le obligó a desplazarse constantemente de un lugar a otro. A partir de 1869, Monet se instaló en el suburbio parisino de Bougival. Auguste Renoir venía a menudo a él aquí, juntos trabajaron mucho en la naturaleza, capturando las mismas miradas y desarrollando su propia técnica pictórica.
Los amigos miraron la faz de la naturaleza, notaron incluso cambios menores en la iluminación y el movimiento del aire que más les interesaron. El deseo de captar los estados instantáneos de una naturaleza siempre cambiante, viviendo según sus propias leyes, artistas jóvenes unidos. Observaron atentamente cómo se transformaban los mismos paisajes según la hora del día, condiciones atmosféricas y la naturaleza de la iluminación:las sombras se alargan y espesan, el resplandor del sol juega con las hojas y el agua, y se forman ondas en la tranquila superficie del río.
En 1869, los artistas pintaron sus famosas pinturas del mismo nombre con vistas al café en el Sena cerca de Bougival y la piscina cerca de él. Las pinturas se llamaron "La rana" (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). En su versión de la obra, Monet desarrolló una técnica de escritura individual, una nueva forma de aplicar trazos, lo que permite trasladar rápidamente al lienzo las sensaciones de lo que vio, que los críticos consideraron extremadamente negligente. En efecto, desde el punto de vista del pintor de salón, el lienzo da la impresión de un inacabado, boceto ejecutado con fluidez, en el que los objetos solo están marcados, y bastante groseramente. No hay una característica de idealización del arte académico. Pero Monet evitó esto completamente conscientemente. El artista siempre escribía lo que veía en ese momento, tratando de "atrapar" la realidad congelada que se congeló por un instante, y para tal tarea necesitaba un equipo rápido.
Como la mayoría de impresionistas, Monet escribió en color puro, sin recurrir a mezclar colores en una paleta. Evitó las tonalidades y los medios tonos adoptados en la pintura tradicional. En lugar de, el artista aplicó densamente trazos de ciertos colores en el lienzo, y en combinación, dieron diferentes matices a la percepción del ojo humano. La idea de tal pintura se basó en los descubrimientos del físico francés Eugene Chevreul en el campo de la óptica. En particular, se encontró que el color de los objetos no es un hecho objetivo determinado, sino que depende de la luz cuyos rayos se reflejan en ellos. Esto sirvió como una justificación para el rechazo total por parte de los impresionistas del negro y su creación de luces y sombras “coloreadas” en las superficies claras de sus lienzos.
La pintura "Terraza de San Andrés" (1867, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) se distingue por la ausencia de una construcción prometedora de un espacio común para el arte europeo. Debido a esto, parece que el mar se cierne sobre una terraza soleada. La idea de intentar renunciar a la perspectiva de Monet fue presentada por la pintura tradicional japonesa que se popularizó en Europa. En el primer plano de la imagen hay una terraza florida, en el que damas y caballeros se esconden del caluroso sol de verano bajo un toldo o sombrillas paseando o simplemente relajándose, sentado en sillas de mimbre.
Las flores brillantes aparecerán repetidamente en los lienzos de Monet, convirtiéndose, en el final, un motivo independiente en su obra posterior. Al fondo está el mar, Numerosos veleros sobre los que destacan el horizonte. El velero que se muestra cerca de la terraza sirve como una guía importante para los ojos. Sin ello, el primer y segundo planos de la imagen se verían demasiado fragmentados, lo que conduciría a la desintegración de la composición en dos partes independientes y no relacionadas. Pilares verticales claros, discutiendo con la construcción horizontal de la composición, parece un poco extranjero. Pero esto es solo una impresión superficial, De hecho, son ellos quienes “recogen” todo el trabajo, centrando la atención del espectador en su parte central.
Con el inicio de la guerra franco-prusiana en 1870, Monet fue a Londres donde se casó con Camille ese mismo año. En Londres, el artista continúa reuniéndose con amigos y personas de ideas afines y escribe puntos de vista urbanos con Camille Pissarro.
Personalidad de estilo
Dos años después, el artista crea su famosa obra “Impresión. Amanecer ”(1872, Museo Marmottan-Monet, París). En eso, el pintor no trató de reproducir la realidad, no traté de imitar la naturaleza, pero solo transmitió su impresión personal de su belleza.
Las figuras de personas en la imagen nuevamente apenas se perfilan, que era inusual para el espectador, acostumbrado al estilo académico de escritura. Pero la relación colorista del agua radiante pura y el amanecer, que se manifiesta en reflejos brillantes en la superficie del mar, se transmite maravillosamente.
El artista presentó esta obra en la primera exposición impresionista, celebrada en 1874. Luego, Monet y sus camaradas todavía se llamaban a sí mismos "Sociedad Anónima de Artistas, Pintores y grabadores ". La pintura recibió críticas muy negativas de críticos y espectadores, y su nombre (“Impresión”) dio lugar a una definición irónica en el momento de la nueva dirección de la pintura:el impresionismo. La exposición ganó fama solo por su estrepitoso fracaso.
Volveremos en 1872, cuando Monet y su familia se mudaron al pueblo de Argenteuil, cerca de Paris. Los amigos vinieron a él aquí de nuevo:Sisley, Eduard Manet y Renoir. Las pinturas del artista aún no estaban a la venta, pero la herencia heredada de su padre pudo aumentar ligeramente el bienestar material de su familia. Aquí, en Argenteuil, Monet creó un "taller flotante" para sí mismo. Viajó en un barco por el Sena, capturando libremente las vistas que le gustaban y continuando estudiando los efectos de la iluminación a través de los reflejos de la luz solar en el agua.
En 1873, Monet crea el cuadro "Campo de amapolas en Argenteuil" (Museo de Orsay, París), que representa a Camille y al pequeño Jean Monet ahogándose en la hierba del campo. La construcción diagonal de la composición crea una sensación de movimiento. En primer plano y en segundo plano hay dos parejas formadas por una madre y un niño, que se encuentran en la diagonal, apoyado por un camino apenas perceptible, subrayada sólo por una franja de amapolas. Ambos pares están escritos a partir de los mismos modelos. El trabajo demuestra perfectamente la hábil composición de la composición utilizando el color.
En el mismo año, el cuadro "Kaputsin Boulevard" (1873, Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, Moscú) también fue pintado, en el que se siente claramente la influencia del arte de la fotografía. La imagen, transmitiendo un instante de la vida lleno de transeúntes y tripulaciones del bulevar de la ciudad, parece una instantánea. Las personas en él juegan solo un papel secundario, y el principal se asigna al ambiente del artista contemporáneo de la ciudad.
La evidente influencia de la fotografía se nota en la construcción compositiva del cuadro “Calle Saint-Denis en el Día Nacional” (1878, Museo de Arte, Rouen). El ritmo de la composición está marcado por trazos azul-blanco-rojo de muchas banderas nacionales, exhibido, como bayonetas, desde balcones y aberturas de ventanas de casas. La obra, como una foto de reportaje, capturó la vida de la ciudad durante las vacaciones.
Es más, al pintor no le interesa en absoluto celebrar a la gente. A diferencia de Delacroix y su obra Freedom on the Barricades, Monet no retrató al grupo en un escenario espectacular. El artista necesitaba la ciudad misma, su rostro y su atmósfera reina en unas vacaciones. Las calles están habitadas solo por figuras del personal, siluetas oscuras esbozadas por muros de piedra.
Pero los modelos más queridos por el artista siguieron siendo su adorada esposa e hijo pequeño. Pinceles Monet posee una obra maravillosa "Camille Monet con su hijo Jean" (nombre alternativo "Dama con un paraguas", 1875, Galería Nacional de Arte, Washington). A pesar de las poses estáticas de los héroes, la imagen está llena de movimiento:las nubes se extienden por el cielo, y un vestido ligero y un velo en un sombrero de mujer joven se desarrollan con el viento.
Un ejemplo sorprendente de la influencia del arte oriental en la obra del artista es su pintura de fama mundial "Chica japonesa" (1876, Museo de Bellas Artes, Bostón). En eso, Camilla vestido con un kimono rojo brillante, se encuentra contra una pared gris decorada con abanicos de papel japoneses. El trabajo es sumamente decorativo, el atuendo tradicional japonés oculta completamente la forma del cuerpo de una mujer, y la composición carece por completo de profundidad y se acerca a un dibujo plano. Como siempre, Monet evita los contornos claros de los objetos:la figura de su esposa, un japonés, representado en la tela de un kimono y un abanico en la pared detrás de la espalda de la mujer, están escritos más en color que en una línea, lo que crea una impresión adicional de planitud del trabajo. Un punto interesante en la solución compositiva es que las figuras de los japoneses en el kimono y la heroína de la imagen se despliegan en direcciones exactamente opuestas, equilibrándose entre sí.
El lugar más importante para el artista contemporáneo de París fue la estación Saint-Lazare. El maestro le dedicó varios cuadros, escrito en 1877. La estación creó el destino de la gente, conectando la capital de Francia con otras ciudades e incluso países. La vida siempre estaba en pleno apogeo aquí:los pasajeros llegaban y se marchaban, zumbaban las locomotoras, los trenes iban ganando velocidad y se alejaban.
Era esta atmósfera apasionante de la nueva vida industrial la que el artista buscaba plasmar en sus lienzos. “Estación Saint-Lazare. Llegada del tren ”(1877, Museo de Arte Fogg, Harvard) refleja a la perfección la vida cotidiana de la emisora. La obra utiliza pintura casi monocromática, el ángulo inusual seleccionado, Transmite perfectamente las características de la solución de la bóveda arquitectónica de la estación.
Pronto, dos de los hechos más importantes para el artista tuvieron lugar en su familia:en 1878, su amada esposa dio a luz a su segundo hijo, Michel, después de lo cual la propia Camila se enfermó gravemente. Monet está experimentando nuevamente serias dificultades financieras. Ni el público ni la crítica han "madurado" todavía para la percepción correcta de su estilo en el arte. El pintor se vio obligado a dejar Argenteuil y establecerse en Vetej, donde su vecino era el empresario Ernest Goshede y su esposa Alice, quien más tarde estaba destinada a convertirse en la segunda esposa del pintor.
El artista transmitió sus impresiones de la mudanza en el cuadro "El camino a Vethey en invierno" (1879, el museo de arte, Gotemburgo), donde representó un típico paisaje invernal en Francia:un camino de tierra cubierto de nieve, colinas con suelo marrón pardusco que se ve a través de la nieve suelta y la hierba verde congelada, una iglesia, casas de dos pisos construidas en las suaves pendientes de los cerros a ambos lados de la carretera. Solo las figuras de los dos viajeros animan un poco el paisaje.
La pintura "A orillas del Sena cerca de Vetheya" (1880, Galería Nacional, Washington), pintado en el verano del próximo año, es simple y lírico. Todo el primer plano de la imagen está ocupado por pastos de pradera en flor, detrás del cual se puede ver la superficie del espejo del río. El artista transmitió magistralmente el cielo reflejado en el río con nubes flotando sobre él y los árboles en la orilla opuesta. Los arbustos costeros y los árboles que crecen por separado en el fondo de la imagen están como envueltos en una bruma gris azulada de nubes grises que los sombrean.
El paisaje inusualmente brillante y soleado en el lienzo "Manzanos florecientes" (1879, Museo de Bellas Artes, Budapest) impresiona con la transmisión de luz del taller:el paisaje representado parece bañarse en la luz del sol que inunda todo el espacio circundante.
La composición de la imagen es de nuevo muy simple, en primer plano hay árboles florecientes del huerto de manzanas y hierba debajo de ellos, en el segundo vemos casas con techos rojos medio escondidos detrás de las ramas de los árboles, y el fondo está ocupado por una colina ascendente. Algunos manzanos, empujado cerca del borde inferior de la obra, sirven como las escenas del lado derecho y la única vertical en la composición horizontal, como si "recogiera" todo el trabajo.
En el mismo 1879, a la edad de solo treinta y dos años, La amada esposa de Monet murió de una grave enfermedad. Un artista afligido, pinta su retrato de Camille en su lecho de muerte, en el que retrató a su esposa a su manera, enfatizando con color cómo su rostro pierde sus colores vitales.
Éxito largamente esperado
Paradójicamente, es en este año de duelo en su vida personal cuando el éxito profesional llega al artista. Aparecieron comentarios positivos y comentarios en la prensa de París sobre la exposición de sus obras, que de inmediato comenzó a venderse. Esto mejoró la situación financiera del pintor.
En 1883, alquilará una casa pequeña pero muy acogedora en Giverny, cerca de París, junto al cual se instala un magnífico jardín, verificado como una pintura, teniendo en cuenta el color individual y el tiempo de floración de cada planta. Más tarde, Monet compra territorio adicional cerca de la casa para crear otro jardín impresionante en él, en el que había un estanque con nenúfares y un puente japonés con caminos sinuosos que conducían a él. Este lugar será objeto de sus pinturas hasta su muerte, junto con la idea de crear muchas series separadas de obras en las que el artista plasmó sus muchos años de estudio de las posibilidades visuales del color en la transmisión de diversas luces. En estos ciclos de trabajo, el pintor describió claramente cómo cambia el mismo motivo dependiendo de cómo esté iluminado. Necesito decir todas las series tuvieron un gran éxito entre el público.
Una vista rural sin pretensiones en el cuadro "Pajar en Giverny" (1886, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) se ha convertido en uno de los motivos favoritos del artista. El paisaje, cuyo centro compositivo era un pajar en primer plano, se complementa con casas y árboles visibles en los campos lejanos.
En 1888, Monet creará una serie de 25 obras dedicadas a esta especie. Es más, el paisaje circundante en los lienzos se volverá cada vez más arbitrario, la división en planos composicionales prácticamente desaparecerá, y el pajar adquirirá un papel independiente, como si concentrara en sí mismo tal centro conceptual del ser. El papel principal en todas las pinturas se le da al color, que busca transmitir todo el espectro de luz variable. Durante el día, el artista trabajó en varios lienzos que transmiten diferentes condiciones de iluminación:mañana, tarde y noche:esta fue la originalidad del método del pintor, que sentó las bases de otra serie:"Álamos". Simetría de espejo, según el principio de que la composición de la obra “Álamos en Ept” (1891, la Galería Nacional de Escocia, Edimburgo) se construye presenta dos realidades para el espectador:un verdadero álamo en las orillas del río y su reflejo en la superficie del espejo del agua, solo ligeramente ondulado por ondas. El río incorpora por completo todos los colores con los que se llenan los árboles, el cielo con nubes rosadas flotando sobre él. La trepidación de la superficie del agua se ve acentuada por la naturaleza de los trazos del pintor.
El ciclo más grande dedicado a la catedral de Rouen fue iniciado por Claude Monet en 1892. Durante dos años, el artista completó 50 pinturas, que representaba consistentemente la fachada gótica de la catedral en diferentes momentos del día:desde temprano en la mañana hasta tarde en la noche. La luz del sol crea impresionantes metamorfosis no solo con el color de la catedral, pero también con su esencia de piedra. El muro que se ha mantenido durante varios siglos, gracias a la luz que lo inunda y a la arquitectura gótica del calado, parece casi ingrávido y milagroso. Los rayos del sol parecen disolver el poder de piedra de la catedral, penetrando en ella con diferentes intensidades.
Gracias al dominio del pincel de Monet, la catedral parece dejar de ser una sustancia material y se vuelve aireada y efímera. Es como si dejara de ser una creación terrenal y se fusionara con el cielo. ¿Fue este el efecto de los arquitectos de la lejana Edad Media, levantando el cordón de piedra de los muros de la iglesia al cielo? Quizás Monet penetró en el corazón mismo de la idea conceptual del arte gótico. El ciclo "Catedral de Rouen" fue exhibido por el artista en 1895 y tuvo mucho éxito.
Simultáneamente con el inicio del trabajo en el ciclo, Claude Monet se casará con Alice Goshed. El pintor empieza a viajar mucho, trabaja en italia, las catedrales góticas que encuentra increíblemente impresionistas, Normandía, Suiza y Holanda.
En Normandía, el maestro dio a luz a magníficos paisajes marinos, como el cuadro Mannport (1883, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), como glorificando la grandeza del elemento agua. También, el artista a menudo trabajaba en la imagen de rocas pintorescas cerca de la ciudad de Egret, que fueron el principal atractivo de esta zona, por su forma única creada por el capricho de las olas.
Mannport es quizás el arco de roca más famoso. Para transmitir la escala de la formación rocosa, el pintor esboza rápidamente con algunos trazos un par de figuras bajo los arcos de un arco de piedra, la mayor parte de los cuales, sobresaliendo poderosamente del borde izquierdo de la imagen, está literalmente listo para aplastarlos. La composición de la obra contribuye a la creación de tal impresión:el artista enfatiza el efecto del infinito de la superficie de la piedra en el sentido de que toda la roca no encaja en el marco de la imagen.
Un derroche de color y sin sentido
La capacidad expresiva del color, a lo largo de la carrera del artista, fue el principal medio de su lenguaje artístico. Claude Monet se mantuvo fiel a sí mismo hasta el final, sin desviarse nunca del camino elegido y solo mejorando y perfeccionando la expresividad de las técnicas de su estilo individual. La única diferencia en el período tardío de su trabajo fue el ansia de inutilidad, difuminando el concepto de una trama y una forma específicas. El artista no consideró que una de sus mejores creaciones fuera una pintura en absoluto, pero el jardín que creó en la casa de Giverny, donde recogió y plantó numerosos tipos y variedades de flores para que el jardín floreciera constantemente, deleitando la mirada del pintor con una variedad de matices. El magnífico jardín, De hecho, también una obra de arte, se ha convertido en un objeto favorito de la pintura del maestro, encontrando sus innumerables reflejos en el lienzo.
El lienzo "Jardín de lirios en Giverny" (1899, Yale University Art Gallery) nos muestra nuevamente una composición muy simple. Un lienzo de formato cuadrado representa un camino que se adentra en las profundidades del jardín, medio escondido por arbustos de lirios cubiertos de maleza, y por encima de él se pueden ver troncos de árboles de jardín que crean una perspectiva a largo plazo.
El artista pone en el lienzo como exultante, puro, colores brillantes, transmitir al espectador su sentido de felicidad y plenitud de vida, nace del contacto con la naturaleza. Las hermosas y delicadas flores de iris en primer plano parecen mirarnos a los ojos. La diestra mano del maestro parece inspirarles alma, y la belleza de la naturaleza circundante se convierte en el mayor milagro, la personificación de la corona de las creaciones divinas. Es esta actitud hacia la naturaleza, que es objeto de pintura suficiente en la obra de Claude Monet, distingue al artista de los adeptos del estilo académico, en el que solo el hombre ha sido siempre la “corona de la creación”.
Una de las series más famosas de Monet, "Nenúfares", se lanzó en 1899. En las obras del ciclo, el pintor representa lirios de agua (nenufaras) flotando en el estanque de su jardín en Giverny. El propio artista cultivó estas delicadas flores en su estanque y las admiró durante mucho tiempo. disfrutando del resplandor del sol sobre frágiles pétalos y el reflejo de las nubes en el agua. Parece increíble pero los nenúfares poseyeron el corazón de un artista talentoso hasta su muerte, unos veinte años. La serialidad del trabajo se basa en la variación de este motivo bajo diversas condiciones de iluminación.
Creado en 1903, la obra “Nenúfares. Clouds ”(colección privada) da lugar a una impresión sorprendentemente alegre. El lienzo está saturado de luz solar, a pesar de que el cielo está presente solo en su reflejo en el agua. Parece como si los nenúfares y las nubes flotaran lentamente sobre la misma superficie, como impulsado por un ligero soplo de aire.
La forma cuadrada del lienzo en la obra "Un estanque con nenúfares" (1908, Colección privada, San Galo Suiza) amplía visualmente la imagen en el espacio, dando la impresión de infinito. Monet utilizó el efecto de la fotografía, como si esculpiera un fragmento separado de la superficie del agua de un estanque y lo escribiera en primer plano. Solo la extensión de agua con hojas, flores de nenúfares y nubes reflejadas, pintorescamente esparcidos en su superficie, cayó en el marco.
Aquí, el maestro se apartó de nuevo de la construcción en perspectiva de la pintura, por lo que los nenúfares ubicados en la esquina superior derecha de la composición están más cerca del espectador que las plantas en primer plano de la pintura. Gracias a esta técnica, la pintura pierde su profundidad y, como si fuera, se despliega en un avión, volviéndose más decorativo.
Desde la década de 1870, Claude Monet ha visitado Inglaterra en repetidas ocasiones, amaba Londres por su atmósfera de niebla única. Y desde alrededor de 1900, el pintor empezó a venir aquí con más frecuencia. Crea aquí una serie de obras dedicadas al edificio del parlamento.
El cuadro "El edificio del parlamento en Londres" (1904, Museo d'Orsay, Paris) depicts an architectural object as if shrouded in dense fog. Only in some places the yellow-red sun breaks through the little thought, highlighting fragments of the majestic outlines of neo-Gothic architecture and staining the broad Thames with reddish-purple flare. The style of painting is very arbitrary, the artist depicts not specific elements, but a momentary image of the city itself, such as he just saw it.
Monet’s impressionism is not intended to convey objective reality; he does not recognize the constancy of the qualities of objects. Their whole appearance, color and shape depend only on the light, which is barely breaking through, then floods the entire neighborhood, or even goes out, turning into twilight. In the spring of 1908, Claude Monet and his family went to Venice. The delightful atmosphere of this city, its water expanses, surprisingly successfully beaten by Venetian architects, the reflexes of light on the water and the monuments reflected in it, captivated the painter. Thus was born a series of Venetian landscapes, written directly during the trip.
The work “Palazzo da Mula in Venice” (1908, Galería Nacional, Washington), written there, can hardly be called a guided or architectural landscape. Rather, it is, figuratively speaking, a "portrait" of a medieval Venetian building, "looking" in the mirror of the canal in front of it. Es más, this “portrait” was painted in close-up, the sides of the palace are cut off by the frame of the picture, only the middle part of the building without a roof fell on the canvas.
Such an unusual composition is explained very simply, Monet was not going to copy an architectural monument at all, he was as unimportant for him as the figures of people on most of his canvases. The artist was captivated by the surprisingly harmonious unity of architecture and landscape, designed by a brilliant architect who conceived the palace, as if emerging from the water. A horizontal composition with a clear division into the front (space of water) and rear (walls of the palazzo, dotted with numerous arches of door and window openings) plans are balanced by a pair of thin silhouettes of gondolas.
Venice impressed the artist with the unity of life of the buildings and canals on the banks of which they were erected. Impressionistic harmony, formed by stone walls reflected in the water, which the same water that absorbs sunlight, paints with numerous reflections of heavenly shades, won the heart of the painter. It was this state that he tried to convey on his Venetian canvases.
Loneliness and loss
The second decade of the new century was marked for the artist by a series of losses. In 1911, Alice’s second wife died, three years later, in 1914, his eldest son, Jean, dies. Monet was faithfully looked after only by Alice’s daughter from her first marriage, who was Jean’s wife.
Together with a series of deaths of relatives, the painter suffered another misfortune – double cataract. Evil rock took away from the artist the main thing that he devoted his whole life to being able to see and study the lighting effects, glare and reflexes of the sun’s rays, seen in nature. Sin embargo, Monet did not stop, he continued to create his work. Four years later, after his diagnosis, the artist conceived a new series of impressive panels measuring 2x4 meters with images of his garden.
The panel “Water Lilies” (“Nenufaras”, 1920-1926, the Museum of the Greenhouse, Paris) gives the impression of the flatness of an endless space, as if extending far beyond the frames of the picture. Juicy, large strokes of the master only outline the shape of the leaves and flowers, the whole picture is executed using the technique of color spots.
A little earlier, in 1917, Claude Monet wrote his "Self-Portrait" (Museum of the Greenhouse, Paris). The picture is a person’s self-esteem reproduced through reflection in the mirror of one’s own consciousness. Tired eyes of the master do not look at the viewer, although he turned to face him. The artist is not looking for "dialogue." A primera vista, the work seems unfinished:only the artist’s head is depicted, and the shoulder line is outlined schematically. Sin embargo, the thick shadow that borders the portrait saturates the image with drama and leaves no doubt about its completeness.
At the end of his career, Monet began to mix subject and non-objective art. In his 1918 work, The Japanese Bridge (Institute of Arts, Minneapolis), one can only read the outline of the artist’s favorite bridge, twisted with wisteria and thrown over a pond with water lilies, a low bush in the foreground and a tree at the right edge of the canvas. Everything else is just an extravagant riot of colors, beauty and fullness of life.
The painting “Garden with a Pond in Giverny” (circa 1920, the Museum of Fine Arts, Grenoble) presents us with a mysterious corner of the artist’s garden, hidden in dense thickets. The work, of course, is substantive:a clearly constructed composition is visible here, the outlines of the branches are clearly distinguishable. It seems that in the work the color plays an independent, it is emphasized decorative in the refraction of the dying view of the painter. Thanks to unrealistic conditional color rendering, the picture makes a dramatic impression. Color is unusually expressive. This is no longer impressionism in its purest form, the writing technique and artistic conception are more likely a reflection of the inner world of an aging person.
The great artist, one of the founders of Impressionism, who conquered the world, Claude Monet died in December 1926 in his house in Giverny. Cezanne at one time exclaimed:"Monet is just an eye, pero, my God, what a thing!" The painting of the French artist is an endless enthusiastic admiration for nature, the beauty and perfection of which he was able to convey in a special, único, subtle and sensual style.
Zhuravleva Tatyana
